Mazzotti y Cía.

Agustín Bernal: Contrabajista y Jazzista

2010-03-08T00:00:00.000-06:00

Agustín Bernal Maldonado está considerado como uno de los mejores contrabajistas y jazzistas del país. Nació en la Ciudad de México en 1960. Se formó como músico en Xalapa bajo las enseñanzas de Andrés Kalarus, y Rufus Reid fue su mentor en Nueva York. Miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional en 1982, de trato gentil y enseñanza generosa, Agustín Bernal es un músico querido y admirado por sus colegas y amigos, con quienes ha compartido escenarios, entre los que destacan en el ámbito xalapeño Javier Flores Mávil, Edgar Dorantes, Guillermo Cuevas y Jorge Vázquez Pacheco. Bernal ha compartido escenario con grandes luminarias internacionales, entre las que destacan Bill Carrothers, Ignacio Berroa, Antonio Sánchez, Makoto Ozone, Bela Fleck and the Flecktones, Eddie Palmieri, Sir Roland Hanna, Jerry González, Paul MacCandles Jean Pierre Rampal y Ralph Lalama entre otros. En la actualidad, Agustín Bernal forma parte del trío Äanderud-Bernal-Puentes y participa con otro de los jazzistas renombrados de nuestro país: Eugenio Toussaint. Con ellos ha participado en festivales mundiales durante intensas giras internacionales. En 2007, dentro de la décimo segunda edición anual del Festival Internacional JazzFest que se celebra en Xalapa, le fue concedida la medalla "Juan José Calatayud" (otorgada por el Gobierno del Estado de Veracruz a través del IVEC) a quien ha destacado en este ámbito por su contribución artística, importancia académica y las aportaciones a la difusión del género, además de haber sobresalido y obtener prestigio internacional gracias a su calidad artística. En esa misma ceremonia, Agustín Bernal tocó con Eddie Gómez, músico del legendario Bill Evans.

Agustín, ¿que significó para ti como jazzista recibir esta distinción?
Para mí fue un gran honor y una motivación porque significa que mi trabajo como músico de jazz es reconocido y eso me impulsa a seguir haciendo y promoviendo el jazz en México. Reconozco al comité que tuvo en cuenta mi trabajo porque gracias a sus integrantes es que obtuve la medalla, además, de que esta ciudad, Xalapa, es donde realmente me formé como jazzista y en la que tengo tantos amigos, alumnos y familia, como mi hijo Astor.

Si bien ya te presentaste en el reconocido club de jazz Dizzy Gillespie en Nueva York, ¿qué otros sitios quedan pendientes? ¿Y con quiénes te gustaría tocar?
Me gustaría compartir escenarios con Sonny Rollins, Hank Jones y Roy Haynes. Y hay escenarios pendientes, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Club Village Vanguard también en Manhattan y el Blue Note en Tokio.

¿A quienes admiras profesionalmente?
Sin duda, a Andrés Kalarus, Marc Johnson, Sonny Rollins, Hank Jones, Roy Haynes, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti, que están vivos; y de los muertos, a Charlie Parker, Scott Lafaro, Bill Evans, Paul Chambers, John Coltrane y Eric Dolphy.

¿Te consideras uno de los grandes del jazz?
Me considero un músico estudioso del jazz, que busca tocar las notas correctas en el momento correcto e interactuar y divertirme con mis compañeros músicos.

¿Qué es el jazz para ti?
El jazz es mi vida. Es la contribución más grande de los Estados Unidos a la cultura mundial. Es la unión de la música europea y la música africana que se da en América, concretamente en los Estados Unidos. Es un lenguaje universal cuya característica principal es la improvisación y la interacción de los músicos sin importar su estrato social, raza, origen. Es un lenguaje universal.

¿Qué opinas de la situación actual del jazz en México?
El jazz no es popular en México. Hace falta mucho para crear una cultura de jazz en nuestro país, sin embargo, la situación en este momento es mejor que en toda la historia del jazz nacional. Mientras más apoyo tenga el jazz y la música en México, el nivel de este género va a ser más alto. Es necesario fomentar el gusto por la música en los niños, creo que esa es la clave.

De no haber sido jazzista, ¿que te habría gustado ser? ¿Qué otras manifestaciones artísticas te interesan?
Director de cine; y disfruto mucho por ello la cinematografía, además de la pintura y la danza contemporánea.

Agustín, ¿es fácil ser jazzista? Me refiero al costo de los estudios, tener un empleo, etc.
Es igual que cualquier otra actividad creativa, pienso que es cuestión de amar y creer en lo que haces. Si no es así, entonces la cosa se pone difícil.

¿Se vive del jazz en México?
Actualmente estoy dedicado íntegramente al jazz, aunque de vez en cuando hago grabaciones y otras pequeñas chambas que no son precisamente jazz. También doy clases de contrabajo, que es otra de mis actividades importantes, y soy director de MUJAM A.C. (Músicos Jazzistas Mexicanos, Asociación Civil), organismo dedicado a la promoción, difusión y apoyo al jazz de nuestro país.

Así que eres formador de nuevas generaciones de jazzistas…
Sí, claro; al igual que muchos de mis colegas, esa es una de mis actividades más importantes. Actualmente participo como docente en la Escuela de Jazz de la Universidad Veracruzana, en donde participan como catedráticos Edgar Dorantes, Miguel Cruz, Rey David Alejandre y Gabriel Puentes. Esta escuela ofrece un diplomado que cuenta con 124 alumnos, habiéndose abierto apenas el 18 de febrero pasado en Xalapa.

¿Y los discos que has grabado?
Mis producciones propias son los discos Niño y Common differences. Acaba de salir a la luz el disco compacto Midnight picnic bajo el nuevo sello discográfico MUJAM Records, con Rey David Alejandre en trombón y piano, y Gabriel Puentes en batería. El CD consta de diez temas, de los cuales cuatro son mías, tres de Rey David y tres del repertorio clásico, arreglados por el grupo. Pueden escuchar una muestra de mi música en la página www.fridarte.blogspot.com.

Byron Brauchli: Tinturas, Grabados y Fotografía

2010-03-01T00:00:00.002-06:00

Byron Thompson Brauchli cursó el Bachelor of Arts (Licenciatura en Artes), con opción Español (BA), así como la Licenciatura en Artes Plásticas, opción Fotografía (BFA). Recibió la Magna Cum Laude 1986 en la Universidad de Colorado en Boulder (USA). Es Master of Fine Arts; también cursó la Maestría (grado terminal) en Artes Plásticas (MFA). Hizo el Doctorado en la Universidad de Texas en Austin. Es investigador de Tiempo Completo en la Universidad Veracruzana en el Instituto de Artes Plásticas. También ha sido profesor invitado en la Escuela Para Estudiantes Extranjeros, Universidad Veracruzana. Ha impartido cursos de la Historia del Arte Norteamericano del siglo XX. Enseñanza de cursos de fotografía básico y laboratorio de impresión en blanco y negro, así como del Curso de Laboratorio de impresión en blanco y negro a alumnos del sexto semestre de gráfica. Se ha desempeñado como académico en la Fototeca de Veracruz; en el Odessa College de Texas; en el Centro Integral de Fotografía de Puebla; en la University of Central Arkansas; en el Centro de la Imagen, en la Ciudad de México; en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, en Oaxaca; en la Universidad de Sonora, en Hermosillo; en la Casa de la Cultura; y en Tijuana, Baja California; Universidad de Texas en Austin. Ha expuesto en Argentina, México, Canadá y Estados Unidos.

Byron, ¿cómo es que te inicias en las artes gráficas?
Empecé casi por accidente. Estaba estudiando Artes Plásticas (opción foto) con el maestro Newhall, en la Universidad de Nuevo México cuando vi unos heliograbados de Alfred Stieglitz en una exposición. Me quedé tan impresionado con la calidad de las copias que quise experimentar con la técnica. Había entonces una maestra de grabado muy accesible que me ayudó mucho en mis indagaciones históricas del proceso. Eso fue el inicio de un camino ya muy largo, más de veinticinco años, de explorar el heliograbado. Quiero hacer notar que yo lo abordé desde la fotografía, sin darme cuenta cabal de lo que implicaba en las artes gráficas y sin adivinar que habría un renacimiento de estas prácticas años después. Fue el deslumbramiento de la calidad estética de la impresión lo que me atrapó y me sostuvo durante los años de mi formación en la Universidad, pues mi interés en estas técnicas era tomado por mis maestros como un prurito histórico que no me ayudaría a conseguir exposiciones o un trabajo en una Universidad.

Háblanos acerca de tu proyecto de fabricación de tintas.
Desde la popularización de la fotografía como práctica cultural a finales del siglo XIX, ha existido una larga trayectoria de ediciones de alta calidad relacionada con México. Ya sea que contemplemos las vistas mayas de Désiré Chamay, los paisajes de Hugo Brehme, las clásicas imágenes de Paul Strand o las recientes colaboraciones de Francisco Toledo y Graciela Iturbide con talleres norteamericanos y europeos, podemos encontrar un constante interés por la impresión fina y permanente de las imágenes. El portafolio de heliograbados sobre México elaborado por Paul Strand es, quizás, no sólo uno de los más renombrados ejemplos, sino que su calidad no ha podido superarse. No obstante hoy día, pese a los enormes cambios tecnológicos y estéticos, las imágenes, son cada vez más ubicuas por su cotidianidad y proliferación. Si a esto aunamos la revolución digital, encontramos que el significado de muchas de estas imágenes se convierte más en un sound bite o email y, cuando se imprimen (si es que acaso las imprimen), estas imágenes son cada día más iguales una a la otra, por su manera estándar de producción con equipos, tintas, y papeles transnacionales. Es en este contexto que Ediciones Izote: Taller de Gráfica y Heliograbado propone el rescate y difusión de la técnica del heliograbado en el mundo artístico de México moderno.

¿Cómo y porqué surge esta necesidad?
El proceso del heliograbado en cobre remonta a los inicios de la fotografía, cuando las imágenes impresas con sales de plata aún no eran muy estables ni permanentes. Por esta razón, los pioneros de la fotografía como William Henry Fox Talbot, buscaron por medio del grabado una alternativa más durable a las efímeras impresiones en plata. A lo largo de varias décadas se fue mejorando la técnica hasta perfeccionar lo que conocemos como heliograbado en cobre: un proceso de reproducción único en la historia fotográfica hasta hoy día. El gran fotógrafo modernista norteamericano Alfred Stieglitz solía decir que las reproduccio¬nes en heliograbado que se hacían en su revista Camera Work no eran reproduccio¬nes, sino múltiples originales. Es precisamente la sutil distinción en la calidad técnica de este proceso de im¬presión lo que lo diferencia de otros procesos y donde quizás reside el atractivo estético del que actualmente gozan los llamados procesos alternos donde se ubica al heliograbado. Lo que le da la calidad de “original” a una estampa en helio¬grabado sobre una reproducción litográfica, o de offset, o incluso digital, es el carácter binario de estos últimos tres procesos: o sea, se imprimen o no se imprimen, pues no hay medios tonos. Un heliograbado se graba continuamente en el ácido mientras se forma la imagen. Con una litografía, un offset o una imagen digital, hablamos siempre de la resolu-ción o nitidez de la trama que contiene la imagen: se traducen los medios tonos de una fotografía a una serie de puntos tramados. Además de la distinción binaria en que se forman las imágenes, merece mencionarse que la estampa de un grabado deja la imagen literalmente impresa dentro del papel, con un minucioso relieve de tonos y de la marca de la plancha. Todos estos detalles hacen verdaderamente únicas las copias del heliogra¬bado.

¿Cómo se fabrica un heliograbado?
La producción de un heliograbado en cobre se puede dividir en cuatro fases: Elaboración de positivos ampliados, insolar y grabar las planchas, hacer pruebas de impresión (y color) de las planchas hasta llegar a un bon à tirer (BAT, “bueno para tirar” en español), y finalmente realizar el tiraje de la edición. La primera fase consiste en ampliar análogamente el negativo original sobre película del tamaño final del grabado. Este positivo se emplea en la segunda fase como la matriz para insolar la imagen en un relieve de gelatina sobre la plancha, el cual se sumerge en ácido para grabar el cobre. Después, en la tercera fase, se muele y condiciona la tinta hasta obtener las características de tono y color deseadas, escogiendo a la vez el papel que se usará en la edición. Una vez decididos y de acuerdo con la calidad de las estampas que el taller obtiene para el artista, se firma una impresión como un BAT, la cual se respetará como guía para igualar la edición. La última fase consiste en completar el tiraje de acuerdo al BAT ya establecido.

¿A quiénes beneficia este tipo de proyectos?
De cierta manera, mi investigación sobre las cualidades de tintas calcagráficas para huecograbado es una extensión de la misma investigación en la técnica del heliograbado, pues para contar con una muy buena copia de heliograbado, es obligatorio usar buena tinta y buen papel. Y aunque se consiguen buenos papeles y tintas de importación con renombre, no me estaban dando los resultados estéticos que yo requería de mis heliograbados. Detalles técnicos como la pigmentación y otros prácticos como la forma de limpiar la tinta de la plancha, pues las comerciales muchas veces se escurrían a la hora de imprimir y daba como resultado grandes deficiencias en las impresiones, pues éstas salían manchadas o mal tonadas. Otras veces, las tintas eran de exportación y todo pero venían mal molidas, o con mucha grasa, o poco pigmentadas. En fin, me fue más fácil comenzar de nada, combinar pigmentos y aceites como lo hizo Gutenberg al inventar el tipo móvil; porque no olvidemos que no tan sólo inventó el tipo, sino también la tinta con que imprimirlo. A medida que iba explorando todo eso, llegaron otros grabadores interesados también en una mejor calidad de tinta, en tintas no tóxicas, fáciles de aplicar y de limpiar, y sobre todo, de una calidad tonal excelente, de modo que el interés personal es impulsado por muchas otras personas y así ha ido creciendo y fortaleciendo la preparación de tintas. Creo que la comunidad gráfica del país se beneficia de esta investigación y de las tintas resultantes.

La gente interesada en conseguir tus tintas, ¿a dónde puede acudir?
Tenemos disponibles tintas negras y de varios colores para los artistas interesados. Nos pueden contactar por internet en www.edicionesizote.com o por teléfono al 8132007.

¿Haces tintas especiales para trabajos de experimentación o de vanguardia?
Yo diría que cada heliograbado es una experimentación, pues por más que se trabaje con un negativo o archivo digital que el fotógrafo ya conoce, saldrán detalles no imaginados o vistos en las versiones fotográficas anteriores. Además, gran parte del control en cómo salgan algunos detalles tonales o de textura, cuáles suprimir, qué tan obscuro imprimir sombras o con qué transparencia y sutileza separar las luces, dependerá de experimentar y variar la tinta. De hecho, entre nosotros, llamamos muchas veces a las tintas “bases”, porque aunque están listas para usar como vienen de las latas, siempre hay que modificarlas para las distintas características tonales de cada heliograbado. Cada helio es un experimento de vanguardia.

¿Quiénes colaboran contigo?
En el taller somos tres personas: Leticia Mora, Guillermo Espinosa y yo. Memo como artista e impresor es, desde luego, quien le entra duro al trabajo conmigo. Lety hace otras cosas menos técnicas, pero igualmente valiosas. Luego, hay varios artistas que han colaborado con el taller de manera directa y han sido, en distintos momentos, importantes apoyos para ponderar resultados. Por ejemplo Leticia Tarragó, Jesús Gallardo, Robert Rauschenburg y fotógrafos de renombre nacional como Francisco Mata, Eniac Martínez y Antonio Turok, para mencionar los más conocidos. Luego hay otros que son parte del descubrimiento y el asombro del proceso creativo del taller, como Saraí Ojeda, Arturo Fuentes, Ángela Arziniaga y Everardo Rivera, entre muchos más.

Imagino que ya tienes proyección internacional con estos productos. Cuéntanos acerca de ello.
Pues sí, se han llevado las tintas a varios países, entre ellos, Italia, la República Checa, Suiza, Estados Unidos. Sin embargo, para la producción pequeña y artesanal que tenemos, entrar en mercados exteriores es complicado, y creo que es mejor avocarnos primero al mercado nacional.

¿En qué proyecto gráfico estás trabajando ahora?
Actualmente estoy trabajando una serie de helios en color acerca de la devastación del medio ambiente, algo que ya había hecho en una serie: Encrucijadas, cuando el tema no estaba de moda hace más de quince años. Siento que se debe seguir insistiendo en esto, desde otros ángulos, con otras herramientas, pues el hecho de que esté de moda hablar de los problemas ambientales no quiere decir que se haga algo, que cada uno de nosotros haga algo, pues es un problema social, de políticas públicas y de las empresas, pero también de responsabilidad individual, de cambio de hábitos en nuestra vida cotidiana. En fin, retomando la pregunta, también trabajo en un viejo interés, una serie de poemas e imágenes, un diálogo entre poetas y yo. Y luego un novísimo interés, una serie de fotoesculturas.

¿Tienes alguna exposición en puerta?
Participo en dos exposiciones colectivas durante el mes de junio, que se terminan con el Encuentro Internacional de Procesos Fotográficos Alternativos que estoy ayudando a organizar y que tendrá lugar en muchas galerías locales. Quisiera mencionar brevemente el encuentro, puesto que el heliograbado es un proceso alternativo. Este encuentro tendrá lugar del 1 al 4 de julio con exposiciones de heliograbados y muchos otros procesos fotográficos alternativos, y contará con la participación de muchos autores. La idea es reunir el renacimiento actual de estos procesos fotográficos en la esfera internacional con la apertura a los procesos fotográficos de los años setenta del siglo pasado, y los surgimientos de innovadoras propuestas plásticas en Xalapa en esos años. En el encuentro el público podrá apreciar trabajos de los más grandes de estos maestros, desde el auge comenzado en Xalapa bajo los impulsos de Carlos Jurado, hasta los mejores ejemplo de artistas contemporáneos de Estados Unidos, como Richard Sullivan y Jon Goodman. O la de otros practicantes reconocidos como Julio Galindo y Sandy King. Además, estos mismos maestros darán talleres de las técnicas que dominan. Para más información pueden visitar la página www.encuentroprocesosalternativos.com.

¿Tu trabajo gráfico es accesible, económicamente hablando? Es decir: ¿es fácil para el público adquirir una obra de Byron Brauchli?
Creo que mi trabajo es accesible, obviamente mucho más que un Cuevas o un Toledo. Quisiera enfatizar la importancia de invertir en obra original. Demasiadas veces veo reproducciones baratas enmarcadas lujosamente, cuyo valor rebasa el valor de la reproducción. Eso me parece absurdo, y quisiera invitar a los lectores a que adquirieran obra original, sean pinturas, esculturas, los múltiples originales de la gráfica. Adquieran aquellos que les conmuevan, que les digan algo y que se adapten a su presupuesto, porque hay trabajo de muy buena calidad: desde obra estudiantil hasta de productores de reconocido prestigio. Lo que es importante es la luminosidad de una obra original, la vida y calidad de la obra, que simplemente no va a tener una reproducción. Además, los múltiples originales de la gráfica presentan una buena oportunidad de adquirir una obra original, pero no a precios tan elevados como son las piezas únicas, como pinturas y esculturas. Y finalmente, es una inversión que no se devalúa, al contrario: con el paso del tiempo aumenta su valor. Aunque una obra de arte original cuesta un poco más inicialmente, es una inversión que crece, que se disfruta más y que estará con ustedes y sus hijos en el futuro.

¿Cuál es la temática que más te interesa plasmar en tu obra?
Me interesan todas, a veces más una que otra, pero es la variedad o su dificultad plástica lo que mantiene mi interés.

¿A qué grabadores y fotógrafos admiras?
Pues de entrada a Paul Strand, por su compromiso social, por la calidad de su trabajo, por las bellas impresiones. Claro, estoy pensando en su carpeta de heliograbados México. Dentro del género del paisaje a Mark Klett. Él también tiene un ojo y un compromiso con el medio ambiente fuerte. Más cerca, de México hay muchos: Eniac Martínez, Gerardo Suter, Antonio Turok, Pablo Ortiz Monasterio, y la lista podría seguir...

Armando Mora: Canto que Recorre el Mundo

2010-02-22T00:00:00.001-06:00

Armando Mora nació en Xalapa, Ver., México. Realizó estudios de Perfeccionamiento en Canto Operístico en la escuela Juilliard y Mannes College en Nueva York; en el Estudio de la Ópera de Bonn en Alemania; en el Instituto de Artes Vocales de Tel Aviv, Israel y en la Universidad Veracruzana en donde además se graduó con Mención Honorífica en Medicina General, habiendo obtenido el 2º lugar de su generación. Se ha presentado en importantes escenarios internacionales como el Teatro Real de la Ópera de Dinamarca; Ópera de ciudad del Cabo en Sudáfrica; Ópera de Bonn y Ópera de Stuttgart en Alemania; la Companion Ópera en Zurich, Suiza; Ópera de Chipre; Teatro Nacional de la Ópera en Croacia; Gran Ópera de Miami; en Roma y Florencia, Italia; Syros en Grecia; en los Estados Unidos con la Ópera de Dallas; Rhode Island Ópera; Connecticut Grand Ópera; Nuevo México; La Ópera de Arizona; El festival de Caramoor , la Ópera Di Capo y el Teatro de la Ópera de Juilliard en Nueva York; el Tour Nacional con la New York City Ópera; La Ópera de Pittsburgh; la Ópera de Eugene Oregon; La Ópera de Alaska; la compañía de Ópera Lírica de Nueva Jersey; Pro Arte Lírico en Puerto Rico y la Ópera de Costa Rica y de Santo Domingo; en México con la Ópera de Bellas Artes, de Guadalajara, Villahermosa Tabasco, Sinaloa, Guanajuato, Sonora, Chihuahua, Veracruz, entre otras, así como en diversas producciones de Ópera con la Orquesta Sinfónica de Xalapa.

Armando, te recibiste de Médico Cirujano, con honores, por la Universidad Veracruzana. ¿Cómo es que vuelcas tu mirada al canto?
Pues siempre desde pequeño tuve atracción por las artes escénicas y el canto era un interés muy intimo que no compartía con nadie, pero siempre admiraba a los compañeros que cantan en fiestas y reuniones y me impresionaban las voces educadas.

¿Quiénes influyeron en ti para cantar?
Primero fue mi papá, que gustaba de cantar en reuniones familiares con sus amigos y me alegraba verlo disfrutar tanto de la música.

Fuiste alumno, en tus inicios, de la única maestra de bel canto en Xalapa hace algunos años: Olga Baldasarri, quien afincó su residencia por muchos años en Xalapa, después de su rutilante carrera como cantante en ópera en Europa, especialmente en Italia. Cuéntanos acerca de tus primeros pasos con ella.
Efectivamente mi primera maestra fue la maestra Baldassarri a la edad de dieciséis años, y fue quien me inició en el conocimiento de la Ópera, que hasta entonces yo ignoraba.

Posteriormente, ¿quiénes fueron tus maestros?
Siempre fui muy autodidacta y me ha gustado mucho estudiar e investigar acerca de la voz, pero después de la maestra Baldassari me fui a Bellas Artes en donde debute a los veintiún años, y no tuve otro maestro formal hasta que me fui a estudiar a Juilliard School of Music en Nueva York en donde estudie con el prestigiado maestro Daniel Ferro, y con una querida maestra QPD Ellen Repp, posteriormente con personalidades como Franco Corelli, Denes Striny.

Cuéntanos de tu primera vez en escena: ¿Qué interpretaste? ¿En dónde? ¿Cómo te sentiste?
Pues fue en mi adolescencia y como actor en una bella obra de Emilio Carballido que hicimos con mucho cariño y desde ahí supe que ese era mi lugar.

¿No fue extraño dejar la carrera de Medicina para dedicarte al canto? ¿Dudaste alguna vez?
Esa era mi verdadero llamado y aunque me titulé con mención honorifica y fui el segundo lugar de mi generación de Medicina, tuve desde mis inicios como cantante oportunidades profesionales importantes. Debuté con la sinfónica a los veintiún años como solista y empecé a ganar con mi voz a los dieciséis años, cuando entre al Coro Profesional de la Universidad Veracruzana, y a partir de mi debut en Bellas Artes estuve en todas las temporadas por seis años hasta mi partida a Nueva York.

Has triunfado como tenor en escenarios tanto nacionales como internacionales y tu carrera sigue en ascenso. ¿Qué ópera te gusta interpretar más?
Pues realmente disfruto las obras o conciertos que interpreto en el momento de hacerlos y me entrego a ser fiel con la música y los personajes. He interpretado casi todos los roles que mas me gustan y que eran mi sueño, pero aun me falta el rol de Des Grieux de Manon Lescaut de Puccini.

¿Con quién has compartido escenarios y cuál o cuáles son tus directores favoritos?
Pues con cantantes muy queridos como Aprille Milo, Sylvie Valerre, Adria Fireston, Placido Domingo, Justino Díaz, y últimamente me ha dirigido el reconocido director y querido amigo Marco Balderi.

¿Qué opinas acerca de la formación de cantantes de ópera en México? ¿Esto es: habiendo tantos aspirantes a interpretar obras clásicas y seguramente tantos estudiantes de canto, por qué solamente conocemos a un puñado de ellos? ¿Qué pasa con “los otros”, los que no se escuchan?
Como tú sabes, no todas las carreras tienen el mismo nivel de publicidad y aunque haya varios cantantes mexicanos destacando en el mundo, no tienen un soporte publicitario para enterar al público en general, pero ya hay varios colegas en el extranjero haciendo importantes carreras. Antes se apreciaban las voces mexicanas, pero se decía que carecían de la preparación musical y cultural necesarias. Pero ahora los cantantes jóvenes se están preparando desde jóvenes a un nivel muy importante, mi misma hija realiza actualmente la maestría en canto en la ciudad de Stuttgart (Alemania) después de haberse titulado como arpista.

Tú eres asimismo formador de cantantes. Sin embargo, a nivel privado es difícil formar completamente a profesionales dadas las condiciones de infraestructura académica y de espacios específicos para ello: los instrumentos que acompañan son caros, no es posible, a nivel privado tener una orquesta, etcétera. En tu opinión: ¿qué falta para que México sea un país “productor” de cantantes de ópera de alto nivel?
En primer lugar, el estimulo a los jóvenes, que son muchos, para seguir su sueño. México tiene poca actividad operística, pero en el mundo hay muchas casas de Ópera de diversos niveles en donde se realizan producciones interesantes. En mi caso particular he empezado a organizar talleres para preparar a jóvenes cantantes con los elementos fundamentales para su formación, y produzco y promuevo espectáculos con ellos de diversos géneros para que vayan tomado la experiencia escénica y haciendo un currículo.

¿En qué escenarios te gustaría cantar que no lo hayas hecho ya?
En Francia extrañamente no me presentado aun, pero hare un tour de audiciones en 2010.

¿Cuáles han sido tus mayores satisfacciones como cantante?
Mis mayores satisfacciones dentro del canto han sido a nivel espiritual, me ha acercado a mucha muy gente valiosa y buena, he recibido mucho amor y he logrado adentrarme en el mundo emocional y sensible de mis hijos, que también han incursionado en el canto. Abrir un camino emocional y sensibilizar a otros seres humanos es mi objetivo de vida, que es para lo que estoy aquí. Creo que el ser humano se pregunta eso muchas veces y yo me siento feliz de haber encontrado mi camino. Desde otro punto de vista, pues los viajes a lugares que jamás había imaginado, conocer otras culturas, formas de vida, disfrutar de excelentes comidas y vivir intensamente.

¿A quiénes admiras como cantantes?
Uno de mis cantantes favoritos es sin duda el desaparecido gran tenor Franco Corelli, a quien tuve la oportunidad de conocer y fue también mi maestro en cursos en Florencia, Italia. La inigualable Maria Callas, Mirella Freni, el desaparecido Pavarotti, y desde luego el maestro Plácido Domingo, quien ha sido uno de los principales promotores de ópera para el público en general a nivel mundial.

Fundaste tu compañía “Argot”, que se ha presentado con gran éxito en la ciudad de Xalapa. Cuéntanos de tus proyectos futuros con esta compañía.
Argot es un grupo que reúne a jóvenes comprometidos con el canto y con llevar su arte al público, generando un culto entretenimiento y sensibilización. Ellos estarán conmigo en la Feria Internacional del Libro aquí en Xalapa en el mes de Septiembre, y posteriormente harán más presentaciones del espectáculo de Disney que tuvo gran éxito, y de otros géneros que se encuentran preparando.

Todos ellos son jóvenes, los integrantes de Argot, que viven estos tiempos de rapidez. Y el bel canto, como otras expresiones artísticas, requiere tiempo, paciencia, constancia. ¿Cómo enfrentas esto como mentor?
Pues comparto con ellos una filosofía muy diferente a ese continuo estrés actual, y hacemos un paréntesis cuando hacemos ensayos y clases para lograr integrar al ser humano orgánico no metalizado, al ser sensible que todos tenemos dentro, estimulando que se manifieste en ellos través de sus voces.

¿Qué se necesita para ser cantante de ópera? ¿Cualquiera puede serlo?
Quizá un cantante en general cualquiera puede serlo, si tiene el deseo verdadero de lograrlo, y la disciplina y constancia necesarias, un cantante específicamente de Ópera requiere de más habilidades y más compromiso, ya que el desarrollo de la voz debe realizarse al máximo, y conocer música, idiomas, etc. y amar ese bello genero, ya que los sacrificios de los viajes, la vida nómada, puede ser difícil.

Cuéntanos tus planes a futuro.
Pues termino mis cursos de verano en Xalapa e impartiré otro en Querétaro en el mes de agosto. Luego iré a Nueva York, y feliz por los compromisos de este año con una agenda muy apretada, pero con cosas que deseo hacer, le he estado dedicando más tiempo a presentaciones personales y conciertos, pero estaré interpretando en bellísimo rol de Canio de la Ópera Payasos en Alaska en el mes de noviembre; y en octubre debutare como actor en Estados Unidos en la obra teatral Yerma de Federico García Lorca, lo cual me halaga mucho, ya que casi siempre se dice que los cantantes no son actores, así que me siento orgulloso de este proyecto.

Antonio Tornero: Dirigir la Realidad

2010-02-15T00:00:00.001-06:00

Antonio Tornero nació en Xalapa, Ver. Es egresado del Conservatorio Rimsky Korsakov de San Petersburgo (Rusia) en donde estudió Violín y Dirección Orquestal. Ha sido subdirector de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Guadalajara, director artístico de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, director titular de la Orquesta Sinfónica del Estado de Michoacán, director asociado de la Filarmónica del Bajío, y director artístico de la Ópera de Morelia. Ha dirigido importantes orquestas de México, Europa, Asia, Estados Unidos y América Latina. Durante treinta años formó parte del cuerpo de Concertistas de Bellas Artes del INBA. Se ha desempeñado como jurado en concursos nacionales e internacionales y ha sido merecedor de varias distinciones. Fue fundador de la Asociación Mexicana de Orquestas Sinfónicas (AMOS) y del Festival de Música Sacra “Pascua Florida” de Xalapa. Entre sus grabaciones como director, se encuentran obras de Luis Sandi con la Orquesta Sinfónica Nacional de México; “Trovadores de Veras” y “Homenaje a Cri Cri” con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, así como “Romanticismo Tenaz”, música mexicana para violín y piano, al lado de la maestra Luz María Puente. En 2007 recibió en la ciudad de Panamá, por parte del Consejo Iberoamericano en Honor a la Calidad Educativa, los títulos de Doctor Honoris Causa y Magíster en Gestión Educativa. En octubre de 2008 realizó una exitosa gira al frente de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, de la cual es director titular, a la República Francesa, ofreciendo conciertos en Aix en Provence, Lyon, Avignon, Marignane y Marsella. Actualmente es Director General del Instituto Superior de Música del Estado de Veracruz (ISMEV).

Antonio, ¿cómo te inicias en el mundo de la música y cómo es que decides ser director de orquesta?
Para estudiar música, desde luego esto tiene que ver mucho con la infancia, y en mis años tiernos podría decir a los cuatro años. Yo escuchaba mucho a mi padre tocar el violín, él fue un gran aficionado por no decir casi también un profesional, ya que fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica de Xalapa y a través de esas tertulias musicales yo me enamore del violín especialmente, ahí nació realmente el cariño, el deseo de ser músico, sobre todo de ser violinista. Después pasaron por mí muchos años de estudio, termine aquí en la Facultad de Música hasta donde se podía estudiar, después me traslade a la Ciudad de México para estudiar en el Conservatorio Nacional de Música la carrera de Concertista en el Violín y después vino finalmente la beca para ir a Rusia, que en aquel entonces era la extinta Unión Soviética, en donde estudié una fase de seis años e hice la Maestría en Violín principalmente como concertista, e inicie mis estudios de dirección de orquesta.

Durante tu estancia en la desaparecida URSS, viviste en carne propia esa parte del mundo, casi desconocida en aquella época para los habitantes del otro lado del mundo. Cuéntanos cómo era aprender música en ese lugar y en ese entonces.
Efectivamente, la Unión Soviética estaba muy aislada. Te acuerdas que decían que era la Cortina de Hierro. Entonces, para mí fue una experiencia desde todo punto de vista interesante. Difícil, porque entré a un país que además tenía un sistema distinto al nuestro, también en comidas y con climas bastantes rudos para nosotros, por lo que esto fue un aprendizaje que me hizo formarme como hombre y no solamente como músico. Yo realmente agradezco la beca que me dio el gobierno de la Unión Soviética para poder estudiar allá esos seis años. En ese tiempo, prácticamente no me tuve que preocupar ni por el dinero ni por el hospedaje, ni siquiera por las épocas de vacaciones que teníamos nosotros pagados, hoteles especialmente de descanso. Esta beca fue fenomenal, considero que yo la aproveche al máximo, al grado que pude recibirme dentro de los estudiantes que van a este conservatorio. El estudio es muy rígido; por ejemplo, muy al principio, cuando yo llevaba mis primeras lecciones con Boris Gutnikov y que me pedía el trabajo que yo había hecho. Te estoy hablando de las primeras semanas en que yo empecé a enfrentarme con un sistema distinto. Me acuerdo que tenía que presentarle determinado concierto, entonces en la primera clase llegué con el programa preparado, en una semana lo que yo pude llevar fue la mitad del primer movimiento. A la hora que me escucho Gutnikov me dijo: “A ver el resto del movimiento”, le dije: “Pues todavía no lo tengo, maestro” y me contestó: “Mira, Antonio, aquí cuando vengas a la próxima clase, que va a ser dentro de ocho días, no solamente quiero el primer movimiento: quiero todo el concierto. Y de memoria”. Esa manera de enfrentarme por primera vez a otro nivel de estudios para mí fue realmente un cisma, pensé “qué voy hacer en ocho días”, tener que poner un concierto que aquí, pues me llevaba alrededor de un mes o dos meses para prepararlo y allá tenía que hacerlo en una semana y de memoria. Entonces me empecé a acostumbrar a este tipo de trabajo. Cuando me decían en la clase de Historia de la Música por ejemplo: “Para la próxima semana, quiero que lean este libro y este libro y este libro”, y como ocho libros, no todo el libro, sabíamos cuáles capítulos teníamos que leer, pero aún así era una gran cantidad de cosas que había que hacer y todas en ruso además; esto para mí también fue una parte de una exigencia muy grande a la que no estaba acostumbrado. Vaya, ni siquiera en español leía tantos libros, mucho menos en ruso. Entonces, ya te imaginarás cómo fue para terminar toda esta carrera.

Cuando llegas a dirigir la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz (OSJEV), ¿cómo te sentiste, cuál fue tu percepción comparado con la dirección de orquesta formada bajo otro rigor académico, como el de la URSS?
Bueno, voy hablar como mi experiencia como director, cuando me hice director profesional llegando recién de la URSS. Esta experiencia es muy interesante, porque efectivamente, aunque yo no tenía todavía una carrera profesional cuando me enfrenté a los primeros ensayos de una orquesta tan importante como la de Xalapa, dirigir una orquesta en México se convirtió en una experiencia muy grata, muy… cómo se podría decir, sin ese temor como lo teníamos allá, por tanta exigencia y tanto compromiso. Cuando uno dirigía la orquesta del Conservatorio de Lingrado, no solamente era una orquesta muy buena, de profesionales, sino que además la dirigían alumnos muy talentosos. Entonces yo me sentía muy presionado por esto y esa presión desapareció cuando llegue a México. Es cuando me siento mucho más grato, me muevo como pez en el agua, disfruto más y entonces para mí fue mucho más fácil dirigir, no porque sea una orquesta menor, al contrario; es igual cualquier orquesta profesional en México que la orquesta del conservatorio de Lingrado, ya desde ahí yo empecé a ver esa ventaja enorme de que como estaba tan acostumbrado a una exigencia tal, que de verdad me pasé seis años con esas exigencias y al llegar a mi país, esto empezó a ser un goce. Ahora, mi experiencia cuando entro al Instituto Superior de Música del Estado de Veracruz (ISMEV), voy a hablar nada más como director del Instituto. Esta oportunidad me la brindó quien realmente me invitó y a quien agradezco muchísimo, que fue el Gobernador del Estado de Veracruz, Fidel Herrera Beltrán, por haberme dado la confianza y haber pensado en mí como director del ISMEV y también de la orquesta, pues fue un proyecto que para mí ha sido el más ambicioso, el proyecto más interesante de mi vida; yo creo que por eso estoy tan contento trabajando cada día que paso aquí. No hay momento en que no reconozca que este trabajo y esta labor rodeada de la gente que a mí me ha funcionado extraordinariamente como lo es mi equipo de trabajo, los profesores, la orquesta, los mismos alumnos, etc., pues se ha formado todo un ambiente y esto lo reconozco porque ha sido una labor que he hecho con mucho placer. No me ha costado nada de trabajo; quiero decir que tomar las riendas de una institución para hacerla más funcional, me hace realmente pensar que es una oportunidad en mi vida el poder hacer algo sobre todo para el Estado donde yo nací.

Antonio, tú conoces la importancia de la formación de estudiantes y público. Háblanos al respecto, por ejemplo, ¿qué pasa con el proyecto “Futuros melómanos”?
El proyecto “Futuros melómanos” es una idea que no es de ahora, esto es una idea de siempre a través de mi experiencia como maestro, como director de orquesta, como violinista. He visto que uno de los problemas esenciales que tenemos en México es no inducir a los jóvenes y a los niños especialmente a que se interesen en una cultura musical, en una cultura en general. No solamente hablo de la música sino de ir a una conferencia, a un museo, etcétera. Entonces, los “Futuros melómanos” es un proyecto no de ahora, sino de toda mi vida y que he platicado con mucha gente. Esto se inició en Zamora, Michoacán. Hicimos los primeros grupos de niños para asistir a los conciertos en donde he estado como director de orquesta, he tratado de tener siempre gente joven, este programa tiene realmente ese fin: el llevar a los niños de la mano para que vayan a los conciertos y no solamente hablo de la Sinfónica Juvenil: esos niños podrán ir a otros conciertos de la Orquesta Sinfónica de Xalapa y a todos los eventos culturales que se puedan presentar, siento que a ese proyecto le estamos dando mucha importancia a través de pequeños libros que se han hecho con lenguaje especialmente para niños chiquitos y vamos a sacar un álbum donde las estampitas serán entregadas a los niños que asistan a esos conciertos, porque es la forma en que paralelamente los niños van aprendiendo de la música, a través de la lectura, por lo cual el día de mañana podrían ser verdaderamente “Futuros melómanos”.

Radio y Televisión de Veracruz (RTV) transmite actualmente un programa, producido por ustedes. ¿Cuál es el objetivo de este programa?
Yo creo que el objetivo de un programa de radio, sobre todo con un mensaje musical, es que la gente primero disfrute. En toda la parafernalia que tenemos en la radio comercial, en la televisión, no hay espacios educativos, no hay estos respiros, no hay estos oasis; yo diría que esto es un oasis cultural que nos permite disfrutar, porque yo no pienso que necesariamente la gente lo tiene que escuchar para aprender música, no: es solamente por el disfrute de la música y si algo aprende, qué mejor. Pero sobre todo, creo que hemos llevado la tarea de investigación; este trabajo es muy serio, creo que pocas estaciones en el país tienen una programación de música clásica, como este programa que nosotros hacemos con “Notas con Música”, hay un gran trabajo detrás de este programa, sobre todo de investigación y de conseguir grabaciones que no se encuentran fácilmente en las tiendas comerciales.

¿Cuál es el objetivo primordial de formar músicos en el ISMEV? ¿A qué se enfrentan los egresados, están preparados para incorporarse a orquestas?
Es exactamente el perfil que nosotros buscamos. Es importante que se conozca que la carrera musical ya no está atrasada, con esquemas antiguos y poco funcionales y que nos han llevado a veces a darnos cuenta, en la realidad de la carrera profesional donde vienen grandes contrates, a saber que la gente no consume todavía el producto que nosotros hacemos: música clásica. Por eso los perfiles que nosotros tratamos de hacer en el ISMEV, son acordes con la realidad que tenemos, y esto quiere decir que poco a poco también vamos creando centros y células musicales en el Estado, para que poco a poco vayan surgiendo coros, orquestas y otros centros educativos musicales que puedan llevar también a la formación profesional de los chicos veracruzanos.

¿Y la idea del concertista?
La idea del concertista a mi me parece que va a estar vigente toda la vida, esto quiere decir que al chico que tiene talento, nadie lo va a detener y tampoco en nuestros programas de estudio dentro del Instituto. No está contemplado que acabemos con el concertista, al contrario: yo creo que en cualquier instrumento los chicos van a tocar las obras más difíciles para su instrumento, o sea que este programa sigue vigente. Simplemente, es necesario que conozcan otros géneros de música que a lo mejor les van a gustar, por ejemplo un guitarrista que además de tocar algo clásico pueda conocer flamenco, jazz, música folklórica. ¿Por qué no hacerlo de alto nivel? Eso no está mal; eso no está reñido con la excelencia musical.

Cuéntanos acerca de tus proyectos inmediatos.
Los proyectos inmediatos son los que estamos llevando a cabo ahora con la siguiente Temporada de la Orquesta Sinfónica Juvenil, los conciertos de Música de Cámara, los futuros y ya cercanos egresados en la licenciatura del Instituto Superior de Música. Aquí hay mucho trabajo, hay muchas cosas y si hablara yo de cada aspecto, pues yo creo que nos llevaríamos muchas horas en la entrevista.

Antonio Pérez "Ñiko": Diseñar el Mundo

2010-02-08T00:00:00.000-06:00

Antonio Pérez “Ñiko” nació en La Habana, Cuba, en 1941. Licenciado en Historia del Arte General por la Universidad de La Habana (1978). Profesor de Diseño Gráfico de la Escuela Gestalt de Diseño (Xalapa, Ver). Miembro del International Council of Graphic Design Association (ICOGRADA) de Inglaterra; de la Asociación de Diseñadores Gráficos “Amarillo”; de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Ha obtenido la Medalla de Excelencia “José Guadalupe Posada” en la Bienal Internacional de Carteles en México y la Distinción “Por la Cultura Nacional” en La Habana, Cuba, entre otras. Se encuentra antologado en los libros Latin American Graphic Design (Taschen); y El Cartel de Cine Cubano 1961-2004. Su obra ha sido expuesta en diversos países del mundo.

Ñiko, ¿qué significa para ti el diseño gráfico?
Como un gran barco formado de papeles, con colores, líneas y manchas. Navegando entre textos convertidos en tipografías. Asomando por entre ilustraciones que me permiten mirar hacia arriba y ver aparecer pájaros de alas como grabados que recorto para pegarlos en espacios llenos de flores y donde las nubes dejan caer suspiros de agua que se parecen a los carteles que diseño.

¿Cuál fue tu educación visual desde niño?
Fui el niño que lo observaba todo y que me gustaba dibujar, que admiraba los intentos de decir con las imágenes a un padre que prefería plasmar de manera primitiva su comunicar con una sociedad carente de estímulos visuales y también de objetivos económicos. Desde pequeño busqué en la lectura el mundo que me faltaba con las formas. Lo elaboré en mi mente y fui armando un universo de imágenes, de imágenes inventadas por otros que terminaban en ser mías. Ayudado por esa incipiente capacidad creativa aprendí a ordenar las ideas e intentar ser otro.

¿Qué disciplinas artísticas te influenciaron?
Si lo pienso, creo que el dibujo, aunque me gustaban los libros de pintores, no importaba donde habían nacido. El color llamaba mi atención, pero le echaría más la culpa a los viajes infantiles con mi padre a su lugar de trabajo que era una agencia de publicidad en el capitalismo cubano. Allí viví experiencias casi mágicas en compañía de los diseñadores que en ese momento se llamaban dibujante. Verlos trabajar era para mí adentrarme en un paisaje fantástico que atrapaban mis jóvenes sentidos. Ahí aprendí lo que iba a ser mi profesión.

¿A qué artistas visuales admiras?
Son muchos, no me conformo con citar unos cuantos. Mi atención va desde esos pintores desconocidos primitivos de las cavernas hasta los más modernos y atrevidos. Soy un investigador de lo visual. Descubro en cada pequeño detalle una manera de interpretar el arte. Y todo me ayuda. Claro que hay figuras que me apasionan como es el trabajo de un Arcimboldo, de Escher, de Ensor, de Leger, de un Manilla, Posada y muchos, muchos más. Fotógrafos como Blossfeldt, Ray, Muybridge y seguiría hasta agotarlos.

¿Qué otras manifestaciones artísticas te interesan?
Pues la música, que para mí es un disfrute y una deliciosa compañera, me apoya en la constante búsqueda de lo sensible, me eleva a regiones, tal vez difíciles de alcanzar. Me atrae la voz femenina como instrumento de ese alcanzar. Adoro los falsetes de los contratenores por lo delicado y armonioso de su timbre vocal. Me emociono de igual manera con una fotografía particularmente diferente, así como una película que hurga en los sentimientos, pero que tiene que estar realizada con arte. Soy un lector incansable, leo en cualquier espacio de tiempo, leo disfrutando cada palabra y los personajes que las dicen. Entre otras muchas situaciones.

¿En qué otras ramas de la creación has incursionado?
He descubierto otra pasión y es escribir, les confieso que no tengo la más mínima pretensión de llamarme escritor, pero para mí hacerlo es como diseñar con palabras, unirlas y crear otro universo que me permite decir muchas ideas que quieren y dejo salir.

¿Qué es para ti un buen cartel?
Es la sorpresa, la indagación de un tema dicho con simplicidad. Es ese rectángulo que te ayuda a entender una idea dada con ingenio, con lenguaje gráfico que te estimula a convertirlo en un producto para el recuerdo. Que se apoya en la imagen y la tipografía, el color, el espacio, la composición y finalmente se vuelve historia cuando pierde su objetivo inmediato de comunicar.

¿Qué nos puedes decir sobre tu labor docente?
Hace cuarenta años que lo soy. Es una parte importante de esta, mi vida. He ayudado, conformado, creado, orientado, seleccionado a una enorme variedad de seres jóvenes que han cifrado sus esperanzas de aprender en este incansable diseñador. Le he enseñado con la experiencia y la enorme inquietud de saber qué me domina y qué le quiero ofrecer. Me siento complacido por los talentos que me han premiado con su calidad. Por supuesto que ha habido de todo, pero eso llena mi profesión de docente de humanidad y de responsabilidad.

¿Qué opinas de las nuevas generaciones de cartelistas?
Diría que mi conciencia se siente feliz. El diseño se actualiza, claro que las nuevas técnicas digitales ayudan, pero me atrevería a asegurar que hoy hay más creación, que en anteriores tiempos, tal vez, por la velocidad con que se producen y por el desarrollo tecnológico en general. Y apunto la enorme importancia de la comunicación que practicamos en la Internet. No hay información que tengamos a la mano en la brevedad, tan diversa y abundante. En México y en el mundo hay una enorme fuente de creadores gráfico jóvenes que están sorprendiendo con su manera atrevida y diferente de enfrentar al diseño gráfico moderno, en cada una de sus especializaciones.

¿Formas parte del Centro de Diseño Amarillo?
No soy su responsable, pero me siento comprometido con la actividad que desarrollan, por ser un Centro de Diseño Gráfico de los pocos que hay en el mundo. Imaginen, lo valioso que es tenerlo en Xalapa, Veracruz. Sé que hay quienes no le dan importancia porque desconocen la labor de difusión, promoción y confrontación con el diseño nacional, local e internacional que se produce y muestra en este acogedor espacio en el corazón de nuestra capital estatal. Éste, es otra muestra de lo que pueden y hacen los jóvenes diseñadores mexicanos por la actualización de la práctica y darle más proyección y a nuestra gratificante profesión.

¿Cuántos carteles has diseñado?
Cientos y cientos. Malos, regulares, creo que buenos, pero todos con un condimento que es la responsabilidad de crear algo que sea valioso y con sumo amor y pasión sin olvidarme de lo sustancial que ha sido la carga de humor que he impuesto en la mayoría de ellos. Reconozco que en mi vida laboral tengo dos etapas que se definen visualmente: la cubana que ayudó a la segunda, más responsable, mayor de edad y que me identifica, mucho más que la primera y esta es la mexicana. Aquí aprendí a ver la vida de otra manera, me hice más tolerante, pero a la vez más exigente, más cuidadoso, más responsable con lo que les ofrezco. Es sin duda mi suerte el haber encontrado a este formidable país y a muchas de su gente.

¿Qué opinas de la relación entre Publicidad y Diseño Gráfico?
No hay ninguna contradicción, son casi un necesario matrimonio. Con sus disputas, enojos y todo aquello que enfrenta a una manera de hacer que evidencie y ayude a vender cualquier aspecto de la vida social moderna. Se necesitan mutuamente para vivir en este complicado mundo moderno.

¿Cuáles son tus carteles favoritos?
Es muy difícil seleccionar, porque siempre estoy en franca lucha con lo que hago. Tal vez sea producto del desarrollo y de la confrontación. Lo que ayer me parecía bueno, hoy me llena de dudas y me planteo cómo lo podría mejorar. Siempre estás, y eso es lo que te mantiene en constante progreso, en desacuerdo.

¿A qué cartelistas admiras?
Me pasa como las otras manifestaciones de las artes visuales, hay muchos, no importa que tan consagrados sean, puede ser un estudiante talentoso que me muestra un ejercicio creativo notable, sorprendente y a ese lo admiro como a cualquier "grande". Para mí el estudio de la historia, cualquier historia, pero más la del arte, del diseño en sus múltiples actividades, la del cartel más especialmente, son de una importancia trascendente en la creación del ejercicio de diseñar. Por ello cuando hojeamos los monográfico de libros de carteles vemos una enorme cantidad de éstos que con el tiempo fueron haciéndose valiosos y sumamente importantes. La historia del cartel es joven, se aleja a la mitad del siglo XIX, apareciendo, apoyando cada actividad humana, social, cultural, política, de enconos como las guerras, triviales, de denuncia, en fin son muchos, diría que millones los que han nacido y representado a nuestra sociedad moderna. Y seguirán impresionándonos con su manera de comunicarnos cualquier actividad del ser humano.

¿Consideras que hay cartelistas destacados en México?
México es un país de creadores. Lo que el común del pueblo hace para mantenerse en una sociedad diversa y aprehender todo lo que le rodea poniéndolo al servicio de un quehacer cotidiano, con ingenio y de manera creativamente humorística, es un ejemplo de lo que puede hacerse en cualquier nivel de especialización profesional, además de su imponente tradición cultural. En este sector de la gráfica hay jóvenes destacados y otros menos jóvenes a quienes respetamos y le damos el calificativo de "maestros" que para mi le adicionaría el apellido de "grandes". Esto sin exageraciones, porque los considero al más alto nivel de cualquier otro similar en el mundo.

Agustín del Moral: Un Nuevo Comienzo

2010-02-01T00:00:00.000-06:00

Agustín del Moral nació en Las Choapas, Ver., en 1956. Fue Coordinador de “El istmo en la cultura”, suplemento cultural de Diario del istmo, de Coatzacoalcos, Ver. En 1987, el suplemento compartió con La Gaceta del Fondo de Cultura Económica el Premio Nacional de Periodismo en el área de Divulgación Cultural. Entre 1989 y 1992 fue traductor de los Cuadernos de estudio e investigación, publicación del Instituto Internacional de Investigación y Formación, con sede en Amsterdam, Holanda. Miembro del Consejo Editorial de la revista Graffiti. Corrector en la Unidad de Producción Editorial de la Universidad Veracruzana. Corrector del Diario de los Debates de la LVII Legislatura del estado de Veracruz. Autor de la novela Nuestra alma melancólica en conserva, con prólogo de Vicente Leñero. Miembro del equipo de colaboradores de la revista Colombre. Fue corrector y traductor en el Departamento de Prensa de la Universidad Veracruzana. Miembro del Consejo Editorial del periódico Performance. Coordinador, al lado de José Luis Rivas, de “Pie a tierra”, suplemento literario de la Gaceta de la Universidad Veracruzana. Coordinador de editores en la Dirección General Editorial de la Universidad Veracruzana. Actualmente se desempeña como Director de la Editorial de la Universidad Veracruzana.

Agustín, ¿cómo recibes la Editorial de la UV en general?
En el acto en el que tuvimos la oportunidad de decirle “hasta luego” a Joaquín DíezCanedo, hice alusión a un hecho que ahora considero conveniente retomar: si hoy la Editorial de la Universidad Veracruzana es lo que es: un punto de referencia obligado en el mundo editorial nacional, es porque, más allá de las diferentes administraciones universitarias y de las diversas direcciones editoriales que se han sucedido a lo largo del más de medio siglo de existencia de nuestra casa editora, se ha sabido establecer una línea de continuidad en el trabajo editorial. Creo que continuidad es una palabra clave en la vida de toda institución, y sobre todo de toda institución pública, es decir, de toda institución que está de cara a la sociedad. Y, para fortuna nuestra, la UV ha sabido establecer una línea de continuidad en su labor editorial. De eso dan cuenta sus más de cincuenta años de trabajo ininterrumpido en este terreno, los más de mil títulos que hasta ahora se han publicado y las numerosas colecciones que les han dado albergue, y, como consecuencia de todo ello, el respeto y el prestigio de que goza en el ámbito editorial nacional y, me atrevería a decirlo, en el internacional. En ese sentido, recibo una Editorial que goza de cabal salud, con un programa de trabajo claro y definido, con proyectos en marcha y con un equipo de trabajo que ha refrendado su compromiso de seguir haciendo de la Editorial una de las instancias emblemáticas de esta casa de estudios. Va, pues, mi reconocimiento a todos aquellas personas (escritores y/o editores) que han estado al frente de la Editorial. En particular, destaco la labor de los tres directores con los que tuve la oportunidad de trabajar, ya sea directa o indirectamente: José Luis Rivas, Celia del Palacio y Joaquín DíezCanedo. Con su capacidad, su compromiso y su trabajo ellos hicieron posible que esa línea de continuidad a la que hago alusión se mantuviera, se reforzara y se diversificara.

¿Qué nuevos proyectos llevarás a cabo para seguir impulsando la labor de la editorial de la UV?
Ya estamos trabajando con las diversas instancias académicas de la institución para ir armando un programa editorial que en el 2010 conmemore el bicentenario de la Independencia y el centenario de la Revolución. En algunos casos, reimprimiremos libros que consideremos adecuados para estas celebraciones; en otros casos —esperemos que los más—, publicaremos títulos pensados ex profeso para conmemorar estas fechas por demás significativas en la historia de nuestro país.

¿Se apoyará la publicación de jóvenes y/o nuevos autores?¿Qué es lo que debe hacer un autor nuevo (que nunca haya publicado) para poder ser considerado dentro de las futuras publicaciones de la Editorial?
Creo que buena parte del reconocimiento, el respeto y el prestigio de que goza nuestra Editorial vienen, precisamente, de la apuesta original de Sergio Galindo en favor de escritores que a mediados del siglo pasado eran jóvenes y desconocidos y que hoy son un punto de referencia obligado en el mundo literario no sólo nacional sino, incluso, en el internacional. La lista es rica y variada e incluye, entre muchos otros, nombres como Juan García Ponce, José de la Colina, Luis Cernuda, Jaime Sabines, Emilio Carballido, Juan Vicente Melo, Gabriel García Márquez, Sergio Pitol, María Zambrano, Eraclio Zepeda, Rosa Chaucer, Álvaro Mutis y Vicente Leñero. Hoy, a más de medio siglo de distancia, la lista resulta, a nuestros ojos, totalmente justificable. Sólo si por un momento intentamos ubicarnos en aquellos lejanos tiempos podremos entender la importancia y el buen tino de una apuesta de esta naturaleza. Esta ha sido una política que, por fortuna, ha sido continuada por las diversas direcciones editoriales que se han sucedido. Creo que, hasta ahora, la mejor expresión de dicha política ha sido la creación, durante la dirección de Celia del Palacio, de una colección destinada, precisamente, a dar cabida a la producción de escritores jóvenes o poco conocidos en nuestro país: la colección Entremares. Hoy en día, esta colección está a cargo de Julio Ortega, y cuenta con el decisivo apoyo de Rodolfo Mendoza. Lista hasta el momento tres títulos: la novela Guía de Barcelona para sociópatas del escritor venezolano Armando Luigi Castañeda, Variedades de Galiano de la poeta y narradora Reina María Rodríguez y El hacer poético, un verdadero mapa de la producción poética contemporánea armado por el propio Julio Ortega y por María Ramírez Ribes, título que fue presentado en la pasada FIL de Guadalajara. Es probable que el siguiente título de Entremares quede conformado por dos novelas breves de la joven escritora argentina Florencia Abbate. En cuanto a la segunda parte de tu pregunta, lo único que tiene que hacer todo autor joven que busque publicar bajo nuestro sello editorial es hacer lo que, en general, hace todo aquella persona que busca alcanzar ese objetivo: llenar una solicitud y entregar su original en dos tantos. De ahí, sólo debe esperar dos o tres meses para recibir la respuesta de los dictaminadores de nuestra casa editora.

En anteriores administraciones la Editorial tenía programas de donaciones de libros, que al parecer fueron suspendidos previamente a tu llegada. ¿Continuarás con las donaciones? Si es así, ¿de qué manera funcionarán? Si no es así, ¿por qué razón?
Yo creo que, en general, la Editorial debe estar abierta a hacer donaciones de sus libros. A partir de esta apertura general, debe hacer una evaluación concreta del tipo de solicitud presentada, de la persona o de la institución que la presenta y del objetivo y el destino final que, de accederse a la donación, tendrán nuestros títulos. En algunos casos, será posible hacer la donación; en otros, no. Hace unos días, el 23 de abril, con motivo del Día Internacional del Libro, organizamos en nuestro local un par de actividades celebratorias de esta fecha. En ambas actividades entregamos gratuitamente, a cada uno de los asistentes, un ejemplar de un título de la Biblioteca Carlos Fuentes. Yo creo que se han de haber obsequiado alrededor de trescientos treinta ejemplares. Unos días después, el 25 de abril, llevamos al programa Nuestra Tierra, conducido por Jorge Saldaña, un paquete de cincuenta ejemplares de otro título de esa misma colección, destinados a formar parte de los libros que el IPAX distribuye entre los cuerpos policiacos para estimular la lectura.

¿Qué nuevos proyectos llevarás a cabo para seguir impulsando la labor de la editorial de la UV? ¿Has considerado la publicación de ediciones de lujo de los autores más destacados? Si es así, ¿de cuáles?
En la próxima reunión del Consejo Editorial, pienso someter a la consideración de este órgano de dirección un proyecto que, de concretarse, sería, antes que nada, un acto de elemental justicia: recuperar para la Editorial de la UV la obra narrativa de Sergio Galindo. Creo que está por demás argumentar en favor de esta idea. Con toda razón, recordamos, reconocemos y festejamos a Sergio Galindo en su condición de fundador de esta casa editora. Apenas hace un par de años, al cumplirse los primeros cincuenta años de existencia de la Editorial, se hicieron una serie de actos y actividades que recordaron esta faceta de Galindo. Desde ese momento, por ejemplo, la serie que recoge y pone de nuevo en circulación a algunos de nuestros autores más destacados lleva por nombre, precisamente, la de Serie Conmemorativa Sergio Galindo. Desde mi punto de vista, sin embargo, tenemos una deuda con Sergio Galindo en su faceta de escritor: recuperar para nuestra casa editora el conjunto o, cuando menos, una buena parte de su obra. Sin lugar a dudas, hay una carga emotiva en esta iniciativa: saldar una deuda moral con Galindo. Creo, con todo, que la iniciativa va más allá de este hecho. Estoy convencido de que la obra de Galindo es una obra de primer nivel que debe estar en constante circulación. Su obra ha sido bien recibida lo mismo por la crítica que por el público lector. Prueba de ello es el hecho de que la primera edición de Otilia Rauda bajo nuestro sello editorial ya se agotó y la primera reimpresión se está vendiendo muy bien,y de que la primera edición de Polvos de arroz, el título que abre la Serie Conmemorativa, ya se agotó (y ya viene en camino la reimpresión). Próximamente, por otra parte, incorporaremos La comparsa a la Biblioteca del Universitario. Ya platicamos con la señora Ángela González, su compañera y heredera de los derechos patrimoniales, quien se mostró entusiasmada con la idea. Ya contamos con el compromiso de José Luis Martínez Morales, uno de los académicos de esta casa de estudios que mejor conoce la obra galindeana, de participar en la recuperación de las novelas y los cuentos del escritor veracruzano. La idea es ir recogiendo la obra de Galindo dentro de la colección Ficción, pero con un diseño editorial (portada, tipografía, etc.) propio. José Luis Martínez Morales nos ha propuesto que la obra de Galindo se vaya recogiendo en ediciones, si no de lujo, sí cuando menos que guarden ciertas características que le concedan un lugar especial dentro de nuestra producción. Él propone, por ejemplo, que los títulos se impriman en pasta dura. La decisión final dependerá de los costos de producción. Si no nos es posible imprimir todo el tiraje en pasta dura, es probable que imprimamos una parte en pasta dura y otra parte en rústica. En fin, a grandes rasgos, esta es la idea, pero, como te digo, está a la espera de la consideración y la aprobación del Consejo Editorial.

¿Tienes pensada alguna política económica para hacer más accesible la adquisición de libros editados por ustedes?
En cierto sentido, la administración universitaria ya ha tomado algunas medidas que apuntan hacia ese objetivo. Un ejemplo es la Biblioteca del Universitario, la colección destinada en primera instancia a los estudiantes de nuevo ingreso a la casa de estudios y dirigida por Sergio Pitol. Una vez hecha la entrega a los estudiantes del paquete correspondiente, queda una reserva de dos mil ejemplares de cada título que se venden a treinta y cinco pesos el ejemplar. Este precio es único e invariable, se trate de un libro de ciento cincuenta páginas, como Visión de Anáhuac y otros textos de Alfonso Reyes, o de uno de ochocientas páginas, como Emilio, o De la educación de JeanJacques Rousseau. Si consideramos que se trata de libros puestos en circulación bajo las más cuidadas y elevadas normas de impresión (los cuadernillos, por ejemplo, vienen cosidos), estamos poniendo al alcance del público en general clásicos de la literatura universal y de otras disciplinas humanas a precios verdaderamente accesibles. Hace unos días, igualmente, atendimos una solicitud de un grupo de estudiantes de la UV que están promoviendo la adquisición de una credencial que les permita contar con un descuento especial en el momento de comprar un libro. Hay que recordar, por otra parte, que durante la Feria Internacional del Libro Universitario se ofrecen descuentos y facilidades de pago a los trabajadores de la Universidad Veracruzana, y el público en general puede adquirir las novedades que presentamos con un descuento del treinta por ciento.

¿Habrá innovaciones para la próxima Feria del Libro Universitario? ¿Hay ya una temática? ¿Puedes adelantarnos nombres de escritores invitados y/o de actividades?
Lo primero que quiero comentar es que la FILU cambia de sede. Como es del conocimiento público, el Gobierno del Estado acaba de entregar a la Universidad Veracruzana el Centro Cultural Los Lagos. Pues bien, esta será la nueva sede de la FILU. La administración universitaria ya está tomando las medidas necesarias para hacer al centro cultural las modificaciones y las adecuaciones que aseguren que la feria del libro se desarrolle en las mejores condiciones posibles. Este año, el tema central de la FILU girará en torno a Darwin, pues como bien sabes en este 2009 se cumplen doscientos años de su nacimiento y ciento cincuenta de la aparición de El origen de las especies. La Medalla al Mérito de la UV se entregará a dos grandes científicos y divulgadores de la ciencia: David Sloan Wilson y Antonio Lazcano Araujo. Con el apoyo de la Dirección de Posgrado, y en particular de su director, Porfirio Carrillo, estamos organizando una serie de mesas redondas cuyo tema central será Darwin y todo ese mundo que su labor científica y su obra generaron y que hoy, a ciento cincuenta años de distancia, sigue dando pie a grandes polémicas y animando la vida cultural, académica y científica de prácticamente la comunidad intelectual del mundo entero. Paralelamente, pensamos organizar una serie de actividades literarias. Tal vez logremos redondear un par de mesas sobre la literatura de la frontera, lo mismo la frontera norte que la frontera sur. Entre los escritores considerados para participar en estas mesas se encuentran Sada, Parra, Crosswhite, Garza y Ramírez Heredia. Por otra parte, queremos hacer pequeños homenajes a Sabines, Pacheco, De la Colina y Zepeda (de quien esperamos publicar, en coedición con el FCE, Benzulul, título con el que pensamos cerrar nuestra Serie Conmemorativa). En el terreno artístico, destaca en el elenco de invitados el tenor xalapeño de prestigio internacional Armando Mora, con quien ya he tenido el placer de conversar respecto a su participación y está en la mejor disposición de ofrecer un espectáculo especial durante nuestro evento editorial. Esperamos invitar, asimismo, a Los Cojolites, que es un grupo de son jarocho que la gente sigue mucho en Veracruz, y que es reconocido en Estados Unidos e, incluso, en Europa.

¿Estás escribiendo otra obra? ¿Puedes contarnos un poco acerca de ello?
Espero que en junio aparezca un libro de tres relatos que llevará por título Cuéntame lo que me pasa. En determinado momento, hace ya varios años, me dije: ¿y si escribo un libro sobre las tres cosas que me hubiera gustado ser y no fui? Este fue el punto de partida de este libro. Se trata, pues, de tres relatos que buscan hacer una especie de ajuste de cuentas con mi pasado y, sobre todo, con lo que hoy, a la distancia… me hubiera gustado ser y no fui: futbolista, rockero y revolucionario. En ellos combino, en mayor o menor medida, aspectos autobiográficos y ficción. El título está tomado del final de un poema de César Vallejo: “A ver hombre, cuéntame lo que me pasa, / que yo, aunque grite, / estoy siempre a tus órdenes”. Tomé una de esas líneas para darle el título general al volumen, y las tres para titular cada uno de los tres relatos. El libro lo terminé a mediados del año pasado. Lo sometí a la consideración de la Editorial de la UV y de Ficticia. Para mi fortuna, el libro fue aprobado, sólo que, a esas alturas del año, ninguna de las dos editoriales contaba ya con presupuesto para publicarlo. Así que no será sino hasta este 2009 cuando el libro salga a la luz. Por otro lado, hace algunos años comencé una novela que, por una u otra razón, debí interrumpir. Espero retomarla a la mayor brevedad posible. Se trata de una novela extensa. Si mal no recuerdo, llevo ya alrededor de doscientas cuartillas y, según mi cálculo, llevo apenas una cuarta parte de toda la historia que quiero desarrollar. La verdad, no tengo idea de para cuándo la terminaré, pero espero que sea, a lo sumo, en un par de años.

"Escrito con Sangre": Historia del Crimen

2010-01-22T17:24:00.002-06:00

El autor de “Escrito con Sangre” es editor, periodista, fotógrafo y promotor cultural. Desde 2007 lanzó el blog sobre criminalística en español más leído de Internet, que se ha convertido en un auténtico fenómeno mediático y virtual.

¿De dónde proviene tu fascinación con la historia de los crímenes?
Desde niño escuchaba historias al respecto en conversaciones familiares. Me intrigaba la razón por la que algunas personas podían cometer atrocidades. También los cuentos de hadas incluían brujas que devoraban niños, ogros que cenaban gente, niños mutilados, etc. Además, mis padres vivían en la Ciudad de México y un día fuimos al Museo de Cera; debo haber tenido seis años. En el sótano estaba la exposición de monstruos. Pero allí estaban incluidos dos asesinos reales: Jack el Destripador y Henry Landrú. Jack era representado mientras acuchillaba y evisceraba a una mujer que yacía en el suelo, gritando; la figura de Landrú sostenía una pierna humana cercenada que estaba a punto de arrojar al horno. Esas dos figuras me impactaron, aún las recuerdo; todavía conservo el catálogo del museo. Cuando era pequeño, dibujaba en cuadernos escolares figuras terroríficas, asesinos incluidos; aún conservo uno de esos cuadernos. Debo haber hecho seis o siete, de doscientas páginas cada uno. Los llamaba “Libros de Monstruos”. En el que tengo aparecen Jack el Destripador, Landrú, Hitler y los Nazis, etc. En el momento de hacerlos tenía siete años, así que imagínate. Luego leía la página policíaca de los periódicos. También los sobrenombres de los asesinos me intrigaban: para un niño, oír hablar de destripadores, estranguladores, bestias, monstruos, de diferentes partes del mundo, es una invitación a la curiosidad. Si uno escucha de un tipo que se hace llamar “Asesino del Zodíaco”, u oye hablar de que un desconocido desmembró a una mujer conocida como “la Dalia Negra”, no puede sustraerse a una sucesión de inquietantes imágenes mentales.

¿Cómo surge el proyecto de tu polémico blog Escrito con Sangre?
Intentaba recuperar un subgénero periodístico que en México es muy popular, pero ha tenido mala suerte: el análisis sociohistórico del crimen. La nota roja fascina a los lectores, pero casi no existe literatura seria al respecto en nuestro país. Me enfoqué específicamente a biografiar a esos extraños y oscuros personajes históricos, los asesinos reales; nada de villanos de películas de terror o best-sellers, sino los auténticos protagonistas del crimen violento. Primero publiqué algunas entradas sobre el tema en Wikipedia. Luego lancé una columna que publicaba dominicalmente en el suplemento “Laberinto” del periódico Milenio. Pero algunas biografías eran muy extensas, o había fotografías que no podían incluirse, por cuestiones de espacio o de censura. Entonces pensé en otra opción; Internet me ofrecía la posibilidad de manejar todo tipo de materiales sobre un caso concreto en particular: texto, imágenes, documentos, videos, música, bibliografía, incluso hemerografía en línea. El domingo 7 de octubre de 2007 lancé la primera entrada, un texto de introducción al blog titulado “Memento mori”. Desde entonces, cada domingo a la medianoche he publicado una biografía diferente. Pueden leer todo lo que hemos publicado en nuestro website: www.escritoconsangre.com.mx

¿Ha tenido aceptación este proyecto?
Veamos los datos duros: llevamos publicadas alrededor de cien biografías. Desde que el blog se lanzó, hemos tenido más de un millón y medio de visitas; esto implica que cada biografía ha tenido por lo menos quince mil lectores. El promedio que arrojan estas cifras es que, durante los dos años que ha durado el proyecto, ha habido 2,054 visitas diarias; ochenta y cinco visitas por hora, por lo menos una visita cada minuto. Y 2,054 lectores diarios en promedio es más que el tiraje de algunas revistas o periódicos, ya no digamos libros. Otras cifras arrojan más luz: nuestro canal en YouTube, abierto en julio de 2009, lleva en seis meses casi 250,000 reproducciones; esto equivale a más de 1,300 reproducciones diarias de nuestros videos. Casi doscientas personas se han suscrito al canal en tan solo unas semanas. Y más de cuatrocientos blogueros son seguidores (una forma de suscripción en línea) de Escrito con Sangre. También sostenemos una cuenta en Facebook, con más de dos mil quinientos contactos, y semanalmente enviamos un boletín electrónico de novedades a quinientos destinatarios cautivos. Los comentarios y correos electrónicos que recibimos suman millares. Y un contador electrónico registra todo el tiempo, además del número total de visitantes, cuántos internautas están leyendo el blog en cada momento; simultáneamente lo leen entre quince y cuarenta personas en todo momento del día. Todas estas cifras son públicas y visibles. En otro orden de ideas, acabamos de abrir una tienda virtual donde se pueden adquirir tazas, camisetas, posters, en fin, diferentes materiales sobre el tema. También coprodujimos con Prada Films y FridArte un largometraje con el mismo título del blog: Escrito con Sangre, dirigido por Fabrizio Prada, que cuenta con la participación de una treintena de actores y fue apoyado por el Gobierno del Estado de Veracruz. Está basado en el guión que escribí a partir de un caso publicado en nuestro website: el asesinato de Kitty Genovese en una calle de Nueva York, ante treinta y ocho testigos que nada hicieron para evitar su muerte.

Concretamente: ¿qué podemos leer en este blog?
Lo que nuestro eslogan promete: “Cada semana… ¡un nuevo asesino!”. Todos los domingos publicamos la biografía de un asesino real. Abarcamos todas las épocas y países, y toda clase de homicidas: desde forajidos asaltatrenes como Jesse James hasta líderes de sectas como Charles Manson; desde casos clásicos como el de Jack el Destripador, hasta otros pocos conocidos, como el de la niña japonesa Nevada Tan. También incluimos criminales mexicanos, como Gregorio “Goyo” Cárdenas, o personajes históricos como Herodes o Vlad Tepes, el verdadero Drácula. No dejamos a un lado acontecimientos históricos como el asesinato de Francisco I. Madero, el auge de la Alemania Nazi y sus campos de exterminio, o la muerte de John Lennon. Bandidos como John Dillinger, caníbales como Issei Sagawa, super stars de la hemoglobina como John Wayne Gacy. Tenemos en línea una cantidad enorme de materiales: miles de fotografías en buena resolución, casi medio millar de videos, innumerables documentos, docenas de cuadros sinópticos, mapas de los crímenes, cronologías, publicaciones virtuales especializadas, programas de radio y canciones relacionadas con los casos, amplísimas bibliografías ilustrando cada caso, recomendaciones filmográficas, docenas de carteles de películas rodadas sobre estos personajes, en fin: un banco de datos amplísimo y a la disposición de cualquier persona que desee consultarlo.

La pregunta clave es: ¿por qué realizar un blog sobre este tema?
Al ser humano siempre le ha fascinado el misterio; y todo misterio implica alguna clase de violencia. La violencia conduce al crimen, y todo ello es parte de los ingredientes de este website. Aunque hay una diferencia con otros sitios similares en español: lo que se pretende en Escrito con Sangre es publicar siempre un trabajo de investigación seria, basada en fuentes confiables como libros, revistas, documentos oficiales y personales, periódicos, actas, testimonios, entrevistas, documentales en video y, en menor medida, en otros sitios de Internet. Cuando llegas a nuestro blog, sabes que encontrarás el retrato completo de una personalidad criminal: su infancia y juventud, sus crímenes, quiénes fueron sus víctimas, su modus operandi, la investigación policíaca, el juicio y la condena, su impacto en los medios y en las artes, etc. También podrás consultar en el mismo post documentos en línea, videos con escenas originales, titulares de periódicos, fotografías auténticas, tráileres de películas y documentales completos. Todo con seriedad y sin establecer juicios de valor, pero conservando un estilo literario al narrar los acontecimientos.

Estudiaste Letras Españolas y tu obra formal abarca géneros como poesía, narrativa y ensayo. ¿Por qué escribir sobre estos temas?
Porque también estudié dos años de Sociología, dos de Historia y la Licenciatura en Publicidad y Relaciones Públicas; todo eso lo aplico en este blog. Mi obra formal, como la llamas, es otra cosa y puede leerse en mis libros o en mi website personal; pero Escrito con Sangre es un hobby y una pasión; siempre me ha fascinado la criminalística. Además fui periodista muchos años y actualmente soy miembro de la Sociedad Mexicana de Criminología. La Historia es una de mis pasiones, y la historia del crimen es un área poco explorada.

¿Qué sigue en este proyecto?
Más biografías, más videos, más historias truculentas. Quizás organizar un encuentro sobre criminalística. He participado recientemente en algunos foros en la UNAM sobre este tipo de temas, y me han pedido que participe en programas de televisión que se transmiten nacionalmente. También estoy escribiendo algunos ensayos sobre temas como la relación entre Antropofagia y Erotismo.

Cuéntanos sobre ese concepto.
A través de la historia humana, diferentes culturas han practicado la antropofagia por motivos religiosos, bélicos, eróticos y criminales. Del canibalismo socialmente aceptado al señalamiento mediático del criminal que destaza y consume a su víctima, se ha desarrollado un proceso de sublimación del deseo de poseer al otro a un nivel absoluto: consumiéndolo, asimilándolo, reduciéndolo a comida. Los pueblos europeos, asiáticos, africanos y americanos practicaron en algún momento la antropofagia, la permitieron e inclusive la fomentaron, hasta épocas tan recientes como el siglo XX. De igual manera, la fascinación que los criminales devoradores ejercen actualmente sobre la opinión pública se refleja en el gran número de seguidores que estos personajes producen. El canibalismo permea muchas facetas de la vida en sociedad. Las artes, la antropología, la política, la sociología, la medicina, la religión, la filosofía, entre otros campos, se han ocupado del tema. Desde los relatos orales sobre vampiros hasta las notas periodísticas contemporáneas, consumir al otro es una pulsión inconfesable y secreta, a veces incontrolable y profundamente arraigada, donde inclusive el lenguaje está lleno de frases que aluden al tema. Por ejemplo, cuando los católicos toman la hostia les dicen que es el cuerpo de Cristo y que el vino es su sangre; cuando hablamos de querer comernos a alguien a besos, o cuando se menciona que nos “devora con la mirada”. No se puede soslayar el sentido erótico de esta práctica. Un aspecto más oscuro es el ejercicio del poder absoluto sobre el otro, haciéndolo desaparecer por completo y convirtiéndolo, literalmente, en estiércol. El impacto de la antropofagia sobre la psique humana y su asimilación por diversos imaginarios nos indica que se trata, quizás, de la práctica donde mayormente se funden amor y muerte, violencia y deseo, víctima y victimario.

Qué interesante. ¿Y los asesinos múltiples como estrellas?
Creo que el sitio que hace siglos ocupaban vampiros y hombres lobo es monopolizado ahora por los asesinos en serie. En torno a ellos se tejen historias, se mencionan sus nombres con fascinación, se publican notas periodistas, se escriben libros, se ruedan películas, se crean clubes de fans y se les ponen sobrenombres que aluden a sus delitos. Son los nuevos monstruos, aquellos más temibles que los que poblaban leyendas antiguas, pues se encuentran bajo el rostro de cualquiera de nuestros conocidos, familiares o vecinos, e inclusive en nosotros mismos. Muchos de estos nuevos mitos retoman viejas costumbres que solían identificarse con los antiguos monstruos: antropófagos, hematófagos, criminales que se creen licántropos, satanistas, ogros devoradores de niños, torturadores, son parte del nuevo imaginario que demuestra que los monstruos de antaño son los asesinos de hogaño. El asesino como estrella mediática es la renovación de las viejas consejas frente al fuego, de la fascinación de las víctimas ante la presencia de los depredadores humanos. Porque los asesinos son nuestros depredadores.

¿No consideras este website como una apología del delito?
No; aunque tampoco es una apología de la justicia o de la ley, pues en algunos casos nunca ocurre un castigo. Muchos crímenes quedan impunes o no se resuelven jamás; esas historias calan profundamente en la imaginación del lector. Otros prefieren relatos contemporáneos y algunos más se inclinan por leer las historias de auténticos sociópatas. Pero Escrito con Sangre no es una fábula con moraleja; es una página seria de investigación histórica sobre crímenes violentos, a la cual todos aquellos interesados pueden tener acceso. ¡Es un crimen perdérsela!

Abraham Oceransky: La Libertad de hacer teatro

2010-01-19T18:16:00.002-06:00

Artista escénico con profundo estudio y desarrollo en diferentes ámbitos de la creación: la música, la pintura, las artes marciales, el cine, la televisión. Su pasión por el mundo oriental ha sido a lo largo de su trayectoria escénica una constante en sus montajes y filosofía de vida. Formador de artistas escénicos, director, dramaturgo, productor, escenógrafo, iluminador y cineasta, a Oceransky se le reconoce en la escena por su espíritu arriesgado, comprometido y vanguardista. Inicia su carrera de teatro después de egresar de la ENAT. De 1970 a1980 dirige televisión para Canal 11 y luego para Televisa. De entonces a la fecha ha dirigido más de ochenta y cinco obras teatrales. Como autor teatral ha escrito dieciséis obras y realizado diez adaptaciones; aunque sólo ha publicado hasta ahora Muñecas de Seda en 1997. Ha impartido talleres de dirección y actuación tanto en la República Mexicana, como en el extranjero. Fue Director de la Facultad de Teatro, de la Universidad Veracruzana. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores.

Abraham, ¿qué es lo que te provoca venir a Xalapa a hacer teatro?
La idea de ciudad cultural, el que vivan muchos artistas, la posibilidad de vivir en un ambiente menos hostil, relacionado con artistas que comprendan otros niveles. La seguridad social, menos violencia. Digamos que la ciudad posee una ecología, está circundada por bosques, con una salud ecológica verde aún.

¿Cómo es que surge en ti la idea de abrir el foro del Teatro Studio T?
Siempre he tenido la intención de abrir espacios para mí y para otros donde se pueda estudiar, enseñar, investigar, profundizar, aportar. No es una cosa que me haya ocurrido sólo en Xalapa, sino desde el principio de mi carrera, es una necesidad que comprendo es vital para todo artista, pues un artista sin espacios, es como un cielo sin estrellas.

Has afirmado, y con razón, que la actividad cultural en Xalapa, de manera independiente de las instituciones, no es económicamente redituable. ¿A qué crees que se deba este hecho?
La actividad independiente es un algo que debiera existir de manera profusa y bien instrumentada, no solo en Xalapa, sino en toda la República Mexicana. La actividad independiente fortalece el desempeño tanto de artistas como de instituciones, beneficiando al público y a otros sectores de la iniciativa privada, que viven o comparten las experiencias en el crecimiento de la sociedad y su economía. Es decir, el artista independiente es una forma de empresa que se apoya en la iniciativa privada y en la institución, generando para ambos campos un intercambio creativo de satisfactores económicos, sociales y artísticos de los cuales todos salen beneficiados, pues además de aportar nuevas ideas no vinculadas a una ideología partidista, permite que los interesados en el apoyo a la cultura que no están de acuerdo con los lineamientos de gobierno y los que están de acuerdo, tengan la oportunidad también de fomentar nuevas apreciaciones hacia la economía y el bienestar social. El artista independiente es el mejor vínculo que se puede tener dentro de la cultura, pues ofrece indiscutiblemente el máximo de esfuerzo y calidad, y las oportunidades de movimiento económico que a la institución a veces no le interesa o es complaciente. Es por esto que lo anterior suena un poco complicado, aunque en realidad el artista independiente en todo el mundo es el que aporta definitivamente las mejores ideas y creatividad, pues tiene el tiempo y el esfuerzo necesario para llegar más lejos que cualquier sistema burocratizado institucional, no tiene freno sindical, ni tampoco un sueldo que lo condicione a horas de trabajo determinadas, ni a requisitos previos y alcances mediáticos.

Últimamente has participado en diversos foros en pro de la cultura. ¿Han servido de algo los variopintos intentos de reformas a los criterios y/o reglamentaciones en cuanto a la cultura en Veracruz, o solamente han sido pretextos para que otros se sirvan de la comunidad artística y cultural de Veracruz?
No he visto cambios substanciosos y parece ser que en el futuro no se verán claramente. No sólo se debe a las palabras de otros o a las promesas de unos cuantos, sino que la comunidad en conjunto, me refiero a la sociedad en conjunto, debería participar, opinar y exigir, porque la cultura y el arte es un beneficio que debe estar dirigida hacia y por la comunidad. En mi opinión, la cultura debería ser manejada por los que hacen cultura, existiendo un consenso hacia la sociedad y con la sociedad para informarle de los derechos y los beneficios que le da la cultura a un pueblo como parte de su educación: beneficio espiritual, psicológico, educativo, familiar; sus derechos como ciudadanos. Pero estos pequeños grupos que se reúnen entre “creadores” para que cada uno de nosotros dé su opinión, no reflejan hacia los convocantes (dígase gobierno, diputados, quien convoque) aparentemente ninguna importancia, porque parecemos voces aisladas y marginadas de la sociedad. El proceso tendría que partir primero de la sociedad y su resultado llegar hasta los creadores, reunidos en su conjunto como una fuerza apoyadora de la cultura de un pueblo y de la fortaleza de una nación.

¿Cuáles han sido tus mayores satisfacciones dentro de las disciplinas artísticas que dominas?
El tener la casualidad del éxito. Soy hombre afortunado porque he tenido muchas veces un acercamiento mágico con el éxito. Por supuesto que trabajo para ello, me preparo y estudio todos los días, es un deporte y una vocación. Es como una carrera religiosa, científica o militar, donde aquello que se domina, ya sea un arma, una probeta o una oración, te permite estar entrenado para reconocer cuando te acercas al éxito y no tener miedo de él. Mi máxima satisfacción es no tener miedo a mi imaginación, a mis conocimientos, a mi fuerza ni a mis temores.

¿Quiénes son tus favoritos dentro de escritores, directores de teatro y de cine?
Bueno, obviamente debido a mi edad y experiencia, coincido con una generación de cambio en casi todos los ámbitos de la cultura. En mi generación, al menos en mi edad, fui influenciado tanto por el pensamiento de Freud o las ideas de Jung. Me aterra Nietzsche, lo mismo que Artaud, me hinqué cuando vi a Grotowsky, y Gurrola y Jodorowsky me enseñaron otros planos. Jamás le creí a Mendoza, aunque me parecía buen maestro. Peter Brook y Kantory Grotowsky me hicieron darme cuenta de que no estaba errado al oír a Cream o Hendrix. En las pláticas con Carlos Castaneda y María Sabina descubrí que no era mi camino. El Zen me mostró estar quieto, y era mejor un tonto que llega a la perfección, que un listo que no sabe hacer una revolución. No me gusta el teatro clásico, ya nadie entiende ese idioma, al menos el público y yo no tengo por qué obligarlo. Así como en las escuelas primarias ya no enseñan la letra cursiva. En el principio, a los trece años, cuando leí La nausea, El lobo estepario, El extranjero o Espérame en Siberia, vida mía, mi adolescencia se perfilaba hacia Elvis Presley, a ser un rebelde sin causa y mis ídolos eran Marlon Brando, James Dean y estaba enamorado de las tetas de la Monroe, pero creo que más de su nariz respingada y de lo mala actriz que parecía. En aquel entonces, el teatro español que se hacia en México no me era deslumbrante, prefería vivir viendo cine francés o extasiarme con Berman, sufrir con Alfred Hitchcock las tensiones psicológicas una por una, sin querer saber el final. Siempre me gustó el jazz, el jazz amoroso y sencillo, el que es primo o hermano del blues, ese que sale del alma, y el rock and roll, desde Little Richard. Hasta la fecha me sigue gustando la evolución de la música negra, siempre la más fina, y la otra, la música imaginativa, que se ha juntado con otras etnias. Descubrí la música oriental y su cine y siempre me han gustado, sigo viendo a Kurosawa como si fuera la primera vez, aunque sus últimas películas nunca me gustaron. Y Charles Chaplin, que pudo ser el papá de Michael Jackson. Y de un silencio con música que me ha enseñado la relación entre talento y oportunidad, la tenacidad y el esfuerzo que requiere un artista, que a pesar de que sólo tiene un cuerpo y limitadas opciones de expresión, desgarra la cortina y la pantalla y el idioma y todos los temas, y de cada uno logra que se vuelva único, profundo y sincero. Es la mejor introducción a la política y la mejor explicación de lo que significa el pueblo. Chaplin, por lo tanto, es la mejor explicación de lo que significa el pueblo. Cuando hago teatro o cualquiera de las artes que me gustan pienso: “qué diría Chaplin si viera lo que hago”.

¿A quiénes admiras como actores contemporáneos?
Un buen actor es para siempre, depende el espectáculo o película donde lo veas, quién lo dirige o cual es el guión. Cuando Liv Ulman, era dirigida por Bergman, era maravillosa, pero cuando la dirigió Mandoki se veía sobreactuada. Lo mismo que me puede gustar DiCaprio o Daniel Day-Lewis, podrían ser fantásticos o regulares en manos de un buen o mal director. Por eso me gustan los actores de equipo, al menos eso prefiero, casi no me gustan las estrellas, porque a veces la estrella está rodeada de mucha oscuridad, prefiero el conjunto, buenos grupos de teatro o de cine como los que tenía Bergman o como los que logra Woody Allen. Me gusta De Niro, Toshiro Mifune, Meryl Streep, Diana Bracho, Pedro Infante y todo el grupo de sus películas.

En estos momentos de tu vida, uno de tus proyectos más importantes es la construcción física del Teatro Carpa La Libertad. Háblanos acerca de ello: ¿cómo surge? ¿Qué características tendrá? ¿Para cuándo pretendes finalizarlo? ¿Cómo financias este proyecto? ¿Deseas que sea un foro independiente o se sujetará a las directrices oficiales?
El Teatro La Libertad debe ser independiente de los dictámenes de la institución, porque es una propuesta, una manera de explicarles a los dependientes e independientes cómo organizarse, y por supuesto desde el inicio el intentar hacer un teatro por mi cuenta, que soy hombre pobre, demuestra que el esfuerzo y la calidad pueden llevar a cabo la construcción de un teatro. No es una cosa que tenga que esperarse de la mano de Dios, aunque sí de su ayuda, porque un teatro es propiedad del país, es obligación del país el proveer, fomentar el desarrollo del arte y la cultura. Y si las instituciones no lo hacen, porque no lo saben o porque no se enteran, el Teatro La Libertad es la manera de darles tanto a la comunidad como a la institución la reflexión y la oportunidad de entender que es importante y cercana la posibilidad de hacer cosas mejores en esta vida para todos.

¿A quién o quiénes servirá este edificio?
El Teatro La libertad servirá a los artistas y al público en general. A los artistas que se esfuercen por lograr crecimiento y temporadas exitosas, y el público recibirá lo mejor que tiene el estado.

Adrián Vázquez: La Fuerza de la Escena

2009-11-18T19:07:00.003-06:00

Adrián Vázquez es egresado de Licenciatura en Teatro por la Universidad Veracruzana Inicia su carrera en 1993 en Tijuana trabajando con el maestro Hebert Axel González, En Altamar de Slawomir Mrozecy La Campesinela, creación colectiva (1996, 1997, 1998). Dirigido por Daniel Serrano en Paris detrás de la puerta,Claudia Villa en Domino de Elba Cortez con la que representó al estado de Veracruz en la XX Muestra Nacional de Teatro y El animador de Rodolfo Santana,Edward Coward; Ugo Palaviccino en Sueño de una noche de verano de William Shakespeare y La mandrágora entre otros. En Xalapa trabaja actoralmente con los directores Rodrigo Carrillo Tripp en La lección,Abraham Oceransky, Fernando Yralda, interpretando el papel de Otelo, en El asesinato de Desdemona, versión libre de Otelo de Shakespeare) y en El Ensueño de Strindberg/Jodorowski Martín Zapata, en El insólito caso del Sr. Morton, Carlos Converso en Atracciones S.A. creación colectiva, Adriana Duch en el espectáculo Ser o no cer-do, he ahí el concurso que participó en el Festival Internacional de Teatro de Ciudad del Carmen 2006 y La selva de Don Juan, Bryant Caballero en Un torso mierda y el secreto del carnicero de Alejandro Ricaño, Cal McCrystal, director de los actos cómicos de clown de los espectáculos Varekai, Zumanity y Solstrom del Cirque du Soleil, en la obra de teatro ¡Cállate! trabajo de clown de creación colectiva (2007) la cual representó a México en el Fringe festival de Edimburgo 2007 y en el Harare International Festival of Arts 2008 en Zimbawe. Un puente de piedras y la piel de imágenes, de Daniel Danis, dirección de Boris Schoemman y recientemente Más pequeños que el Guggenheim, autoría y dirección de Alejandro Ricaño (2009). En el 2005 estrena su opera prima como director de la obra la obra Una foto…? De Eduardo Rovner. La cual representa a la U. V. en el XIII Festival de Teatro Universitario organizado por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), haciéndose acreedora a los reconocimientos de “Mejor actuación Masculina” y “Mejor Dirección Escénica”. Además ha dirigido, al Taller de Teatro Musical de la Universidad Veracruzana, la obra Dulce Caridad de reciente reestreno y los unipersonales que participaron en el Festival itinerante “Teatro a una sola voz 2009” que organiza el INBA y la Coordinación Nacional de Teatro, No fue precisamente Bernardette (2005) y Los días de Carlitos (2005) de su propia autoría con el que representó al estado de Veracruz en la XXIX Muestra Nacional de Teatro en Cd. Juárez Chihuahua; en la VI Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia en Querétaro, y en la Muestra Nacional de Teatro “De península a península” en Hermosillo, Sonora.

Adrián, ¿cómo te inicias en el teatro?
Empecé en el teatro por casualidad. Era el verano de 1993. Yo no tenía nada que hacer, entonces, me puse a buscar alguna clase, algún taller de cualquier cosa, y fui a la casa de la cultura de Tijuana, y la opción que vi que se acomodaba a mi horario de trabajo era teatro, así que dije voy a entrar a ver qué. Ahí comencé a tomar clases con el maestro Hebert Axel González, un tipo profesional en la extensión de la palabra, dedicado a la escena y quien me enseño a ver el teatro como un hecho heroico. De 1993 al 2000 forme parte de la compañía Titular de Teatro de la Casa de la Cultura de Tijuana, llamada La Compañía del Sótano con la cual participé en diferentes montajes que representaron a Baja California en Encuentros y Muestras de Teatro.

¿Con qué grupo te presentas en ese tiempo?
Con La Compañía del Sótano, que junto a Mexicali a secas son los dos grupos de teatro de Baja California reconocidos a nivel nacional. Fíjate que, en Tijuana, donde comencé a hacer teatro, tuve la suerte de trabajar con gente muy profesional, y amorosa del teatro, que entiende que tu trabajo es tan importante como el suyo y con una postura ética respecto al compromiso con la escena. En todos los grupos que participé tuve por lo menos un montaje afortunado. Con la Cia. Del Sótano, 5 y 10 de Hugo Salcedo, En Altamar, de Slawomir Mrozec; con el grupo de Teatro de la Universidad Autónoma de Baja California, que dirige Daniel Serrano, París detrás de la puerta, con Las Diablas de Claudia Villa, Domino de Elba Cortez…

¿Quiénes son los maestros que más admiras?
En Baja California sin duda a Hebert Axel, por su compromiso para la escena y su honestidad. Aunque hay otros como Ugo Palavicini por su claridad metodológica, su visión del teatro; me gusta mucho la dramaturgia de Daniel Serrano, no toda (ríe), pero la mayoría de sus obras. Y alguien que revolucionó mi compromiso con el teatro y mi concepción por la escena fue sin duda Edward Coward, con toda su locura, es quizá la persona más cuerda y comprometida con una visión total del teatro. Le aprendí mucho y se lo agradezco. También tuve la suerte de tomar talleres con estupendos maestros como, Ludwick Margules, Marco Petriz, Jaime Chabaud… estupendos todos ellos. Aquí en Xalapa sin duda el Maestro que más me ha influenciado, al que más le he aprendido es a Martin Zapata, tuve la oportunidad de tomar clase con Carlos Converso, Adriana Duch, Laura Moss… un maestro que admiro, aunque nunca me dio clase, pero que siempre ha tenido una respuesta a algunas de mis dudas; es a Francisco Beverido. A Martin Zapata le admiro su concepción escénica, su visión para la escena, su búsqueda personal respecto la teatralidad.

¿Por qué y cómo es que decides hacer teatro en solitario?
Surge por una necesidad personal. No es que yo lo haya decretado, no. Se fue dando en la escena… En Tijuana yo trabajaba ya de manera profesional y el primer Maestro con el que yo comencé a trabajar me dijo un día que el hacer un monologo era un trabajo de grandes ligas. Y yo me clave mucho con esa idea, pensaba cuando estaré listo, cuando podre hacerlo. Al venir acá a Jalapa a estudiar la licenciatura era como empezar de cero no conocía a nadie y nadie me conocía En el 2005 comienzo a trabajar los unipersonales a propuesta directa de Martin Zapata, dentro de una clase, él nos propone hacer un unipersonal. Es decir un texto actuado y dirigido por uno solo, la idea es súper atrayente aunque el desafío es enorme. Yo tenía mucho que decir, que experimentar, me encanta jugar en escena, lo sigo haciendo, me gusta revelar cosas invisibles, crear personajes, habitarlos, disfrutarlos… y poco a poco se fueron gestando las obras que he presentado en los últimos años y que les tengo un especial afecto. En Baja California, ya había trabajado haciendo monólogos, pero no unipersonales.

¿Qué se necesita tanto académicamente como emocionalmente para poder presentarse ante público en un espectáculo unipersonal?, es decir: aunque tienes todas las ventajas de improvisar y no existe la contraparte para el diálogo, igual no tienes esa contraparte que te pudiera apoyar para continuar con tu monólogo...
Es que si la tienes solo que esta en uno mismo, porque aun en un unipersonal lo que está siempre presente es un dialogo, un dialogo contigo mismo, con tus ideas, un dialogo con el público, los personajes no hablan como loquitos, le hablan a alguien, lo que uno tiene que hacer, es estar muy concentrado para saber quien está hablando y a quien se lo está diciendo… Creo yo que se necesita vocación para la escena. Las referencias teóricas que uno puede tener son fundamentales, nos enseñan a poder establecernos en un presente, personal, artística y culturalmente; forman parte del bagaje individual del artista. Pero si no existe la pasión por la escena, por crear mundos nuevos, por habitar otros caracteres, se queda como conocimiento de escritorio, se queda como conocimiento para compartir en clase y el nuestro es un trabajo para compartir en público. No basta con tener el conocimiento académico, hay que tener un interés por aprender e investigar en y para la escena. Ejemplo de ello son todos los intentos fallidos de los “Investigadores” de la Facultad de Teatro. Cada que un “investigador” ha intentado fungir como creador escénico, llámese director, actor o dramaturgo; fracasa, la termina cagando, le dan en la madre al teatro como fenómeno, alejan al espectador de las salas. Intentan hacer del escenario un discurso académico y le dan en la madre a la teatralidad. Y en los últimos años esto se ha acrecentado por la visión tan estrecha y las turbias políticas que ha asumido la dirección de dicha facultad, haciéndole tanto daño a los estudiantes y al teatro universitario.

Adrián: háblanos acerca de la obra del escritor norteamericano Charles Bukowski que adaptaste para teatro. Es una obra bastante fuerte tanto en lenguaje como en temática. ¿Cómo reacciona el público?
No es una adaptación, sino una creación a partir de los cuentos de Bukowski. Bukowski como inspiración. Y la obra es divertida, yo no la considero fuerte. Directa sí, pero no fuerte. Creo que eso es lo maravilloso de Bukowski, que habla honestamente y de manera directa, sin tapujos. Dice lo que la gran mayoría piensa, o pensamos, pero que muy pocos decimos. Él se empeña en demostrar la falacia que es buscar el sueño americano. Temáticamente habla del individuo como centro, como núcleo de un gran problema social, no justifica a sus personajes, los habita en su literatura. El lenguaje que se usa también es directo, sin florituras. En dos o tres palabras puede describirte caracteres, atmósferas, situaciones. Bukowski habla de lo fútil que se torna la vida en la actualidad, desdeña las relaciones personales y se divierte. Yo intento hacer lo mismo, me tomo esa libertad de si decir las cosas que se piensan. De intentar condesar tiempos, lugares, personajes. No fue precisamente Bernardette toma como eje el personaje principal de los cuentos de Bukowski, Henry Chinaski, quien se lleva la vida bebiendo y tratando de coger, peleándose y reconciliándose con sus mujeres, hablando mal del mundo y de la ciudad y habitando esos espacios. No Fue Precisamente Bernardette está inspirada en los cuentos de Bukowski, pero no respeta uno solo. Quien intente ver algún cuento completo saldrá decepcionado. Es un nuevo texto, una dramaturgia por mi creada que funciona en y para la escena… el público reacciona muy bien. Como espectadores nos gusta escuchar lo que todos pensamos pero nadie dice. Imagínate, ya llevamos cerca de 120 funciones y nos la siguen solicitando. Recientemente nos presentamos en Monterrey y Colima, dentro del Festival de monólogos “Teatro a una solo voz” y la respuesta del público fue maravillosa. Nos aplaudieron muchísimo y regresamos a ambas plazas ¿Cómo ves? Pero ha sido lo mismo en los diferentes lugares que se ha presentado, ha tenido la misma suerte.

Al mismo tiempo creaste a “Carlitos”, un niño que dramáticamente representas en escena. ¿De dónde surge el personaje?
Creo que Carlitos tiene mucho de mí, de mi infancia, de la infancia de mi hermano. De mi época de secundaria. De las relaciones que establecí con mis compañeros de clases, de las maestras de las cuales estaba enamorado, de la timidez con la que enfrentaba mi trato con las chicas. Timidez que sigo teniendo. Surge de todo el mundo que uno se imaginaba cuando es adolescente. Surge de experimentar en escena. De llevar la propuesta de un personaje a sus últimas consecuencias, de meter en aprietos a los personajes. De ver, como en la vida, que las contradicciones son las que enriquecen nuestra dramaturgia. Surge de la provocación, del desafío. Del riesgo que implica atreverse a contar una historia con un mínimo de elementos; utilizando el cuerpo como espacio escénico. De apostar a la transfiguración en escena como lenguaje hacia la teatralidad

Háblanos de tu compañía Los Tres Tristes Tigres. ¿Por qué el nombre? ¿Quiénes la integran?
Los Tristes Tigres surgen en 2005. Originalmente éramos tres: Fernando Soto, Rubén Reyes Gama y un servidor. La compañía nace de las ganas de trabajar, de hacer teatro, de la necesidad de expresarse, de la complicidad, de descubrir que teníamos necesidades y formas similares de ver el teatro. A los tres nos gusta ser irreverentes, divertirnos, descubrir formas nuevas en escena. Reírnos, incluso burlarnos de nosotros mismos. Los tres tenemos una línea de trabajo dirigida hacia el teatro corporal, en diferentes formas, en diferentes lenguajes, pero asumiendo al actor y su cuerpo como eje de la escena… Con retazos de unipersonales, formamos un espectáculo llamado El cuaderno, el yoyo y la torre amarilla. Nos gustaba mucho hacerlo. Creo que desde su inicio hasta la fecha la compañía ha mantenido una postura fuerte hacia una concepción de la teatralidad: un mínimo de elementos escenográficos, el actor como centro del espectáculo, espectáculos temáticamente divertidos que mueven a la reflexión, y dramaturgia hecha para la escena… En el 2005 estrenamos El cuaderno, el yoyo y la torre amarilla, Los días de Carlitos, No fue precisamente Bernardette y Una foto…?. En el 2007 una adaptación del Musical Sweet Charity, En 2009 Cecilia y Daniel, espectáculo de Teatro-danza… Hemos tenido la colaboración de personas muy comprometidas con su quehacer, algunos se han ido y otros se han quedado. Actualmente forman parte del equipo Glenda Escobar Caro (Asistente de dirección y producción, actriz y bailarina), Jennifer Ramírez Mendieta (asistente de dirección), Karen Ancona (asistente), Nancy Angulo (Diseño de publicidad) y yo como actor y director. Esos somos la base e invitamos a muchas personas a colaborar con nosotros.

Trabajaste en “¡Cállate!”, una obra dirigida y por decirlo así escrita por Cal Mc Cristal del Cirque du Soleil. Cuéntanos acerca de esa experiencia.
Fue eso, una gran experiencia. Cal es un ser maravilloso, un creador muy comprometido, muy eficaz. Montamos la obra en 26 días, incluyendo producción y todo. Cuando empezamos a trabajar la única certeza que Cal tenía era el reparto: Adriana Duch, Darina Robles y yo. Al segundo día dijo “creo que tratará de un triangulo amoroso”, al tercero: “en la época de la revolución mexicana”… y así. Íbamos día a día descubriendo la obra. Cal trabaja con el buen ánimo de los actores, dice que eso es fundamental para encontrar tu clown, así que todos los ensayos eran como estar en una fiesta de amigos, todo el tiempo buscando reírnos de algo, de alguien. Todos aportábamos ideas y Cal decidía lo mejor para la obra. Se formo un gran equipo con Bryant Caballero como asistente, que desafortunadamente ya no está en la obra, al igual que Darina. Pero el trabajo continúa y continúa muy bien. Y eso es lo importante: la obra de Teatro. Ahora está en el equipo Tania Hernández que es una chava súper comprometida y nos divertimos mucho en escena… Y la obra ha corrido con mucha fortuna, la hemos presentado en Escocia y en Zimbawe, y la gente la ha recibido muy bien. Acabamos de dar funciones en Xalapa y mucha gente se acerca a preguntarnos que cuando la volveremos a hacer. Tiene éxito. Es rico hacerla.

¿A qué actores de teatro admiras?
Hay muchos, muchísimos como: Arturo Ríos, Ari Brickman, Luis Rábago, Carlos Valencia, Andrés García de Baja California, a Sergio Galindo de Sonora, Carlitos Cobos, Carlos Corona, … tantos y tantos. No terminaría nunca de mencionarlos. Pero creo que soy más fan de las actrices: Julieta Egurrola, Margarita Sanz, Luisa Huertas, Lisa Owen, Clarisa de Melheiros, Carmen Mastache, Ericka de la Llave, Naomy Romo, Karina Gidi…

Adrián, ¿en tu experiencia qué es vivir del teatro en México y especialmente en Veracruz?
Es vivir con dignidad. Eso es todo. Te alcanza para vivir apenas dignamente. En mi experiencia personal te puedo decir que se puede vivir del teatro, sea en Veracruz, Tijuana o DF. Sí, sí se puede, pero tienes que chingarle mucho, pero mucho. Convertirte en todólogo. Debes de estar buscando todo el tiempo, creando todo el tiempo. Yo le agradezco al teatro porque me ha permitido realizarme como ser humano, sigo en ese proceso. Me ha permitido ser más sensible, más consciente de quien soy, quiénes somos. Pero no es como otros países, incluso otros estados de la república donde se considera al artista como ciudadano importante. No, aquí no es así. Le falta inteligencia a nuestros gobernantes, a las instituciones, sobre todo a la de Educación y Cultura.

En tu opinión, entonces, ¿no crees que existan verdaderas políticas culturales que impulsen el crecimiento de los creadores?
No. Por supuesto que no. No pasaríamos las de Caín para crear, para vender nuestros espectáculos. Existen programas. Pocos. Aislados. Pero no, una verdadera política cultural no existe. Se hacen planes, planes por sexenio, por administración, pero no, desafortunadamente tenemos un sistema que desdeña el arte y la cultura en general, y que coloca al frente de los organismos gubernamentales a los compadres o amigos de los políticos, por ineptos que sean, ambos, el compadre y el político. Y si a eso le sumas la recesión que vivimos… mmm.

¿Cuáles son tus proyectos a futuro?
Estaré nuevamente en la ciudad de Monterrey presentando No fue precisamente Bernardette y Los días de Carlitos, los dos unipersonales de mi autoría… tenemos funciones también de Más pequeños que el Guggenheim en Colima, Guadalajara y en la Ciudad de Culiacán dentro de la XXX Muestra Nacional de Teatro… Estamos cocinando también, un proyecto grande entre La Talacha Teatro y Los Tristes Tigres, la compañía que dirige Austin Morgan y la que yo dirijo, respectivamente. Una coproducción que nos entusiasma mucho comenzar y que esperamos estrenar a mediados del próximo año. Y ahora está en temporada en el Teatro universitario La Caja, cada fin de semana de noviembre: de Cecilia y Daniel, un espectáculo de teatro y danza.

Manuel Velázquez: Una nueva visión del arte

2009-07-05T23:11:00.003-05:00

Manuel Velázquez es uno de los artistas chiapanecos más valorados, autor de una obra amplia y polivalente que abarca desde la pintura hasta las instalaciones, pasando por la escultura y la fotografía. Hace veintitrés años llego a estudiar a la Universidad Veracruzana. Ahora, la Pinacoteca Diego Rivera del IVEC organiza una exhibición de sus obras más recientes, integrada por piezas de su nueva etapa creativa, la mayoría de las cuáles se exponen por primera vez. En estas piezas, Manuel Velázquez hace una reformulación de su lenguaje plástico, buscando, según sus palabras, una ajustada precisión visual. El resultado: imágenes muy sencillas que son consecuencia de una reflexión capaz de producir una evocación que las emparenta con el minimalismo.

Últimamente tu obra ha cambiado, se observa más reflexiva, hay una reducción de los elementos que acompañaban a las propuestas anteriores. ¿Consideras que tu obra tiene influencia minimalista?
Así es, en las últimas fechas estoy trabajando en un proyecto que tiene decididamente referencias al minimalismo, no en la idea de copiar un estilo, sino en la intención de recuperar el reduccionismo estructural. Esta serie se destaca por la composición rígida y la ausencia de elementos ornamentales, por lo que la poética de los cuadros radica en la reiteración, la sutileza de los acabados y el trabajo con los materiales.

¿Cuál es la intención de esta obra?
La intención es trabajar con una actitud abierta, más que con un modelo cerrado o estilo, la parte fundamental es un ejercicio sobre los conceptos del minimalismo; dicho ejercicio resulta de una labor deconstructiva que permite reformular significados y significantes. Por eso podemos decir que se ha desplazado el acento desde las teorías a los procesos. Esto tiene que ver con el uso de los materiales y las posibilidades del lenguaje estrictamente pictórico.

¿Qué técnicas estás utilizando y qué medidas tiene esta nueva obra?
En general es pintura sobre madera, medios acrílicos, grafito y cera. También estoy trabajando una serie sobre papel con impresión digital. Son cuadros en gran formato que varían de 244 x 244 a 140 x 140 cm. Los de papel son más chicos: entre 50 x 70 cm.

¿Qué papel juega el espectador en tu obra?
Para mí es muy importante, me interesa la relación entre mi obra y el público. Por eso abogo por las formas sencillas, sobrias y discretas. Estoy a favor de entender la obra no sólo como un sistema cerrado de relaciones internas sino como un elemento en el sistema exterior: obra-espectador.

¿Es importante para ti el aspecto visual de la obra?
Así es. Busco que el resultado final tenga algo visual, que sea contundente, para tratar de evitar la explicación de la obra. Trato de que baste con la imagen. Me interesa que la pintura exprese la idea como un fenómeno visual y no que se explique por medio de lo escrito. Trato de evitar lo narrativo y lo didáctico.

Para algunos artistas el proceso creativo es doloroso. Para ti, ¿el proceso de creación duele o te divierte?
Doloroso no, nunca. Puede ser tedioso, aunque trato de que sea interesante; me aburre deprimirme. Probablemente por eso cambio constantemente. Me gusta la idea de aprender todo el tiempo. Ser un principiante me divierte más que ser un maestro. El inicio de algo me encanta. Hay más inestabilidad, más emoción y eso hace que sea divertido. A veces es tenso: cuando no se sabe lo que está pasando.

El arte es también una zona de mercado. ¿Cómo se llevan tus obras con ese mercado, con el juego del mercado del arte? por ejemplo ¿Esta nueva obra está a la venta?
El mercado del arte es una arena donde se desenvuelve el artista en función de su ideología, sus intereses, sus valores. Muchos en Xalapa todavía hablan del mercado del arte como si fuera algo malo: es como creer que el artista debe morir de hambre. Para mí, el mercado es otro espacio del arte, como el museo, la calle o la sala de la casa; otro espacio donde el arte circula. El mercado tiene un impacto en el desarrollo de tu obra, y así hay que entenderlo. Todas estas nuevas obras están en venta, hay que recuperar lo invertido y hay que dejar que la obra gane su propio terreno, su propio espacio. Creo que si hay obra que se queda en el taller del artista: es arte que está muerto. Es decir, es un arte que termina siendo tan privado que al final nadie habla de él, no significa nada, nadie lo recuerda: se muere en la bodega.

En cuanto a coleccionistas y compradores eventuales de tu obra en gran formato, ¿en Xalapa hay mercado para ello? o ¿es exclusiva para ser exhibida en galerías grandes?
El formato, como todo en la creación, tiene consecuencias incluso en el destino de la pieza, dónde va a terminar: en un museo, en una casa, en una institución pública o en un basurero. Por ejemplo, se piensa que las piezas grandes se quedan en el interior de lo que se considera colección del artista o colección para museos. Para mí es interesante explorar este terreno. Veremos cómo responde el público.

¿Consideras utilizar los medios electrónicos para difundir tu obra de manera virtual? O, ¿eres más bien un convencido de que las piezas originales, físicas, son las que deben ser expuestas?
Eso es interesante. ¿Crear obra virtual? Nunca lo he pensado. Difundir la obra de manera electrónica, en esta época, me parece obvio: al seleccionar una obra, y moverla, difundirla por la red adquiere mágicamente otro estatus, he tenido muchas sorpresas con eso, me han contactado de muchas partes, recientemente de Colombia por ejemplo. Sin embargo, cuando terminas algo y lo lanzas a la arena virtual, ya no puedes saber qué tanto va a funcionar, hay tantas cosas por internet que tal vez nadie ve, pero la parte que le toca al artista está hecha; después comienza justamente la vida pública de la obra.

Háblanos de la exposición de la Pinacoteca Diego Rivera.
Voy a exponer un nuevo material visual, sobre lo que he estado trabajando en las últimas fechas. Precisamente relacionado con lo que hemos estado hablando. Buscaré, con esta exposición, generar una situación abierta. Lo importante es que el público pueda sentirse identificado con lo que está viendo. Me refiero a ese proceso por el cual la obra es un hecho visual, no anecdótico, que puede ser interpretado por todos.

Finalmente, hay una tendencia por orientar al arte contemporáneo a situaciones políticas o sociales ¿buscas darle un sentido político o social a tu arte?
Creo que el arte no debe manifestar estas intenciones. Filosóficamente todo arte es un acto público y por lo tanto político, pero, cuando el artista comienza a tratar de actuar a favor de un movimiento político, de eso que considera "lo bueno", comienza a tener prejuicios en relación con la labor artística. Para mí, lo más importante es el arte. Trato de comprender el momento y la situación en la que estamos viviendo, pero no intento dar a mi obra una orientación política determinada. Creo que orientar mi obra a la intención política es llenarse de prejuicios y convertirse en un artista con pretensiones panfletarias. Y eso me parece un abuso.

Nadia Baram: la Fuerza del Relámpago

2009-06-23T20:12:00.003-05:00

Nadia Baram vive y trabaja en la Ciudad de México. Comenzó sus estudios de fotografía en el Centro Cultural Arte Contemporáneo en el Distrito Federal cuando tenía nueve años. Años más tarde obtuvo una Licenciatura de la Tisch School of the Arts en la Universidad de Nueva York en Fotografía e Imagen, de donde se graduó con honores. Su trabajo ha sido publicado en revistas y periódicos de España, México y Estados Unidos. Además también ha formado parte de varias exhibiciones colectivas en China, México, Brasil y Estados Unidos. Trabajó como videógrafa del Instituto Hemisférico de Política y Performance, como asistente en Magnum Photos en Nueva York y como foto fija en proyectos cinematográficos en México y Estados Unidos. Nadia también ha realizado trabajo editorial como fotógrafa freelance y actualmente es editora de fotografía en el prestigiado sitio de Internet zonezero.com y participando en la creación del archivo en línea de Pedro Meyer.

¿Cómo nace en ti el gusto por la fotografía?
Yo siempre quise ser fotógrafa. No podría identificar el momento exacto porque por alguna razón que nunca he podido comprender, nunca tuve dudas ni cambié de opinión. Desde niña lo supe y no fue sino hasta que me gradué de la Universidad en una ceremonia multitudinaria en el Madison Square Garden y recibí un diploma que me hacía Licenciada en Fotografía que lo dudé. Fue en ese momento que dije “¿y ahora, qué carajos hago con esto?” Por fortuna, pronto encontré algo que hacer.

¿Qué empezaste fotografiando? ¿Por qué?
Tomé un taller de fotografía para niños con Saúl Serrano en el Centro Cultural Arte Contemporáneo, a los nueve años. Empecé fotografiando en Malinalco, en donde mi mamá tenía una casa de campo. Fotografiaba todo. A mis gatos, a los árboles sin hojas, el mercado, a nuestras visitas, a nuestros caballos y gallos. También me gustaba mucho fotografiar a mi hermana, a quien sobornaba para que posara para mí, posando en agua congelada o con pelucas y vestidos que le robábamos a mi mamá.

¿Cual fue tu primera cámara? Y a través del tiempo y la experiencia ¿cuál es tu cámara favorita?
Mi primera cámara fue una Nikon que era de mi papá, no recuerdo el modelo. Con esa misma cámara me fui a Nueva York a estudiar la carrera de fotografía. No tengo una cámara favorita.

¿Qué te gusta fotografiar?
Para mí la fotografía es un medio para conocer mundos distintos al mío. Yo con la cámara busco la sorpresa, la posibilidad de encontrar o sentir algo que hasta entonces no conocía; o toparme con algo que no sabía que ahí, al dar la vuelta, encontraría.

¿Cómo fue tu integración al equipo de Pedro Meyer?
Yo regresé de Nueva York en 2004 y buscaba trabajo. Cuando llegué a México le escribí a Pedro para pedirle trabajo. Nunca me contestó. Así que conseguí trabajo de freelance, tomando fotos para películas y para algunas revistas. En este tiempo conocí a Rogelio Villarreal y quedé de tomar unas fotos para su revista Replicante. Eran de unos físico-culturistas en Tlanepantla. Rogelio publicó una de ellas y un día me habló para darme una revista e invitarme a comer con Pedro Meyer. Así fuimos a comer los tres y pude recordarle a Pedro que tenía un correo por contestar. Cuando llegué a mi casa ya me esperaba ahí la respuesta. Empecé a trabajar en zonezero sin saber bien cuál iba a ser mi aportación. Ellos no estaban buscando a nadie y yo me ofrecí de voluntaria para lo que se pudiera. Estuve dos meses de voluntaria y al tercero quedé contratada para coordinar el archivo digital.

¿Cuéntame cómo se dio tu colaboración en la coordinación de la retrospectiva Herejías de Pedro Meyer, simultáneamente expuesta en varios países del mundo?
Sencillamente se dio. Yo había estado colaborando con el equipo en la creación de la base de datos que contiene todo el archivo de Pedro Meyer (más de 300,000 imágenes) y mediante iba avanzando el proyecto íbamos re-definiendo los roles que cada uno ocupaba. Fue un trabajo en equipo y todos nos comprometimos con el proyecto hasta hacerlo posible.

Pedro Meyer es sin lugar a duda el paradigma de las nuevas generaciones de fotógrafos a nivel internacional. ¿Qué es lo que has aprendido de él?
Pedro es de esas personas que cambian tu vida. Yo he visto fotógrafos que después de una revisión de portafolio con él, salen temblorosos y como si hubieran superado una catarsis. Son tantas las cosas que yo aprendo de él todos los días. En cuanto a fotografía, de las cosas más importantes que he aprendido es a ver la fotografía como materia prima. Que las posibilidades para una imagen apenas comienzan después de hacer click.

¿Hay más fotógrafos contemporáneos, según tu opinión, que estén aportando algo al desarrollo de la fotografía?
¡Por supuesto! Creo que la fotografía está en un gran momento. Yo encuentro grandes artistas y propuestas a diario y sin salir de mi casa.

¿A qué fotógrafos admiras?
Admiro a los fotógrafos que aún con una carrera sólida tienen la capacidad y el valor para reinventarse.

¿Quién o quiénes son tus fotógrafos favoritos?
Mis fotógrafos favoritos cambian constantemente conforme me intereso por explorar cosas nuevas. Además de ver fotografía me gusta mucho ver cine, leer, ver pintura, gráfica, etc.

¿Existe dentro del terreno de la fotografía algún tipo de discriminación de género en tu generación?
No lo creo. Nunca me he sentido discriminada ni por una razón ni por otra.

¿Qué opinas de las técnicas alternativas de la fotografía como por ejemplo la lomografía, tan de boga hoy en día?
Toda la foto, sea capturada con una cámara digital, con una lomo, con película o placa es interesante si tiene algo que decir. La cámara es una herramienta; la técnica en sí, no creo que sea contenido.

La fotografía es un espejo de la realidad. ¿Qué pasa con esa realidad modificada a través de la tecnología?
Vayamos por partes. No coincido con la aseveración de que “la fotografía es un espejo de la realidad”. Todos interpretamos los hechos, la vida, aquello que tú llamas “realidad”, basándonos en nuestras experiencias, nuestros deseos, temores y neurosis personales. No creo que podamos encontrar dos personas que vivan o vean la vida de manera idéntica. Por lo tanto la fotografía lo único que puede hacer es expresar un punto de vista personal. La tecnología digital nos amplía el número de posibilidades y variables a considerar a la hora de crear.

¿Es por ello que “vemos”, a través de una fotografía trabajada digitalmente, un sueño de la realidad?
Claro, si por sueño entendemos una interpretación y una expresión de nuestro más profundo ser.

¿Es entonces actualmente la fotografía un sueño del fotógrafo?
Sí, hoy y desde siempre la fotografía es un sueño del fotógrafo.

Pedro Meyer: La Imagen del Hereje

2009-05-18T16:25:00.007-05:00

Retrato de Pedro Meyer: Carlos Manuel Cruz Meza

Pedro Meyer nació en la Ciudad de México. Su obra fotográfica ha sido presentada en más de doscientas exposiciones en museos y galerías de todo el mundo y forma parte de importantes colecciones permanentes entre las que destacan: The San Francisco Museum of Modern Art; The Victoria and Albert Museum en Londres; Musée D’art Moderne Centre Georges Pompidou en París; The National Center of Photography en Nueva Cork; George Eastman House en Rochester; The California Museum of Photography, en Riverside, California; The Center for Creative Photography en Tucson, Arizona; Casa de Las Américas en La Habana, Cuba, entre otras. Recibió la prestigiosa beca Guggenheim en 1987, el Premio Internazionale di Cultura Citta di Anghiari en 1985, y en 1993 el Endowment for the Arts en conjunción con Jonathan Green y el California Museum of Photography en Riverside. Ha recibido también numerosos premios en Bienales de Fotografía Mexicana y la primera beca destinada a un proyecto en la Web de parte de la Fundación Rockefeller. Publicó el primer CD ROM con sonido e imágenes que se hizo en el mundo, cuyo título es Fotografío para recordar. Es autor de los libros Tiempos de América, Espejo de Espinas y Los cohetes duraron todo el día. Su libro Verdades y ficciones: un viaje de la fotografía documental a la digital, fue posteriormente hecho CD ROM por Voyager. Su último libro titulado The real and the true fue publicado por Peach Pitt Press en 2005. La famosa afirmación de Meyer de que toda fotografía, tanto las manipuladas digitalmente como las que no lo son, son tanto verdad como ficción, le ha valido la etiqueta de “Hereje” dentro del mundo ortodoxo de la fotografía documental. De aquí el origen del título de su retrospectiva: Herejías, que se inauguró de manera simultánea en sesenta museos alrededor del mundo en octubre de 2008. Héctor Montes de Oca, anfitrión junto con su esposa Guadalupe Maqueo del desayuno-entrevista en su hermosa casa de Xalapa, dice que la primera vez que escuchó a Pedro Meyer hablar sobre la fotografía digital, no le entendió nada de lo que decía, hasta que vio una foto de Pedro que representa a un santo volando sobre una casa. Dice Montes de Oca que Pedro predicaba en el desierto en esa época.

Pedro, ¿exponer en sitios tan diferentes implica la necesidad de adaptar la obra?
La logística de cada sitio para exponer fotografías de grandes dimensiones es un problema. Y es el mismo en todas partes del mundo, ya que hay museos de diversos tamaños. No es que los museos pequeños sean menos importantes sino que lo son de distinta manera. Las soluciones para exhibir en la actualidad dan una gran variedad. Por ejemplo, se pueden mandar cinco fotografías seleccionadas, impresas, y todo el resto pueden ser proyectadas. Es decir: aún los museos pequeños pueden tener exhibidas cientos de obras. Hay que pensar aquí en cómo se hacen las cosas. Porque si la localidad es muy pequeña, las soluciones pueden ser variadas para adecuarse con más eficiencia a las realidades de cada espacio. Aún estamos muy amarrados a las soluciones tradicionales y no digo que esté mal, es que no es lo único. En China todas las exposiciones duran dos semanas exhibidas porque tienen un sistema de planeación perfecto. Lo que no sucede con nosotros.

¿Pero qué pasa entonces con los países en vías de desarrollo, que no poseen esta infraestructura para lograr este tipo de exposiciones, de esa manera y en ese tiempo récord, a excepción de los grandes e importantes museos con un elevado presupuesto?
Ese es el punto. Todo el mundo lo puede hacer. No es un problema de infraestructura. En todas partes del mundo hay limitantes. Es inevitable. Lo que aquí nos está haciendo falta es una toma de conciencia de las posibles soluciones. Cuando te preguntas “¿cómo lo podemos resolver?”, partes de la premisa de que hay problemas de espacio y presupuestos. En Puebla una galería pequeña quería exhibir Herejías con un presupuesto de dos mil pesos. Lo primero que les pregunté: ¿en verdad quieren exponer Herejías? Me dijeron que sí. Museografiaron con tan sólo dos fotografías impresas de gran tamaño y las otras cincuenta las mostraron con un proyector de archivos digitales, entrando a la base de datos. Me cuentan que tuvo una buena aceptación esta exhibición.

¿Se aprecian las fotografías virtuales de la misma forma en que se aprecian las fotografías impresas? ¿O los criterios han cambiado para apreciar la foto?
Yo no creo que haya una solución que sea “la” solución. Hay una variedad infinita de elementos para apreciar fotos: libros, Internet, copias impresas… Déjame decirte que esa es otra de las cosas que comienzan apenas a entenderse: todo se alimenta de todo.

Pedro, ¿cómo se concreta la exposición en el Museo de Antropología de Xalapa?
Me parece sumamente interesante. No es que sólo se les haya ocurrido invitarme. Sucedió así: el arquitecto Marcos Gudelio vio en Barcelona mi libro, lo hojeó y le gustó. Él estaba en ese momento colaborando con el proyecto del homenaje al escritor Ernesto Cardenal. Se metió a Facebook, me localizó, nos hicimos amigos y me contó acerca de la organización del homenaje. Me pidió más retratos de Cardenal, me preguntó cómo podía verlos y le sugerí meterse a la base de datos en Internet. Se sorprendió de la cantidad de material que encontró. Eligió las fotos y me propuso hacer la exposición en Xalapa, en el marco del homenaje. Luego se puso en contacto con la Universidad Veracruzana y se hizo la exposición. ¿Ves? De un libro impreso hojeado en una librería de Barcelona, pasa por Internet, por Facebook, por la base de datos y finalmente termina impresa, dando como resultado la exposición. Conté con la curaduría de mi amigo, el reconocido fotógrafo mexicano Héctor Montes de Oca. Esto es un ir y venir. Es decir: no podemos estar contemplando hoy en día un solo enfoque de las cosas. La mayoría de la gente no comprende que estamos en una era distinta. Aunque casi todo mundo conoce los componentes de las nuevas tecnologías, aún no logran ensamblar el muñeco. Tengo colaboradores conmigo desde hace años y cuando surge alguna cosa técnica por resolver y me plantean las complicaciones, aún no piensan en términos digitales, a pesar de que todo el día están haciendo eso. Hay que ampliar el horizonte en su totalidad. Es decir: tienes que enfrentarte a la vida con un pensamiento digital para soluciones digitales. No es falta de conocimientos: es la toma de conciencia del momento que estamos viviendo. Todo lo que estamos haciendo todos, está instantáneamente expuesto a nivel planetario a través de Internet. En el mundo de la fotografía importa el ojo, pero las herramientas son también muy importantes porque el ojo, por sí solo, ya no es el mismo que era antes. Quiero decir que tenemos que ofrecer algo nuevo, haciendo pruebas que te llevan días, realizando decenas de versiones de lo que queremos lograr, y la presión de ofrecer novedades requiere del uso de todas esas herramientas. Y entonces entenderlas como un mecanismo de prueba y error a velocidades completamente nuevas, provoca que cambie el discurso. El ojo entra cuando finalmente eliges. Esta es la virtud que provoca que un trabajo se diferencie de otro.

Entonces, ¿cuál es la ética actual del fotógrafo? ¿En tu caso particular existe alguna foto que por alguna razón, no hayas tomado?
Sí. Una sola foto: Cuando estaba naciendo mi hijo Julio. Me quedé muy impactado. Se me olvidó tomar la cámara. Fue la única vez en mi vida donde no tomé la foto.

¿Un fotógrafo debe tomar la foto siempre o hay casos en los que debe consultar al modelo?
Yo no creo en las recetas. Nadie “debe de”. Yo creo que el problema no está en tomarla. Nunca. El problema es el uso que le des luego a esa foto. Nada más.

Hablando de los derechos de autor, en tu página web enfatizas mucho acerca del uso que se le dará a tus fotos. Incluso hay que llenar una ficha para que se autorice el uso de las mismas. ¿Qué pasa cuando alguien las usa sin autorización?
No es sólo un problema de México. Es un problema del mundo. Y pasa. Es parte de la era digital y la fotografía es apenas una pequeña muestra del problema: la música, el cine, los textos son utilizados, robados o plagiados. ¡Un día, un gringo nos robó nuestro portal completito! Zonacero es un portal consultado por cinco millones de personas.

Nadia Baram, fotógrafa y pareja de Pedro Meyer acota: Obviamente lo localizamos, le llamamos y le advertimos sobre el problema legal al que podría enfrentarse y tuvo que borrarlo enseguida. El sitio se llamaba algo así como zumare.com.

Después de cruzar el estrecho de Bering que fue pasar de lo análogo a lo digital, ¿te consideras a ti mismo como un hereje, tal y como te calificó en su tiempo la comunidad de fotógrafos?
La palabra “hereje” significa alguien que no acepta el statu quo sin preguntar, sin cuestionar.

¿Eres un apóstata de la fotografía análoga?
No, no, no. Simplemente es un término para cuestionarse todo en cuanto a qué y por qué lo estamos haciendo. Por ejemplo, Frida, ¿qué piensas acerca de que estén desapareciendo los medios impresos?

Creo que no deberían desaparecer muchas cosas que existen. Por ejemplo los libros, el hecho de tocar las páginas de un periódico, de llenarte de tinta los dedos, creo que no debería desaparecer. El guardarlo y poderlo ver años después, es una experiencia que yo no quisiera que quienes me sucedan no tuvieran. Es más, no creo que estén desapareciendo. Están transformándose…
No, Frida: están desapareciendo. Yo creo que el problema está en cómo se hace la pregunta correcta: ¿por qué necesitamos periódicos impresos? No por nostalgia. Esa no es una razón. La nostalgia detiene el desarrollo, es amarrarse al pasado. Las bibliotecas no desaparecerán necesariamente.

¿Entonces el libro como objeto, la biblioteca como sitio, son prescindibles en la cultura humana?
El libro, la foto, el periódico impresos, son prescindibles.

Pero los formatos digitales nos han llevado a no imprimir la foto. ¿Qué pasa cuando esos formatos se echan a perder o son obsoletos? Hay discos compactos que ya no se pueden leer en estas nuevas máquinas, discos duros que fallan. En cambio, sí conservamos fotografías impresas hace un siglo.
Yo creo que se han perdido más libros o fotografías por la acción del fuego, de las inundaciones, de los robos, de los hongos, de las guerras, de los insectos y roedores, del deterioro del material. ¿Qué pasa entonces? Pues que nadie hace comparaciones entre esas pérdidas, con las que ocurren en cuanto a lo digital, los discos duros dañados, etcétera.

Entonces no podemos sustraernos a la pérdida. ¿Hay que imprimir? ¿No hay que imprimir? ¿Cómo respaldarías para no perder tus materiales?
Sólo respaldo de manera digital. Porque después tengo la opción de imprimir y ya. Tengo once terabytes en mi máquina. Yo no soy fotógrafo de fotos impresas. Yo soy un contador de historias. Y como contador de historias, depende a quién se la cuentes: esa es la manera en que voy a presentar la foto. A veces impresa, en otros casos virtual, etc. Porque el objetivo es ese: contar una historia. Retomando lo que hablábamos acerca de los periódicos, existen porque necesitamos información. A mí qué más me da si me entregan esa información en una servilleta o en un periódico. Eso es irrelevante con tal de que yo tenga la información. A mí me llega todo lo que necesito saber a través de mi IPod. Nadia y yo viajamos mucho y quiero tener la información en donde estemos. Tenemos lo que necesitamos para estar informados. El ritmo del periódico se ha quedado obsoleto. Frente a una obsolescencia de su uso, lo que creo es que finalmente desaparecerán.

Jaime G. Velázquez: De Vuelta a Veracruz

2009-03-14T00:21:00.009-06:00

Jaime G. Velázquez es escritor y editor. Nació en la Ciudad de México, pero radica desde hace muchos años en el puerto de Veracruz. Publicó tres libros, coordinó suplementos culturales y revistas, fundó editoriales y proyectos literarios. Ha impartido talleres y trabajó en el IVEC desde su fundación. Fue editor de Vuelta con Octavio Paz y colaborador de los principales periódicos y revistas del país. Sobre todo, ha sido un voraz lector y un asiduo crítico de los fenómenos culturales.

Jaime, ¿cómo nace tu interés por la literatura?
Tuve un error vocacional, creí que podía ser novelista o poeta y abordé un ómnibus de letras (facultad de). Más bien tarde supe con claridad que hubiera sido feliz en una librería. Desde niño quise irme de la casa familiar y me preparaba echando libros en una maleta que luego no podía levantar del suelo. La primera vez que fui a París llevé libros como si allá no hubiera. No pensé en calcetines, camisetas o calzones. De regreso, lo mismo: traje libros de allá que podría haber comprado en la Librería Francesa que estaba en Paseo de la Reforma. Mi vida son los libros, los que otros han escrito.

Publicaste dos poemarios. ¿Qué te dejaron? ¿Los sientes cercanos aún?
Hubo un tercero en esa época, de poesía visual, pero la tradición dominante va por otro lado. Me encaminé hacia la crítica. No puedes escribir sin leer lo que están haciendo los demás, no nada más los de tu generación. Pero la lectura me llevó a otro lado. Emmanuel Carballo me pidió hacer una selección de poetas-poemas novísimos, que publicó en el suplemento dominical del periódico El Día. Después de ese trabajo, la lectura de uno mismo se carga de exigencias, tantas que pierdes el camino que llevabas. Son tan cercanos, los poemas que hice, como si tuvieras un hijo de treinta años viviendo en Islandia al que sólo visitas una vez cada diez años. Lo reconoces al tiempo que sabes que es un extraño. Me gusto como fui, sé que eso me permite ser como soy, pero también sé que aquél y yo ahora ya no nos llevamos mucho.

Háblanos de tu época en Vuelta y qué te retribuyó profesionalmente. Trabajaste en la Revista de la Universidad, ¿consideras esta etapa fructífera a nivel profesional?
El trabajo editorial en ambas revistas, y las reseñas de libros que publiqué allí y en diferentes periódicos (algo increíble, haber aparecido en el número tres de un periódico entonces nuevo, unomásuno, un medio que se echó a perder), son parte de una vida, como te diré, desastrosa. Andas gastando tu tiempo con un optimismo envidiable. Parte de esos años los conoce Jorge Brash, porque trabajamos juntos y luego íbamos con amigos a oír música tropical en lugares cuyos alrededores hoy deben ser de mala muerte. A Octavio Paz lo traté poco, porque la vida le ganaba a la literatura. Hablar con él era parte del trabajo, salir con los amigos era la meta. A Julieta Campos, que dirigía la revista de la UNAM, nunca la vi porque ella vivía en Tabasco. Y Vuelta la leí desde antes de pensar que iba a trabajar allí, desde que era Plural. Recuerdo fines de semana en Cuernavaca, junto a la alberca, todos nadando o platicando y yo leyendo "sábado", o Proceso, o Cambio 16. La vida literaria no estaba en la redacción, o en la Imprenta Madero. Algunas consultas con Paz eran en su condominio en Guadalquivir y Reforma. La vida era platicar con Ida Vitale y Enrique Fierro, visitar a Ernesto Mejía Sánchez, admirar a Héctor Valdés; los tres, profesores de la UNAM, pero la amistad empieza cuando ya no son mis profesores. La literatura estaba en las bibliotecas, en las librerías, adonde iba solo y donde salía con más de un libro. Tengo un enorme déficit de lectura, no de libros. Si compras tres libros a la semana, lees uno. Pero Gabriel Zaid dice que lo importante es ir haciendo un proyecto de lectura.

¿Cómo es que decides trasladarte de la ciudad de México al Puerto de Veracruz?
El terremoto del 85 me lanzó fuera del DF. Vivía en la colonia Condesa y a unos metros de edificios que se derrumbaron. Donde yo vivía se cayeron paredes que daban a las escaleras. ¡Y el polvo! Tratábamos de creer que el smog no nos iba a matar pero agrégale el polvo de los derrumbes. Los días que siguieron me iba a Cuernavaca con mi esposa para que no se le agravaran a mi hijo de tres años sus problemas respiratorios, y regresábamos porque teníamos que trabajar. Mi hija, que llegó a Veracruz con un mes de nacida, nunca tuvo enfermedades respiratorias, ni catarro, y no exagero. Por ello sé que fue acertada la decisión.

Al llegar al puerto, platícanos acerca de tu experiencia en el Instituto Veracruzano de la Cultura y en la época de quién fue.
El IVEC fue establecido en el puerto para que yo tuviera qué hacer. Al venir en la carretera oímos que se estaba dando la noticia de que el gobernador, al tomar posesión, decidía la fundación del IVEC. Ese día llegó el camión de mudanzas con nuestros triques. Y hubo un empleo para mí en la oficina editorial. Entonces trabajé con Ida Rodríguez Prampolini, Óscar Hernández, Lilí Flores, Ivonne Moreno, Eduardo Sansores. Publiqué los primeros libros del IVEC, una aventura. Yo venía de Imprenta Madero y en Xalapa estaba empezando Graphos, pero en el puerto no había donde hacer libros. El proyecto de Ida Rodríguez estaba muy bien pensado, era muy completo. Creo que conviene hacer un análisis a fondo de lo bueno y lo malo de los cambiantes e incompletos IVEC que ha habido. Desde el principio el dinero se iba en sueldos y quedaba muy poco para gastar en realizar ideas. Te digo una. Fuimos un grupo de escritores a leer a Xalapa y pedimos que se organizara una cena para invitar a los colegas y que se diera un acercamiento. Nada. No había dinero y cenamos solos y luego cada quien se fue por su lado. Se perdió un momento que hubiera sido muy importante para todos.

Participas en la literatura del puerto de Veracruz. ¿Cuáles son las convergencias y divergencias con ambientes similares en la ciudad de México y en Xalapa?
Tu pregunta es tema para una tesis de doctorado. Podemos partir de un libro que es una maravilla, La cabeza de Goliat, de Ezequiel Martínez Estrada. Las capitales latinoamericanas son monstruos. Buenos Aires, Caracas, Santiago de Chile, Lima, Ciudad de México. Devoran todo lo que pueden de los alrededores para crecer. Xalapa está cien kilómetros más cerca del DF así que está mejor relacionada con la vida cultural de allá, además que la Universidad Veracruzana tiene una Facultad de Letras en esta capital. Quienes quieren estudiar letras deben tener dinero para pagar su estancia en Xalapa. Muchos jóvenes estudian Comunicación porque es lo más cercano a lo que sería una carrera de letras. Quizás antes se justificaba demográficamente, pero ahora quizás valga invertir en atender este aspecto fuera de Xalapa. Los porteños tendrán que asimilar que puede ser una carrera redituable. Como sea, me pregunto quiénes imparten las clases de literatura en los bachilleratos veracruzanos. Con esto trato de explicarme qué pasa con la literatura en el puerto. En el pasado, un narrador como Juan Vicente Melo tuvo que emigrar a la ciudad de México. Todavía tiene más lectores allá que acá. Los narradores, poetas, dramaturgos actuales, ¿todavía no pueden quedarse a estudiar esos géneros en el puerto? Otro problema, los libros. Los títulos que encuentras fácilmente en el DF no llegan hasta Veracruz. A los escritores porteños les hacen falta lecturas.

En Veracruz puerto impulsaste tres proyectos literarios: la revista La ventana cerrada, la editorial Nosotros y el suplemento cultural del periódico Sur, ¿qué ha quedado de ello?
Sur se volvió Imagen, y seguimos publicando nuestras opiniones allí. Pero también hemos colaborado en El Dictamen y en Notiver. Hay que hacer una síntesis de la realidad: hace falta dinero y hay un entorno nacional que le da la espalda al desarrollo cultural. No te voy a decir nada nuevo. El cine de Estados Unidos domina el mercado, la televisión por cable o satélite está dominada por Estados Unidos, la televisión nacional es como mirar un cementerio. La radio iba mejorando pero ya viste qué le hicieron a Carmen Aristegui, qué ha pasado con Gutiérrez Vivó; la programación musical se parece al tambaleante Michael Jackson saliendo de una tumba. Y en discos, en libros: hay más extranjeros que nacionales. Visto así, qué puede hacer una revista local, una editorial independiente, un periodismo dinámico pero local. En mi casa no me aguantan porque soy un criticón de todo. Señalo los defectotes de CNN y qué queda. Los de series españolas, que son mejores que las mexicanas. Pero uno esperaría que hubiera más criticones, a los que les pagaran, que detectaran fallas y defectos. Pero no. Si existe la perfección, la gente que toma las decisiones la evita. No sé por qué. La ventana cerrada se murió después de un empacho que le vino cuando el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes la apoyó con la mitad de sus gastos. Se sintió rica y se puso a tragar en lugar de ahorrar. El proyecto que tuvimos con Carlos Manuel Cruz Meza existió por el déficit que tiene el IVEC y la UV en la producción de libros, y porque el sector público no tiene por qué estar atendiendo el cien por ciento de esto. Entonces el que se está limitando es el sector privado, porque cree que el gobierno está haciendo su trabajo. Lo de Sur fueron tres años, ocho páginas semanales los viernes y yo ya estaba agotado, quiero decir, vacío, ya funcionas como Chaplin en la banda sin fin. Pero siguen saliendo páginas culturales entre semana, lo que es un mérito indisputable de Imagen.

Por lo que sé de ti, eres como un salmón que lucha a contracorriente. Este salmón que eres: ¿ha llegado o ha sido engullido por las fauces de la depredación cultural en la que vivimos?
Ojalá fuera un salmón solo. Pero al nadar sabes que el resto del país viene contigo, incluso las personas acaudaladas. Y con éstas es más triste el caso, porque nunca se han visto como salmones, no saben que lo son. Lo que ha pasado estas semanas en la economía mundial, la despedida de Bush, los zapatos que lo humillaron, ¡Nerón! Y es que incluso el Secretario de Hacienda y el Presidente de la República fueron arrastrados. Apenas van reaccionando. Ahora van rezagados, detrás de quienes empezamos a nadar a contracorriente desde los años setenta. México está por cumplir doscientos años de luchar por su independencia, y todavía no la consigue plenamente. Ve a cualquier tienda. Incluso las bolsas de arroz dicen “Producto de EU”. Estados Unidos nos invadió y se retiró. Compró medio país. Me pregunto por qué no se llevó gratis todo, en tiempos de la Guerra de Reforma, por ejemplo, hace siglo y medio. ¿Por qué quería hacer un canal en Tehuantepec y al final se fue a Panamá? Como sea, padecemos una invasión silenciosa y ellos felices, sin los mexicanos, excepto a los pocos que necesitan. Tu frase es exacta, “depredación cultural”, por los gringos y por sus socios mexicanos. Hay más preocupación por la ecología que por la cultura, y se trata de parecida devastación. Habría que hacer un partido ¿de qué color? culturalista. Pero hay que ser optimistas. Es posible que, con todo, Estados Unidos dure menos que México.

Según tu experiencia, ¿consideras que la comunidad cultural del puerto de Veracruz compite con sus pares a nivel estatal, nacional e internacional?
Últimamente han cambiado las cosas en el puerto, pero esto ha sido un proceso lento. Los veracruzanos estaban muy encerrados y la emigración era un destino inevitable. Si querías estudiar una licenciatura que no existía en tu área, te ibas en su busca. Esto va seguido de los empleos: ya que estás estudiando en una ciudad más grande, te quedas a vivir allí. Muchos porteños se vuelven turistas cuando regresan en vacaciones a visitar a sus padres o abuelos. ¿Nombres? ¿Casos? Uno famoso: Juan Vicente Melo estudió en París y luego vivió en el DF. Una vez se le hizo un homenaje aquí y fueron invitados sus amigos del DF. No hubo un solo participante del puerto, aunque había amigos de él y quienes podían haber presentado trabajos de alto nivel. Fue como una fiesta de turistas, extraños en la playa Paraíso. Nuestro problema es la fama: hay más micrófonos en el DF y más noticieros producidos allá para que todo el país los oiga y hay un ahorro en el contrato de locutores. Eso le da una falsa uniformidad al país. Los noticieros de aquí utilizan agencias y material de allá. Nosotros nos enteramos de las opiniones del DF y tenemos además opiniones propias, un plus que no tienen los distritenses, y no piensan que les haga falta. Por lo demás, si el arte está mal en general, si va como carcacha, no podía ser distinto en Veracruz. Las instituciones de gobierno son un obstáculo con sus promociones, que no se cansan de conservar.

¿Cuáles son las expectativas culturales del puerto de Veracruz, por las que tanto has propugnado; consideras que se vayan a cumplir?
No en las actuales condiciones. Imagínate a esa gente del poema de Ezra Pound, que va saliendo de una negra estación del Metro. Las discusiones políticas apenas y alcanzan a plantear los grandes problemas nacionales, para resolver los cuales no se oyen muchas ideas. Uno puede vivir como Robinson Crusoe y con que tengas una televisión ya no vas a protestar. La educación artística sigue pospuesta y por ello los públicos del arte no crecen en terrenos áridos. Este es un problema que requiere una legislación valiente. Hubo foros conducidos por una diputada del área de turismo y no creo que haya una segunda vuelta, para ver si están bien interpretadas las sugerencias. Se votará: y quién dice que los votos son de expertos con una alta sensibilidad por el arte, si sabemos que son políticos, es decir sin especialidad en este terreno, si las votaciones se hacen de proyectos que se consideran bien elaborados por quienes entonces tienen una mayor responsabilidad. Se requiere unir fuerzas para cambiar no un estado sino un país, por ejemplo que se exhiban cortometrajes de festivales internacionales en la programación habitual de los cines. ¿Cómo metes esto en una ley?

¿Qué lee la gente en Veracruz? En base a eso, ¿cómo se pueden llevar a cabo directrices en el estado para que la gente lea no sólo lo que lee?
Las estadísticas del país incluyen Veracruz. No hay lectores, aunque hay algunas ventas, de revistas sobre todo. La oferta es inmensa y la demanda es baja. La publicidad es la principal culpable. Los anuncios pagan el tiraje y a nadie le importa si la revista termina devuelta al editor, sin mácula de dedos ávidos. Periódicos y revistas puedes leerlos gratis en Internet, entonces no se entiende el que persistan los puestos en las esquinas. En cuanto a literatura mexicana, es un espectro. La encuentras debajo de lápidas que dicen “no abras esta tumba, compra libros traducidos”. Ya te digo, los escritores están muy ocupados y no tienen tiempo de volverse vendedores de libros de puerta en puerta. Mientras no haya decisión para tomar por asalto a los lectores extranjeros, nuestros escritores seguirán padeciendo el legado de tiempos de la colonia, que nos alejó del desarrollo que sí se dio en otros sitios.

¿Qué consideras que estás dejando como legado? ¿Quiénes son los que te siguen?
Caramba, de legado, nada. Estoy en una fila tan larga que no habrá lectores para mí. Primero están los famosos, que no siempre son los mejores; siguen los buenos escritores, que suelen ser casi desconocidos; siguen los atrevidos, que van cargando su caja de miel, los mártires, etc. Y como estoy en la fila, no sé si tenga seguidores. Mi testamento va a ser muy simple, todo lo que hago es por amistad, por mis amigos. Aunque esté cansado, soy el último en irse de las fiestas. Si hubiera quien me siguiera, nunca acabaría la fiesta. No habría plural para esa palabra.

¿Qué otras manifestaciones artísticas te apasionan?
Todas son una. Por eso te digo lo de la educación artística. Una vez que aprendes a apreciar la música, vas a un concierto y allí te quedas a ver una obra dramática, que te lleva a una librería donde encuentras un libro con la obra de un pintor cuya obra ya no podrás dejar de ver. Te lo digo de otra forma. José Bernardo Couto nació en Orizaba en el siglo XIX y es uno de los primeros que escribe sobre historia de la pintura en México. Después de él, hubo que esperar décadas para que Manuel Toussaint presentara su historia de la pintura colonial, la más completa en el siglo XX. El que yo me haya interesado por el arte es algo que tiene explicación: oír una o dos estaciones de radio que están transmitiendo piezas que en tu casa no conocen, entrar a varias galerías, ir a diferentes teatros, etc. La inversión en infraestructura artística es algo que puede dar beneficios cuantiosos, sólo faltan los empresarios que crean esto, que puede ser comprobado por sociólogos, economistas, etc.

Imagino que siendo una persona tan creativa haces uso de las nuevas tecnologías. ¿Qué piensas de ellas?
Son una maravilla. Además, ¿cómo evitarlas? Mis hijos las manejan con facilidad porque las empezaron a usar desde que eran niños. Yo no, para mí es difícil, incluso incomprensibles a veces, como toda la cultura de los celulares, tan mal utilizados para transmitir mensajes incomprensibles, como lo es saludar a una persona que acabas de ver hace una hora, o a la que vas a ver dentro de una hora. La llamas para decirle: ya voy. Eso antes no era necesario. En cuanto a Internet, el papel está en retirada, porque hay más brillantez en una página electrónica que en una foto impresa. Además, hay una “aldea global” entre los escritores, como una especie de comunas hippies, donde la comunicación es instantánea y desenfadada. ¿Qué más? Un escritor y un lector sin intermediarios.

¿Has pensado en volver a publicar poesía o narrativa?
Lo estoy haciendo. En páginas electrónicas, en revistas locales, en revistas como Cultura de Veracruz, que publicó un relato mío en una recopilación titulada “Escritores de Veracruz”. Lo que pasa es que la adolescencia escribes como desesperado y en la madurez ya no tienes prisa.

Nirvana Paz: Vislumbramientos

2009-02-18T18:35:00.008-06:00

Nirvana Paz nació en la Ciudad de México en 1976. Estudió la Licenciatura en Fotografía en la Universidad Veracruzana y diversos cursos con Jesús Sánchez Uribe, Yolanda Andrade, Yves Massart, Armando Saénz, Bernard Plossu y Alejandro Castellote, entre otros. A la fecha ha realizado alrededor de 25 exposiciones, entre individuales y colectivas, en diversas ciudades de México, Colombia, Estados Unidos, España, Argentina, Venezuela, Japón, Francia y Portugal. Ha recibido varios reconocimientos y becas, entre ellos el Primer Lugar (Premio de Adquisición) en el IV Salón de la Fotografía organizado por el Centro de Arte Moderno de Guadalajara, Jalisco; Primer Lugar en “Cuerpo y Fruta”, organizado por la Embajada de Francia en México y Alianza Francesa; “Arte por todas partes” del Gobierno del Distrito Federal en 2002 y 2005. Ha sido seleccionada en convocatorias tales como la Bienal de Yucatán 2007, el Encuentro Iberoamericano de Mujeres en el Arte 2001, el Salón de Arte de Medellín, Colombia, en 1997 y La línea del Arte en 2001. Ha obtenido la Beca para Jóvenes Creadores del IVEC en 1998 y del FONCA en 2001-02 y 2006-07, así como la Beca de Intercambio de Residencias Artísticas México-Venezuela (2003) y México-Austria (2008). Su obra forma parte de colecciones pertenecientes al Portfolio Museum Komopa de Japón, la Biblioteque Nationale de France y el Centro Portugués de la Fotografía, entre las más importantes. Ha participado en varias conferencias y presentaciones. Además de otras referencias a su obra se encuentran en el catálogo de Fotoseptiembre Internacional 98, editado por el Centro de la Imagen; en el libro Luz y Color. Paisaje Veracruzano, editado por el Instituto Veracruzano de Cultura; en la revista Diálogo entre las Fronteras, editada por el CNCA; en el volumen Efe Ocho por Uno. Temas de reflexión a partir de conversaciones con ocho fotógrafos, de Omar Gasca y en el catálogo Latinos de La Casa Encendida en Madrid, España. También ha publicado su obra poética en diarios y revistas, así como en su libro Procesiones, editado por Tierra Adentro (1999). Ha impartido clases de fotografía en diversas instituciones, entre ellas el Centro de la Imagen, la Universidad de los Andes (Venezuela), el Centro Escuela de Cine y Televisión y el CEART de San Luis Potosí.

Nirvana, ¿cómo te decides a iniciarte en la fotografía?
Inicio estudiando fotografía con un buen amigo de la familia, en casa, en pláticas, desde niña. Después, ya adolescente, entro a trabajar en el Museo Carrillo Gil en el curso de cine que impartió por muchos años Sergio García: trabaje con él haciendo foto fija para sus videos. Finalmente me alejo del cine y decido estudiar en la Universidad Veracruzana la Licenciatura en Fotografía.

¿Por qué estudiar en Xalapa? Y cuéntanos quiénes fueron los maestros que te dejaron mejores experiencias de aprendizaje.
En aquel momento, acababan de ser las Crónicas Fotográficas en esa ciudad, vinculando fuertemente en ello a la Facultad de Artes Plásticas. Supe por eso y por amigos sobre la posibilidad de estudiar ahí. Así que me decido a estudiar foto fija, dejando atrás mi primera idea de hacer foto de cine. Pensaba que sería un viaje con retorno al cine, pero las cosas se mueven. Lo más relevante de mi estancia en la Facultad fue la convivencia con otras áreas, la posibilidad de discutir y compartir con compañeros que estudiaban diseño, pintura y hasta danza, fue lo más enriquecedor de mi paso por la Universidad, por supuesto sin restar importancia a algunas clases.

Cuéntanos acerca de tu primera exposición individual. ¿Dónde fue? ¿Cómo sucedió?
En la época universitaria, también trabajaba como cocinera en un lugar llamado La Tasca. Era un espacio, no sé si aún lo es, donde confluían los estudiantes de Artes y Humanidades, así como los profesores. Chava Suárez, el dueño, siempre vinculado a actividades artísticas, inauguro una galería dentro de dicho bar. Es ahí donde hago mi primera exposición individual llamada Naturalia y que participaba dentro del marco de Fotoseptiembre.

Háblanos acerca de tu primer premio.
Antes de mi primer premio fui seleccionada en un certamen realizado en Colombia, pero fue hasta el Salón de Guadalajara donde obtuve el primer lugar con la serie Hermanas. Imágenes en cianotipia. Después de ello fui seleccionada en La línea del arte y en Mujeres en el arte, así como en el Kiyosato Museum de Japón, con un premio de adquisición. También en la convocatoria Cuerpo y Fruta obtengo el primer lugar con la serie llamada “Piel de manzana”, que me lleva al Festival de Arles, Francia.

¿Qué significa para ti ser la fotógrafa mexicana más importante de tu generación?
Creo es una aseveración muy aventurada, en mi generación existen grandes fotógrafos, muchos de ellos con una trayectoria mayor a la mía y a los cuales admiro mucho. De manera personal, mi gran logro es seguir produciendo, tener este impulso que no me permite dejar de fotografiar, incluso buscar más allá de la fotografía, entender el arte y vivirlo de manera cotidiana.

El reconocido crítico de arte Omar Gasca te ha antologado. Cuéntanos acerca de ello.
Omar, un buen amigo, publicó un libro titulado Efe ocho por uno. Conversaciones con ocho fotógrafos. En dicho libro participamos fotógrafos de muy disímbolas procedencias pero que teníamos en común la amistad con Omar. Podría entenderse como un caso abierto de amiguismo, pero fue un poco más complejo que eso. El libro consiste en entrevistas y unas pocas fotos de cada fotógrafo invitado. Mi recuerdo sobre aquello es gozoso, pues evoco la larga tarde de charla con Omar, acompañados de tequila, que obviamente se resume en varios cassettes que no pudieron ser integrados al libro por su gran extensión.

¿Qué personalidades dentro del mundo de la fotografía, el coleccionismo y la crítica poseen tus obras?
Hay muy pocos individuos, ha sido más común que sean instituciones quienes adquieren mi trabajo. Como individuo resaltaría al coleccionista Laurent Chabres. Institucionalmente, entre lo más destacado está el pertenecer a las colecciones de la Biblioteca Nacional de Francia, al Kiyosato Museum y al Centro Portugués de la Fotografía.

¿Cuáles son tus favoritas? ¿Con qué género gozas más?
He cambiado mucho en el proceso. Afortunadamente, la transformación personal se ha vista reflejada en los diferentes caminos, y en sus digamos aparentes diferencias, en mi trabajo. Es en ese ir y venir entre lo interior y lo exterior, que encuentro la gran diversión, En la búsqueda de olvidar la bidimensionalidad de la imagen, y también regodearme en ella. Es la posibilidad de movimiento la que más me da placer en mi labor creativa.

Recientemente obtuviste una beca para ir a Europa. Cuéntanos acerca de este proyecto. Sé que fue un reto enorme: comunicarte sólo con imágenes tomadas por ti misma.
La primera vez que tuve esta beca de Residencias Artísticas otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, fue para ir a Venezuela. En ella ejercía uno de mis grandes amores: el viaje. En esta ocasión me dieron la beca para Salzburgo, Austria. El tema del viaje sigue siendo recurrente en mi trabajo, ya que me interesa mucho el encuentro con el otro pero en esta ocasión me interesó centrarme en el encuentro a través de su idioma, y lo que ello conlleva. Así que, valiéndome de la imagen como medio de comunicación, quise poner a prueba las diferencias culturales que encierra la lectura de una imagen, sus códigos y signos. Así, con imágenes de México, me comunicaría cotidianamente en el mundo germánico. Como todo lo que vale la pena, el proyecto se transformó y tomó sus verdaderas dimensiones cuando estuve en el lugar. Finalmente el trabajo se desarrollo más sobre el lenguaje escrito representado visualmente. Espero mostrarlo pronto.

Como fotógrafa, ¿a quiénes admiras?
¿La lista corta o la lista larga? Te diré los más representativos, sin embargo es sincero decir que es casi imposible nombrarlos a todos, y cada día aumenta o decrece esta lista, esta en constante transformación, como yo: Sophie Calle, Francis Alys, Uta Barth, Saudek, Bernard Plossu, Robert Frank, Silvinas Kempinas, Lorca Di Corcia, Edward Hopper, Vik Muniz…

¿Cómo ves el escenario actual de la fotografía en México?
Creo que, contrario a lo que piensan muchos fotógrafos, seria bueno dejar de pensar a la fotografía como algo separado, me gustaría replantear la pregunta a “¿cómo se ve el escenario actual del arte en México?” En ese sentido, creo que es en las calles, en los colectivos, en los espacios alternativos, galerías llevadas por jóvenes o alejadas del presupuesto gubernamental, donde está sucediendo lo más interesante. Supongo también que esto no es extraño, siempre ha ocurrido así. No quiero demeritar grandes esfuerzos por parte de muchos espacios institucionales, escuelas nuevas y galerías privadas, que también alojan y forman nuevos artistas, otros con una histórica trayectoria y que están ocupadas en formar nuevos públicos. Creo que la creación esta en una efervescencia patente, en constante ebullición. Si existe algún problema creo tiene que ver mas con la falta de dirección común de todo esto, y con un mercado del arte que supera incluso a México, y que marca una intención dudosa en muchos creadores en el momento de trabajar.

¿Utilizas la técnica de la lomografía, hoy en auge? ¿Qué opinas de ella y cómo repercute en la democratización de la fotografía en el mundo?
He usado la Holga y varios formatos de Lomo, para mí es una herramienta más con la que se puede trabajar aprovechando, según el tema, las cualidades que lomo y holga tienen. La democratización es una característica inherente a la fotografía, lo que hace Lomo es en otro sentido, establece unas reglas (que puedes o no respetar) que más que democratizar a la fotografía le otorga un sentido lúdico, que ha dado muy buenos frutos; basta con darse una vuelta por su pagina.

Eres una artista multidisciplinaria: escribes, has hecho cine, museografía, etcétera. ¿Cómo compaginas todas estas actividades? ¿Repercuten ellas en los resultados de tus fotos?
Hacer museografía, diseño, montaje y hasta embalaje, son tareas que casi todos tenemos que realizar cuando está por montarse alguna exposición. Parece inevitable inmiscuirse en estas cosas, aun cuando hay verdaderos profesionales de cada área. Por supuesto hay unas que de tanto realizarlas se van volviendo más serias y de manera inevitable repercuten en diversos puntos del proceso creativo. La actividad que de manera más patente influye en mi trabajo es la docencia: doy clases desde hace diez años y hasta ahora me siento con un sistema de enseñanza más claro. Nadie nos enseña a ser maestros, tiene muy poca difusión la información sobre enseñanza de las artes y una formación pedagógica en esta área nunca la tuve, pero amo dar clases, es un espacio en el que he aprendido mucho de mí, y espero que haya podido enseñar de manera proporcional a lo que he recibido. Esa actividad influye mucho en mis procesos creativos, me da altos en el trabajo personal, me proporciona energía para hacerlo. Ser alguien activo en la creación y al mismo tiempo estar frente a un grupo, ayuda a que en verdad haya una retroalimentación, y sobre todo cuestionamientos y actualizaciones constantes, evitando el enquistamiento que muchos maestros padecen y que como alumnos nos afecta. Una escuela tendría que tener mucho más movimiento interno, pero en muchos casos se vuelve patológica su inmovilidad y se alimenta del deseo de proteger esos pequeños círculos de seguridad, que finalmente detienen al alumno tanto como al maestro.

¿Por qué muchas de tus fotografías están francamente desenfocadas? ¿Hay alguna intención?
La serie de la que hablas se llama Vislumbramientos. Siete dioptrías, y aunque el fuera de foco es algo que uso de manera más o menos habitual, es en esta serie en la que lo exploto al máximo. No como un accidente, sino como resultado de mi miopía. Es mi trabajo de tesis de la facultad. En él hago evidente la manera de ver a través de mis siete dioptrías. Fue un trabajo que inicié a raíz de la pérdida de mis lentes en un viaje por Europa. Al no tenerlos, decidí fotografiar sin el autofocus de la cámara. Sólo como yo lograba ver lo más nítido que mi vista me permitía. Así que es un registro de mi vida cotidiana durante el viaje, percibido, vivido y fotografiado tal cual veo. El resultado es una especie de impresionismo fotográfico con una suerte de diario visual.

De tus series, ¿cuál o cuáles son las que más te han gustado?
Como te decía antes, cada trabajo ha respondido a una época, a un proceso personal, me es difícil decir qué es lo que más me ha gustado, pues en general han sido importantes todas. Sin embargo sí podría decir cuáles son las que no reflejan claramente dicho proceso. Pero ese sería otro tema.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?
Ahora estoy trabajando en la organización de todo lo realizado durante mi última residencia en Austria, ya que ahí trabaje en varios proyectos, no solo en el que me llevó a esa ciudad. Por otra parte estoy iniciando la serie Souvenir, que es más bien una combinación de escultura en pequeño formato y fotografía.

¿Piensas regresar a Xalapa a exponer?
Mi última exposición en Xalapa fue mostrando justamente la serie de Vislumbramientos. Siete dioptrías en la Galería de Arte Contemporáneo en Xalapa, pero más recientemente monté en la Fototeca de Veracruz la serie Méridas. Tres ciudades. Como verás, no me he alejado tanto de ese estado. Supongo que si surgen otras posibilidades de mostrar mi trabajo ahí, lo seguiré haciendo. El tiempo lo dirá, no es algo a lo que me niegue, pero no corre prisa. Por lo pronto hay que seguir trabajando.

Abel Zavala: Pintar la Realidad

2009-01-28T14:15:00.005-06:00

Abel Zavala Ortega nace en la ciudad de Xalapa, Veracruz, en 1986. Estudiante de Pintura en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Abel es hiperrealista, ya que considera que es el elemento idóneo para captar la realidad, lo cual se ha convertido en una de sus metas. Como muchos creadores reflexiona sobre sí mismo y el arte se ha convertido en uno de los procedimientos para relatar estas inquietudes; por eso pinta sobre todo autorretratos, dentro de una exploración para escudriñarse tanto física como mentalmente sin tratar de elucidar dificultades y ansiedades. La calidad formal de sus piezas nos exige una lectura minuciosa, pues Abel retrata cada poro de su piel insistiendo en el detalle hasta sus últimas consecuencias. Su meta es imitar o incluso ir más allá de la fotografía, por lo que el desarrollo técnico y formal de sus obras es impecable. Pese a su corta edad, busca que el público no pueda distinguir entre la piel pintada y la piel real, por lo que parte de acercamientos fotográficos para construir su discurso pictórico, poniendo especial cuidado en la elaboración de sus bastidores, pues le interesa la durabilidad de sus obras y que la superficie a pintar sea lo suficientemente tersa para que la pintura semeje una fotografía o más que eso: consiga ser una ilusión óptica que nos acerque a lo real. Ha expuesto en México, Bélgica y Canadá.

Abel, ¿cómo te inicias en las Artes Plásticas y desde cuándo?
Desde que tengo memoria he dibujado, pero fue hace cuatro años que ingrese a la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana cuando empecé en las artes de manera formal.

¿Dónde te formaste?
Primero me forme de manera independiente, siempre me ha gustado dibujar y pintar y siempre tuve la oportunidad de ello, ya que mi familia puso a mi alcance todo lo necesario para que me desarrollara en las Artes Plásticas. Después ingrese a la Facultad de Artes de la Universidad Veracruzana, donde actualmente curso el séptimo semestre de la carrera de Artes Plásticas, opción pintura.

¿Cuál ha sido tu educación visual?
Desde muy pequeño me ha gustado nutrirme de imágenes, primero en libros, ahora también en Internet. Siempre busco cosas nuevas, me interesa saber qué pasa en el arte en otros países, pero creo que la mejor educación visual está en los museos, en las galerías y también, desde luego, en la observación del mundo que me rodea. Cualquier fuente es buena, desde los letreros callejeros hasta las revistas de moda. Los viajes también me han aportado mucho, el contacto real con las obras de grandes artistas ha significado para mí algo enriquecedor.

¿Qué artistas han influido en tu proceso creativo?
Han sido muchos a lo largo de mi vida, desde los medievales y renacentistas pasando por las vanguardias, hasta artistas de nuestros días. Por ejemplo, he aprendido mucho sobre color gracias a los impresionistas como Monet, de la inocencia de Henri Rousseau, de las texturas de Tamayo, de la magia del Bosco, de la perfección de Remedios Varo, del realismo de Gottfried Helnwein, de las atmósferas de Rothko, de las ideas y consejos de mi maestro Manuel Velázquez y del escultor Roberto Rodríguez, así como también he aprendido de artistas contemporáneos que no son propiamente pintores, pero que con sus conceptos me han ayudado a enriquecer y entender más el proceso creativo.

¿Cómo te clasificas? ¿Eres un artista propositivo, te consideras vanguardista?
Creo que mi trabajo es muy variado, va desde lo figurativo altamente realista hasta lo abstracto, así como de lo tradicional hasta lo poco convencional, pero considero importante ser fiel a mis ideas más que a las corrientes artísticas. Mi medio de expresión es principalmente la pintura, creo que aunque las tendencias actuales en el arte se alejan de la pintura como la conocemos, se puede ser propositivo y actual aunque los materiales o técnicas que se estén usando sean tan antiguos como el temple de huevo o el grabado, siempre y cuando la imagen sea contemporánea.

¿A tu edad y con tu experiencia, sientes que puedes vivir del arte?
Creo que sí se puede vivir del arte. Lo ideal es vivir de lo que se produce, es decir, de la venta de obra, pero también hay alternativas que no se alejan del arte, que van desde la docencia, la crítica y la reflexión teórica hasta la gestión cultural, la curaduría y la museografía. El arte tiene muchos caminos, lo importante es producir, tener una obra de calidad y trabajar de manera profesional, yo diría que desde el primer momento de la formación artística.

¿A qué aspiras como artista plástico?
A seguir trabajando, a mantenerme firme en mis ideas, a aprender más para que la calidad de mi trabajo siempre vaya en ascenso y de esta manera logre colocarme y que el mundo conozca lo que hago. Mi más grande aspiración es la perfección, la calidad, ofrecer siempre lo mejor.

¿A futuro, qué pretendes como artista?
Probar, experimentar, nutrirme de arte, viajar, visitar muchos museos, enriquecer y perfeccionar mi trabajo, hacer que muchas personas lo conozcan, y por supuesto, buscar la manera de vivir de esto, que es lo que más me gusta en la vida.

Omar Gasca: El Arte de Criticar

2009-01-05T15:36:00.006-06:00

Omar Gasca (Ciudad de México, 1952) es crítico de arte, miembro activo de la Association Internationale des Critiques D'Art y a la fecha es miembro de la Association Internationale des Arts Plastiques, de la Asociación de Artistas Plásticos de México, de Foto Foro Internacional y fundador de Integrarte (Instituto de Integración de las Artes). Artista interdisciplinario con un centenar de exposiciones colectivas y más de sesenta exposiciones individuales. Catedrático de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Ha dictado conferencias alrededor del mundo. Es autor de textos sobre arte y cultura en importantes publicaciones culturales nacionales e internacionales. Gasca es específico: hay que poseer obra que se origina en la propia comunidad, tener un orgullo oriental por lo que se crea en nuestro país. Gasca opina que no necesariamente el que gasta más tiene mejor colección de obra, sino aquel que con más tino, con más cultura, experiencia, imaginación e idea aportadas por él o por un crítico, elige la obra correcta que perdure en el tiempo y como un valor económico. En esta entrevista, se pone de manifiesto su vasta cultura, su permanente obsesión por el aprendizaje y la crítica. Contundente en sus aseveraciones, que lo transforman en un generoso surtidor de enseñanzas, sólo nos resta escuchar y aprender.

Omar, ¿cómo se forma y qué función cumple un crítico de arte?
El crítico de arte, en nuestro país, se forma, se modela a sí mismo a través de la observación, el aprendizaje, la práctica, el constante estar y permanecer dentro del conocimiento de las diferentes manifestaciones culturales del mundo. Es una profesión para la cual no hay Universidad, carrera propiamente hablando. La crítica habla no solo del arte, sino de lo social, lo político, de lo histórico y geográfico, de lo técnico y el sentido, de lo filosófico. Todos los críticos, no obstante su procedencia intelectual, coinciden en que vale la pena tener y poseer obra original. Casi siempre, un crítico es parte de la comunidad a la que se dedica su crítica; ejemplo de ello son los mexicanos Felipe Ehrenberg en la pintura, Octavio Paz y Juan García Ponce en la literatura, Salvador Toussaint en historia. Un crítico de arte es como un catador de vinos, es decir, cualquiera puede tomar un vino y apreciarlo, pero solamente aquel que ha vivido buena parte de su vida estudiando, probando, aspirando los aromas del vino, conociendo de qué regiones viene, el nombre de las uvas que lo conforman, solo él podrá ser un especialista en vinos. Así es un crítico de arte.

"Cualquiera puede gustar y poseer una obra de arte que cumpla todas las funciones de una obra de arte en sí, que son permanecer en el tiempo, provocar emociones, etc., pero tal vez no logre este cometido siempre. Un crítico de arte cumple entonces una función sociocultural importante: la de promover y provocar en el coleccionista obras que valgan la pena a través de los tiempos, así como un enólogo podrá favorecer a la formación de una buena cava con vinos que perduren en el tiempo y valgan la pena. Si una persona desea invertir en una buena cava, haría bien en consultar con un enólogo. Si un comprador de arte desea tener una buena colección de obra, hará bien en asesorarse de un crítico profesional de arte que le ayude a ver con ojos entrenados y así garantizar de alguna forma, su colección. La función de un crítico es la de ser intérprete y traductor, así como ensayista, es decir, la crítica de arte, es por así decirlo: una otra obra.

¿Existe el arte contemporáneo en nuestro país?
Con Arte Contemporáneo existe una confusión, ya que al haber una división histórica del arte, no puedes llamarle CONTEMPORANEO a un artista de nuestra época que pinte como se hacía en el siglo XVI. Cuando hablamos de cultura y de arte, lo contemporáneo quiere decir no lo que se hace hoy, en esta época, sino a lo que haciéndose hoy utiliza los medios, los lenguajes y habla de los problemas y asuntos que corresponden. Hay gente que vive en este año, en este siglo y en este lugar, y que escribe como escribió un escritor ruso hace cien años o un pintor que pinta a la manera de un pintor francés de 1870. Todo Arte contemporáneo es un Arte Emergente, esto es, lo que caracteriza al arte es aportar a nuestra época una visión distinta, un nuevo modo de hacer algo, lo que cumpliría con su función de artista.

¿Qué artistas emergentes, contemporáneos, existen en México que valga la pena nombrar?
La mayor parte de los artistas emergentes en nuestro país están aun en sus nichos, en sus estudios, no son precisamente los que están en las galerías y los museos, pero a la larga son los que estarán. En México hay muchos jóvenes talentos y la lista sería enorme y las ciudades en donde se destacan son Oaxaca, Monterrey, Tijuana, Distrito Federal y por supuesto Xalapa. Se presenta un problema con este arte emergente tanto para el coleccionista como para el artista, ya que mucho de este arte no es “comprable”; esto significa que en la misma génesis del arte emergente, es imposible adquirir tal como una instalación o un performance. La supervivencia de un artista es cada vez más complicada si quiere vivir de ello, porque muchos de sus productos no son cosas llevables a la pared o a un sitio físico. Ya que el arte emergente, sobre todo, tiene que ver con la fotografía, la danza, la música, la plástica, la literatura, etc. La pintura, como tal, ya no participa en sí del arte emergente aunque llegan a existir, en un número menor, algunos pintores que pueden llenar este nicho.

¿Qué opinas de las reproducciones de obras de arte?
Esto forma parte de las sociedades de consumo. En ellas, lo que más se vende es más vulgar, siempre se venderán más las pizzas que un buen filete, y siempre se venderá más una Coca Cola que un buen vino. Entre más vulgar, más éxito tienen las cosas en una sociedad de consumo como la nuestra. Si se hacen cojines o playeras de la Mona Lisa, pues no le pasa nada a la Mona Lisa, lo que me parece es que eso forma parte de un sistema de igualación, de pronto empieza a perder sus valores porque se vuelve rutinario, se vuelve cotidiano, y en la reproducción ocurre una cosa que se llamaría desgaste semántico: mientras más veas la imagen por todos lados, menos importancia llega a tener. Esto es una estrategia que se ha usado: para disminuir la importancia de algo repitámoslo mil veces. La repetición anula.

Omar, tú eres crítico de arte y artista. ¿Cómo logras esa simbiosis?
Nunca me propuse ser lo uno ni lo otro, simplemente me propuse realizar todo aquello que se me antojó hacer: empecé a escribir y a exhibir mi obra porque me lo pedían, pero ahora cada vez me dedico más a las artes visuales utilizando herramientas digitales, me aboco a la docencia y a la crítica que me gustan, al diseño al que me he dedicado durante años, a la edición de libros, y a muchas otras cosas. Para mí todo es lo mismo. Yo no veo alguna diferencia en otro orden que no sea el técnico; es decir, la escritura, la pintura etcétera, tienen sus medios, sus lenguajes y hasta sus espacios, pero para mí (ser artista) es realizar un ejercicio de creatividad, inquietudes e ideas para aportar algo. Una de las grandes crisis de la cultura en Occidente tiene que ver con la idea de la especialización. Yo no creo en eso. Yo no tengo etiquetas. Pero si me preguntas, me autodefino como Ingeniero. En el uso del sentido del ingenio. Es, como se autodefinió Felipe Ehrenberg hace muchos años como “Neólogo”. Eres todo: escritor, pintor, fotógrafo, etc.

¿Esto es un poco la idea del Hombre del Renacimiento, que estaba educado para escribir, pintar, componer música, actuar, saber de física y matemáticas etcétera?
Exacto. Yo creo que el Hombre de todos los tiempos debería ser una persona formada intelectual, espiritual y físicamente al máximo posible. En el mundo hay un montón de formas para hacer las cosas. Pienso que por ejemplo la Política es una forma de arte, hacer negocios es una forma de arte, como lo dijo en su época Andy Warhol. La verdadera iniciativa privada es hacer eso exactamente: lo que nace de ti y logras. Un gran empresario es aquel que mediante el ingenio y la creatividad genera nuevas visiones para hacer negocios y genera nuevos empleos y nuevos modos de vida para aquellos que trabajan con él, y crea sistemas de calidad, eficiencia y eficacia y capacidad de aportar. Aportar elementos para un devenir mejor, aquello que enriquezca la vida física, espiritual, intelectual y material.

Omar, ¿cuáles son los ingredientes que debe tener una obra de arte para ser considerada como tal?
La obra de arte debe ser promovida para que sea consumida de tres maneras: que se entienda y se consuma intelectualmente, que aporte algo al espíritu y que por lo tanto aporte emocionalmente y que, de preferencia, se obtenga, esto es, que físicamente sea poseída. A mí me parece que estar rodeado de obras de arte es vivir con calidad, estar rodeado de buena música, independientemente del género, es vivir con calidad, si se poseen mejores lecturas, etcétera, con toda seguridad, se será una mejor persona. Creo también que el arte es algo que debería estar más a la mano y apropiarse de el como un consumidor efectivo intelectual, emocional y material de la obra.

Salvador Cruzado: Fuera de Entorno

2008-12-29T00:01:00.001-06:00

Doctor en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana, pintor, escultor, diseñador gráfico, Salvador Cruzado ha sido ejemplo de la plástica contemporánea mundial, expositor en diversas colectivas y muchas mas individuales, Cruzado continúa enseñando y formado jóvenes dentro de la plástica. Su exquisita obra circula principalmente entre los coleccionistas europeos y norteamericanos. En México hay que volver la mirada a la obra de Cruzado de la misma forma en que su obra se regala al espíritu. Cruzado, de los últimos pintores contemporáneos mexicanos vivos, diseñador gráfico de entrada, diseña los logotipos de la Olimpiada México 68, en un grupo liderado por uno de los primeros grandes impresores en nuestro país: Miguel Galaz. Su amor a los animales, sobre todo a los mas desprotegidos lo lleva a formar parte, a lo largo de su vida, de asociaciones en pro del bienestar de fauna desprotegida y maltratada; a la fecha, forma parte activa de la Asociación Civil “Amigos de los Animales”, junto con Emilio Carballido, Sergio Pitol y Héctor Montes de Oca, entre otros. Su obra puede apreciarse en su página web: www.salvadorcruzado.blogspot.com. Es creador de una técnica que él denomina monotipo, impresiones posibles de realizar con diversos materiales como corcho, cartulina, óleos, solventes, con los que crear figuras impresas ilimitadas. Actualmente, la obra de Cruzado se cotiza en miles de dólares, en un mercado que es casi en su totalidad europeo y estadounidense.

Salvador, ¿cómo son tus inicios en la plástica?
En la escuela de instrucción primaria, la hacía la tarea de dibujo a mis compañeros, cobrándoles de 10 a 15 centavos por diseño, afamándome ya en quinto año al grado de exentar la materia. Sobre todo recuerdo mis largas horas en la biblioteca escolar, donde leía con toda clase de libros. Los que más me llamaban la atención eran los relacionados con la fauna y la flora. De aquello no conservo nada. Ningún dibujo.

¿Después iniciaste tus estudios formales?
Entré a La Esmeralda en 1971. Antes hice estudios durante cuatro años de Dibujo Comercial en la Escuela Libre de Arte y Publicidad, ubicada en lo que ahora es el Eje Central. Recuerdo sobre todo a mi maestro Macías, maestro muy especial, cara, tipo y cuerpo de pulquero, quien gustaba de irse a la isla de Tiburón con los indígenas. Es una práctica que yo también comienzo desde muy joven, porque convivir con nuestras raíces es fundamental para entender el universo. La sierra de Guerrero fue en muchas ocasiones mi refugio artístico y fuente de inspiración.

¿Y tu actividad como maestro?
En el Instituto Latinoamericano de Comunicación Educativa, ubicado frente al Campo Militar número 1 en la Ciudad de México, di cursos de Diseño de Cartel e Impresión en Litografía a becarios de todo el mundo, cuando fue director Álvaro Gálvez Cifuentes.

¿Qué opinas de la obra de otros pintores contemporáneos?
Reconozco la capacidad artística de los argentinos, los cubanos, los venezolanos, pero sobre todo de un grupo de haitianos, cuyo maestro era un peso welter en su tierra. Este personaje, representante cultural de Haití, era muy alto, fornido, de piel oscura y muy seductor, paseando por las calles del centro de México, en donde la mayoría de las jóvenes lo registraba en sus miradas.

¿Cómo y cuándo es que te inicias como pintor?
Me acabo de dar el título de pintor hace una semana. Al revisar lo que expondré en la Galería Alva de la Canal me di cuenta de que no estoy tan mal. Ahora sí soy pintor”, expresa con una sonrisa feliz en su semblante iluminado. “Soy enemigo del negro, la negación del color, jamás lo uso, pongo a girar a mis alumnos cuando les pido que no usen nunca el negro en sus composiciones.

Héctor Montes de Oca: Hacer la Luz

2008-12-22T00:01:00.004-06:00

Considerado por la crítica internacional como el fotógrafo de paisaje más importante de México, Héctor Montes de Oca es el único fotógrafo vivo que aparece en los catálogos de Estados Unidos y Europa al lado de Manuel Álvarez Bravo, Hugo Breme, Edward Weston, Tina Modotti, Nacho López y Mariana Yampolski. Sus imágenes se venden en todo el mundo junto a las del archivo Casasola y su nombre aparece junto al de los mejores fotógrafos a nivel internacional. Y lo mejor: es xalapeño. Fue además Director General de Comunicaciones de la Secretaría de Marina. Ha sido reconocido con diversos premios internacionales. Entre otros premios, obtuvo el Primer lugar en la Bienal Mundial de Fotografía “El Paisaje” (Florencia, Italia) y el Premio “Diosa de la luz”, categoría Blanco y Negro, otorgado por la revista Fotozoom. Recibió reconocimientos y medalla en la Convención Internacional de Fotografía Guadalajara 2000, así como al “Mejor Paisajista de México” de la Federation Internationale del`Art Photographique, en París. Su obra se vende exclusivamente en Europa y Estados Unidos, a través de catálogos especializados para coleccionistas. Homenajeado en publicaciones y eventos por National Geographic y Kodak, entre otras, Montes de Oca ha sido equiparado por lo depurado de su trabajo, con el brasileño Sebastián Salgao.

Héctor, ¿qué te motiva para estar siempre cambiando en el aspecto creativo?
Estoy motivado por el interés en las nuevas tecnologías y técnicas de impresión vanguardistas. Mis trabajos analógicos de fotografía están agotados. Sólo quedan en el mercado dieciocho obras finales que realicé en esta técnica. No habrá más, ya que me he retirado del trabajo de laboratorio con cámara de rollo e impreso en ampliadora.

Como fotógrafo, has trabajado profesionalmente para empresas de renombre internacional…
Así es. He colaborado con Klasstime, Kodak Professional de México, Volkswagen, la Secretaría de Marina, los Gobiernos de los estados de Puebla, Chihuahua y Veracruz, Sony, Fotozoom, la Fundación José Luis Cuevas, Watermill Express, RAI – Italia y National Geographic, entre otros.

Además de ser fotógrafo, también escribes textos sobre el tema…
He escrito más de 335 artículos en revistas especializadas y periódicos. Soy además corresponsal de la revista italiana Fotografare. También publiqué el libro Grand Canyon editado por National Geographic; este tomo fue presentado en Photofest 2004 de Houston, Texas. Y durante ocho años seguidos, he publicado diversos calendarios con fotografía de paisaje para Kodak Professional de México.

Sabemos que has realizado 53 exposiciones individuales en México, Estados Unidos y Europa, así como 107 colectivas. ¿Cuáles han sido las más satisfactorias?
Sin duda, una de ellas fue en el Palacio de Bellas Artes. También en Venecia, en Roma… muchas de ellas.

¿Cursaste estudios relacionados con las Artes Plásticas?
Por supuesto. Cursé las Maestrías en Historia del Arte (Scuola Nazionale d’Arte. Florencia, Italia), en Fotografía Publicitaria (Instituto Europeo de Diseño. Roma, Italia) y en Fotografía Profesional en Blanco y Negro (Centro de Excelencia Educacional Kodak), así como el Doctorado en Plataformas Digitales por el TEC de Monterrey.

Actualmente realizas el Directorio de Creadores del IVEC…
Así es. Se incluyen disciplinas todas las disciplinas del arte: pintura, escultura, litografía, dibujo y grabado; música y danza; teatro y literatura. Cuenta con promoción vía Internet, en las principales instituciones culturales de Argentina, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos, Francia, Perú y Reino Unido.

¿Qué otras facetas de la cultura veracruzana promocionas actualmente con el IVEC?
En septiembre de 2008 se realizará la primera exposición promocional de Creadores Veracruz en Madrid, titulada "La Creación Veracruzana". Allí se promocionaran los trabajos de siete artistas plásticos veracruzanos.

Estás realizando además un acervo fotográfico de todo el estado de Veracruz, el más ambicioso jamás realizado en nuestro estado…
Sí, ya tenemos producción total de imagen en Papantla, Perote, Córdoba, Xico, Emiliano Zapata… Y está por concretarse en Xalapa, Veracruz, Coatzacoalcos, Poza Rica, Martínez de la Torre, Cosamaloapan, La Antigua, Alto Lucero, San Andrés Tuxtla, Santiago Tuxtla, Vega de Alatorre, Tecolutla, Ixhuatlán de los Reyes, Teocelo, Paso de Ovejas, Puente Nacional, Chacaltianguis, Naolinco, Medellín, Soledad de Doblado, Úrsulo Galván, Acayucan, Sayula y Minatitlan. En El Tajín se realizó la toma de imágenes que forma parte del acervo del IVEC y se entregaron ampliaciones a la UNESCO y a la ONU. En Tlacotalpan se realizó el registro de imágenes y la producción de postales.

¿Y a nivel de tu obra personal?
Hace poco se hizo la Exposición Itinerante en Francia. Participé en el Foro de Cultura, Arte y Patrimonio en el puerto de Veracruz. Tuve la exposición individual “Sueños y Paisaje”, fotos presentadas en el Palazzo Quirinale en Roma, Italia. Esas fotos tienen como particularidad el delicado manejo digital y la expresión en una etapa nueva de mi vida artística. Participé en la exposición colectiva “Paisajes de Veracruz” en la pinacoteca Diego Rivera en marzo

¿Se han sumado nuevas publicaciones?
Claro, participé en los ejemplares de la revista Fotozoom en enero, marzo y junio de este año. Diario de Xalapa publicó en enero los trabajos que realicé en el año a favor del turismo cultural, en febrero se publicó la exposición de paisaje colectiva. Tuve además una amplia entrevista en RTV acerca del proyecto creadores veracruzanos.

¿Cómo ves el panorama actual en la fotografía de América Latina? ¿Existe la infraestructura tecnológica para sustentar las nuevas corrientes y propuestas?
Observo que el panorama se podría ampliar, más que a Latinoamérica, al mundo, y esto se debe al vertiginoso desarrollo de la tecnología. Hoy, a través de los mecanismos y las plataformas virtuales como lo es Internet con los sitios electrónicos, se le está dando una proyección a las imágenes como nunca antes; algo que hace quince años era inesperado. Quisiera mencionar que definitivamente hay la infraestructura tecnológica para seguir la vanguardia de la creación artística y en este caso fotográfica: podría decirse que está sobrada. Creo que esto es bueno por la producción, aunque malo por la saturación. Los jóvenes son devoradores de imágenes, ven pero no observan, se pierden; esto es lógico, hay tantas imágenes… Una recomendación general es visitar los sitios especializados en los que hay una curaduría de imágenes, en su caso páginas de museos, de artistas con reconocimiento, de universidades y galerías, sentir la sensación de ir a disfrutar y gozar de la obra. Faltaría un organismo que certifique la calidad, pues ahora el dilema es saber quién archiva la información. ¿Dónde se está yendo la gran cantidad de imágenes que hay?

¿Cuáles crees que sean las tendencias dentro de la fotografía a nivel mundial, y de qué forma se siguen en Latinoamérica?
Tres grandes áreas se están desarrollando en la fotografía. Primero, la cuestión conceptual, ya definida. Se entregan los trabajos directamente a galerías, en el que el gran problema es la selección de los mismos por la gran cantidad de imágenes que llegan. La segunda es la moda, especialmente lo que refiere a las casas de los prestigiados diseñadores, todo el trabajo artístico de estudio que se está realizando en desfiles, pasarelas, revistas, por mencionar algunos. La tercera es la publicitaria. Abarrotada por todos lados, se ha llegado a una uniformidad en el mensaje publicitario; la misma calidad se puede encontrar en un país de desarrollo medio que un país alto en desarrollo. En los tres géneros interviene la arquitectura de manera profesional y es que entre ellos existe una interconexión. Los grandes fotógrafos han salido de sus especialidades para involucrarse en general en las tres grandes áreas mencionadas.

¿Latinoamérica es propositiva o vanguardista en cuanto a la actividad fotográfica?
Latinoamérica resulta ser más propositiva que vanguardista, se retoma la herencia europea hacía el concepto basado además en un sincretismo cultural étnico. Una de las grandes ventajas de los países latinoamericanos es esa riqueza, que hoy en día se sigue expresando en la fotografía: la arqueología, antropología, historia, y sociología. Intervienen estas disciplinas de las ciencias sociales en la fotografía. Un aspecto a destacar también es la fotografía de denuncia, el fotoperiodismo. Los países latinoamericanos que reflejan el realismo en el área de reportaje gráfico, se observan las quejas hacía los gobiernos, los problemas de pobreza y desigualdad.

En cuanto a la Academia, ¿nuestro país está a la vanguardia o existe lo que se llama “fotografía amateur”?
Lo que pasa en nuestro país en el caso académico es muy simple, hay un notable retraso. Aunque existe el potencial creativo, los alumnos tienen que enfrentarse a la realización de la fotografía digital extramuros, porque las escuelas, cuando menos las públicas, no han dado la respuesta inmediata como deberían haberlo hecho. Hay un dato relevante que deseo comentar, en cuanto a las últimas estadísticas que consulté en los Estados Unidos. Indicaban que México es de los países que más fotografía artística producen, el gran problema es la comercialización: no es redituable, realmente es una cuestión cultural, el fotógrafo no logra tener una ganancia en su oficio. Las compañías especializadas en su caso, Kodak como todas las demás compañías que han reducido el área de insumos en México, se interesan por vender materiales en el área amateur: es ahí su segmento de mercado. Las publicaciones también, en su mayoría, son de fotografía amateur.

Historia de los Mazzotti

2008-12-13T19:18:00.013-06:00

PARTE CUATRO
El Taller

Luis se casó en 1930 con una bella yucateca hija única del doctor Palomo, teniendo ambos dos hijos: Margarita, "La Piccolina" quien nació en 1935 y se casó con un biólogo centroamericano del que tuvo dos nenas. Giocondo se casó en el D.F. en 1926, con una chica también llamada Margarita de la cual nacieron: Marthita, tu tía Margarita "Magocha", con tres hijos varones: Luis, Leopoldo y Octavio y dos mujeres: Adriana y Claudia.

Alrededor de 1906 se abrieron al público el Palacio de Bellas Artes y el edificio de Correos, por lo que ya para entonces los Mazzotti se quedaron sin contrata, pero lejos de repatriarse han de haber solicitado permiso para quedarse como emigrados establecieron en la misma casa donde vivían un taller de imágenes religiosas, actividad ésta que al fin y al cabo era su profesión y de la que se habían sostenido en Italia, actividad seguramente heredada de sus ancestros, de quienes no tengo conocimiento alguno.

Edificio de Correos de la Ciudad de México

Esa actividad, la de la creación de imágenes tuvo el soporte de la religiosidad que tenía casi toda la gente antes de la Segunda Guerra Mundial y de la aparición de la televisión. Tan popular y generalizado permeaba el sentimiento religioso que siempre todas las personas tenían en su casa un lugar dedicado al culto, cualquiera que fuera su condición social. De esta manera, se podía ver y saber que ese sitio era más importante y más rico en cuanto lo fuera la fortuna del dueño, habiendo verdaderas iglesias en las más ricas mansiones, capillas en las casas grandes y haciendas, capillitas en los ranchos y casas ricas y generalmente, un lugar muy recoleto en los domicilios de la mayoría, imperando siempre, en todos ellos figuras religiosas, altares, veladoras, floreros y flores y demás objetos de culto; cada persona era, por lo demás, devota a un determinado santo.

Interior del Edificio de Correos de la Ciudad de México

Gracias a esta generalizada religiosidad había una amplia demanda de imágenes del culto, que de diversos tamaños reproducían desde Dios padre y Dios Hijo así como todas las advocaciones de la virgen María, todos los santos y santas del Cielo y figuras menores como las ánimas del Purgatorio o cruces y demás, que se hacían, antes de la invención del plástico, con yeso y polvo de mármol. A esa demanda respondía un gran comercio de estas figuras que representaban todas las imágenes que nos enseña la religión católica y su venta se hacía por medio de casas especializadas que llegaban a ser muy elegantes, las cuales aún existen en las calles traseras de la catedral de México o por la calle Cinco de Mayo en el Distrito Federal,así como otras firmas más modestas, vendiendo todas generalmente figuras de importación. Sin embargo, había talleres que trataban de imitar el grado de perfección de esas piezas extranjeras, no faltando algunos chambones que fabricaran otras de menor calidad a menor precio.

El Palacio de Bellas Artes

Los Mazzotti, pues, establecieron ese taller luciendo así sus cualidades artísticas en ese ramo y se convirtieron en fabricantes especializados de imágenes religiosas. Con su experiencia, así como herramientas, moldes y diseños que deben haber traído desde Lucca en su equipaje, empezaron a competir en ese mercado tan vasto y generoso, estableciéndose en ese taller ubicado en una de las zonas de relevancia de la ciudad de México de ese entonces. Dicha labor les hizo buscar, no sé porqué ni cuando, establecerse en Guadalajara, Saltillo y Torreón, regresando posteriormente a la capital del país a seguir ejerciendo su especializada tarea artística y comercial.

El Taller: Don Luigi, Doménica, Ninno, Alberto y Espiridión

(Esta última fotografía: cortesía de María de las Elenas, bisnieta de Doménica Mazzotti y Leonor Bosch)

(continuará)

Historia de los Mazzotti

2008-12-07T20:17:00.011-06:00

PARTE TRES
Los Científicos

Ninno, en tanto, se casaba con una muchacha nacida en Paso del Norte, Durango, también llamada Manuela, misma que sería madre de tus tíos Luis(nacido en 1900) y José Giocondo Mazzotti Galindo (nacido en 1902), en Parras de la Fuente, Coahuila fué admitido en un batallón de infantería del Distrito federal como soldado raso, comisionado como camillero en el servicio médico facilitándose su ingreso a la escuela de Medicina. Fue discípulo del famoso médico Gustavo Baz Prada. Dominaba varios idiomas además del italiano que hablaba su papá. En 1926 Llegó a Tula de Allende, Hidalgo, encargado del Centro de Higiene y de Protección a la Infancia, dedicándose a estudios epidemiológicos y condiciones en materia de salud de los indígenas, asimismo, fue un cirujano de vanguardia que realizó las primeras operaciones gastrointestinales en nuestro país. Se casó con Maria Luisa Villarreal Salazar, procreando a cuatro niñas:Margarita, Martha, Maria Luisa, y Teresa. Esta última destacándose a nivel profesional como una gran científica en el área de Química,al igual que Margarita, quien ha dedicado su vida a la carrera de Química Farmaco Bióloga. José Giocondo falleció en 1979.

Luis Mazzotti Galindo como sabes, muy notable como investigador, nació con el siglo y murió de 71 años, realizando en su vida profesional profundas investigaciones en parasitología, escorpionismo y enfermedades tropicales: descubrió, asimismo, un método para la diagnosis de la oncocercosis que la Organización Mundial de la Salud designó con el nombre:¨Reacción Mazzotti¨. Aisló el gérmen del Treponema Cruzi y estudió el Mal de Chagas; obteniendo reconocimientos de distintas universidades del extranjero, las cuales lo nombraron Doctor en Honoris Causa y premios como el Emile Brumpt de París y el Goncourt de Francia y por México dos medallas: la Eduardo Liceaga y la del Mérito Sanitario. Su nombre aparece en importantes enciclopedias.

Luis Mazzotti Galindo

En 1938 Mazzotti describió los dos primeros casos reconocidos oficialmente de enfermedad de Chagas agudos en México, y dos años antes, observó por primera vez un triatómino infectado naturalmente por T. cruzi en este país (1936) y posteriormente, la infección en otros géneros y especies: T. pallidipennis, T. dimidiata (1937), R. prolixus (1938), T. rubida (1938), así mismo, estudió la distribución geográfica de los triatóminos en el país, además de una nueva especie (T. hegneri) y coadyuvó al estudio y descubrimiento de múltiples especies en el país.

Además, entre otras cosas, infectó garrapatas e inoculó ratones para estudiar el comportamiento en estos roedores. Una especie de Triatoma le fue dedicada en su honor: T. mazzotti. Mazzotti, es sin duda, hasta la fecha, el chagólogo mexicano más destacado.

Datos tomados del artículo: "Apuntes para la historia de la enfermedad de Chagas en México" ("Notes for the history of Chaga's disease in Mexico"
Óscar Velasco-Castrejón, Beatriz Rivas-Sánchez
Laboratorio de Medicina Tropical, Unidad de Medicina Experimental, Facultad de Medicina-UNAM, Hospital General de México,
México, D. F., México.

Dipetalogaster maximus: el transmisor más grande de la enfermedad de Chagas

El trabajo intenta resumir los datos históricos más importantes sobre el conocimiento de la enfermedad de Chagas en México y su correlación con otros países latinoamericanos, desde el descubrimiento de los triatóminos, de los cuales se desconocía en ese entonces su capacidad de transmisión, hasta los recientes trabajos sobre eliminación de la transmisión vectorial y por hemotransfusión, así como los intentos de mejorar el diagnóstico de la enfermedad, utilizando métodos de biología molecular. Entre los datos más importantes sobre México, se citan los de los descubrimientos de la enfermedad de Chagas, de los transmisores y reservorios, así como la forma en que la Campaña Nacional de Erradicación Palúdica, simultáneamente al control de la malaria, evitó que México se convirtiera en un país hiperchagásico, mediante los rociados periódicos intradomiciliarios con DDT y otros insecticidas, la existencia de Chagas visceral y congénito, así como otros datos seroepidemiológicos obtenidos por la encuesta serológica nacional, los de riesgo de transmisión de Trypanosoma cruzi por hemotransfusión, además de los principales trabajos de los autores mexicanos más reconocidos, desde Mazzotti hasta nuestros días. También se hace un reconocimiento al único investigador que ha logrado simultáneamente, descubrir al transmisor, al agente etiológico y a la enfermedad: Carlos Chagas.

Avances contra la enfermedad de Chagas (video)

Finalmente, en vista de que se están detectando casos frecuentes de miocardiopatía aparentemente chagásica negativos por serología y otros métodos diagnósticos a T. cruzi, y positivos, incluso por cultivo a Leptospira interrogans, se hace hincapié en el diagnóstico de esta bacteriosis en ese tipo de enfermos

Velasco-Castrejón O, Rivas-Sánchez B
Apuntes para la historia de la enfermedad de Chagas en México
Bol Med Hosp Infant Mex 2008; 65 (1): 57-79
www.medigraphic.com

El Instituto Mexicano del Seguro Social honró su nombre con un Centro de Salud Comunitario en la ciudad de México. Asimismo, en la clínica que lleva su nombre se llevan a cabo desde el año de 2008 pruebas de sida gratis para mujeres embarazadas.

Doménica, por su parte, se casaba por tercera vez con María Leonor Bosch en la ciudad de Qurétaro, Qro. en 1904

(Estas dos últimas fotografías: cortesía de Maria de las Elenas Hernández, bisnieta de Doménica y Leonor)

Historia de los Mazzotti

2008-11-23T10:53:00.018-06:00

PARTE 2
Salida hacia América

"De 34 años de edad en esa época Doménica era, tal y como se aprecia en las fotografías coincidentes con las pláticas de mi padre, (Alberto), un hombre fornido a de baja estatura y ojos claros, frente amplia y bigotes tan largos, que sus puntas llegaban hasta sus hombros.

Doménica Mazzotti

"Doménica fue el primer hijo varón de don Luigi Mazzotti Roveglia.

Don Luigi Mazzotti Roveglia

"Luigi ya era viudo en esas fechas de tu tatarabuela, Paola Donatti, quien murió a los 32 años en Italia en 1874. Don Luigi fue artesano en Lucca y esta profesión la heredó a sus dos hijos, lo que les valió para decidirse a viajar a América contratados por Adamo Boari, quien inició la construcción arquitectónica del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.

Video sobre la construcción del Palacio de Bellas Artes, en México

"Tu tío abuelo Giovanni fue el hijo menor.

Giovanni Mazzotti

"Amanda, nacida en 1861 y fallecida a los cuatro años de edad también en Italia, fue la hermana mayor de ellos, siendo todos nativos de la comuna de Coreglia Antelminelli.

Escudo de Coreglia Antelminelli

"Esta última es una comuna de la Toscana a 75 kilómetros de Florencia y a 25 kilómetros de Lucca, ciudad localizada en la Toscana, al Noroeste de la República de Italia.

Ubicación de Lucca en Italia

Mapa de la ciudad de Lucca

(Datos de I carbonari, Mapas y escudos: fuente: Wikipedia)

"Carentes de recursos y sin horizontes halagüeños, tal vez deseando cambiar de aires, presionados por la situación que vivían los europeos y seguramente animados por la gran corriente migratoria hacia América, los Mazzotti deben haber visto con buenos ojos la contratación de Doménica, quien recién viudo en 1894 de una hermosa toscana de 24 años llamada Illia Coreglia Antetminelli, que murió de parto al nacer tu abuelo Alberto, vio con buenos ojos el partir a América.

Escudo de Lucca

"Se decía que en Lucca había noqueado a un noble celoso que por obscuro lance de amor lo había retado a duelo, aunque también me contó mi padre Alberto, que Doménica pertenecía a la sociedad secreta de los Carbonari.

Los techos de Lucca

"Los Carbonari ('quemadores de carbón')fueron los grupos de sociedades secretas revolucionarias fundada a principios del siglo XIX en Italia. Sus objetivos eran patrióticos y liberales que desempeñaron un papel importante en el Risorgimento y los primeros años del nacionalismo italiano.

Emblema de los Carbonari

"Aunque no está claro donde se establecieron originalmente, llegaron por primera vez a la prominencia en el Reino de Nápoles durante las guerras napoleónicas. Comenzaron por resistir a los franceses ocupantes, en particular, Joachim Murat, el bonapartista Rey de Nápoles.

Antiguos grabados representando a los Carbonari

"Sin embargo, una vez terminadas las guerras, I Carbonari se convirtió en una organización nacionalista, con una marcada lucha contra la tendencia de Austria y fueron fundamentales en la organización de la revolución en Italia en 1820-1821 y 1831. La revolución de 1820 comenzó en Nápoles contra el Rey Ferdinand I de las Dos Sicilias, que se vio obligado a hacer concesiones y la promesa de una monarquía constitucional. Este éxito inspiró a Carbonari, en el norte de Italia a la rebelión también. En 1821, el Reino de Cerdeña había obtenido una monarquía constitucional como resultado de las acciones de los Carbonari. Sin embargo, la Santa Alianza no toleró este estado de cosas y en febrero de 1821, envió un ejército para aplastar la revolución en Nápoles. El Rey de Cerdeña también llamó a la intervención austriaca. Frente a un enemigo abrumadoramente superior en número, las revueltas Carbonari se derrumbó y sus dirigentes huyeron al exilio.

"En 1830, Carbonari tomó parte en la Revolución de julio en Francia. Esto les dio esperanza de que el éxito de una revolución podría realizarse en Italia. La oferta en Módena era un fracaso pura y simple, pero en febrero de 1831, varias ciudades de los Estados Papales se levantaron y voló la Carbonari tricolor. Una Fuerza de Voluntarios marcharon sobre Roma, pero fueron destruidos por tropas austríacas que habían intervenido en la solicitud del Papa Gregorio XVI.

"Tras el fracaso de los levantamientos de 1831, los gobiernos de los estados italiano reprimieron a los Carbonari, que ahora prácticamente había dejado de existir. El más astuto de sus miembros se dió cuenta de que nunca podría vencer sobre el ejército austriaco en la batalla abierta y se unió a un nuevo movimiento, Giovane Italia ("Joven Italia"), dirigida por Mazzini.

"Al llegar a México, Doménica inició el trabajo para el que había sido contratado, desarrollando su especializada artesanía consistente en cubrir con delgadas laminillas de oro las volutas de madera y yeso de los decorados interiores, alternándola con su otra habilidad como creador de vitrales emplomados, desarrollando ambas labores durante un año, lapso en el cual y convencido por él, su padre y hermano decidieron hacer el mismo viaje, trayendo a tu abuelo Alberto que por esos años ha de haber tenido 4 años de edad.

Doménica Mazzotti y sus largos bigotes

En la capital del país, se alojaron en la casa 155 de la calle Santa María la Redonda y en la que ya vivía Doménica, casado en segundas nupcias con una muchacha mexicana de nombre Manuela Ávila, de la que tu abuelo tomó su segundo apellido, misma que murió un año después, en 1899, por lo que Doménica queda viudo por segunda ocasión.

(Mapas,Escudos e historia de los Carbonari: Fuente: Wikipedia)

Poemas

2008-11-22T17:50:00.005-06:00

"YO SOY MIS AMIGOS MUERTOS..."

A Giny, Pablo, Hero, Luz, Javier, Danilo,María, Hugo, Vania,Lorenzo

Yo soy mis amigos muertos.

Astros apagados, sangre detenida.
Soles eclipsados a destiempo.

He llorado lágrimas de plomo.
Y sigo lamiendo mis heridas.

Yo soy aquellas despedidas prematuras
Soy su reflejo. Lo que fueron. Lo que seré.
Soy su pasado y ellos mi futuro.
Soy aún su alma encadenada, la servidumbre de la tierra:
su polvo, sus lágrimas,
sus ojos, los que ven por ellos;
soy sus manos, una parte de su alma.
Así les pertenezco.

Pero soy también el brillo de sus ojos.
Sus hijos no nacidos.
Su aire enrarecido.
El alcohol encendido en la bañera.
La bici desmayada en la banqueta.
La casa abandonada.

Soy su ataúd, su mortaja. Las cenizas.
El centro de la estancia silenciada.
No más miel, no más mar, no más rosas.
Balalaicas celestiales.
Cascos y fuetes contenidos.
Naves vacías.
Palabras ya nunca escritas.

Yo, aquí, soy aún su todo.
Y no soy nada.

¿Dónde están?
Hace mucho no los veo
¿los vi ayer, apenas?)
Hace tanto los recuerdo:
no hay paz en su muerte, no es verdad.

Nunca se dice adiós del todo.

Historia de los Mazzotti

2008-11-16T14:45:00.016-06:00

PARTE UNO
Comienza la historia

Los Mazzotti fueron habitantes de la Toscana, quienes surcaron las aguas trasatlánticas, tres meses bajo el nivel del mar, en tercera clase, para llegar a América a través del puerto de Veracruz (México) y labrar, junto con otros cientos de manos europeas y mexicanas, la belleza del Palacio de Bellas Artes, el Edificio de Correos y otras joyas arquitectónicas construidas durante el porfiriato en México.

Este es el relato escrito a máquina que mi padre: Humberto Alfredo Alberto de Jesús Mazzotti Rodríguez, nacido el 13 de febrero de 1929 y bautizado por la Iglesia Católica el 14 de marzo del mismo año con estos nombres. Él nos dejó este documento como legado a mis hermanas: Honorata, Giovanna y a mí. A sus nietas Frida Constanza, Luciana, Irene y Astor, su único nieto varón.
Sea.

PARTE 1

Comienza la historia
“Casi terminado el siglo antepasado, allá por 1892, desembarcó en Veracruz, Don Doménica Mazzotti Donatti, tu bisabuelo, que junto con otros 36 italianos contratados por el famoso arquitecto Adamo Boari, paisano suyo, lo ayudarían a realizar la construcción del Palacio de Bellas Artes antes: Teatro Nacional, contrato que obedecía al gobierno de don Porfirio Díaz; siendo esta obra, junto con la de la Cámara de Diputados, y el edificio del Correo, la del que iba a ser el Palacio de Justicia y otras más, las importantes, grandiosas y bellas construcciones que se construyeron en la capital del país reflejando de alguna forma el progreso alcanzado por México en ese gobierno.

Construcción del Palacio de Bellas Artes

"De 34 años de edad en esa época, tu bisabuelo era, según fotos que obran en tu poder y por pláticas de mi padre, un hombre fornido aunque de baja estatura, de ojos claros, frente amplia y bigotes exageradamente largos, tanto que sus puntas llegaban hasta sus hombros. Doménica fue el primer hijo varón de don Luigi Mazzotti Roveglia, ya viudo en esas fechas de tu tatarabuela, llamada Paola Donatti, muerta de 32 años en Italia en 1874: él era, a su vez, también artesano. Tu tío abuelo Giovanni fue el hijo menor, mientras que Amanda, nacida en 1861 y muerta de 4 años también allá, fue la hermana mayor de ellos, siendo todos nativos de Correglia, cerca de la amurallada ciudad de Lucca, ciudad de la toscana, provincia localizada al NorOeste de Italia.
Tu tatarabuelo Luigi, jefe de la familia, debió haber nacido en 1836 y era, vuelvo a remitirme a tus fotos y a mis recuerdos de las pláticas de mi padre, un tipo verdaderamente hermoso físicamente, tanto así que un escultor de la Academia de San Carlos le hizo un busto que se exhibió al público.

Luigi Mazzotti

"Luigi murió en 1908, siete años antes de casarse tus abuelos, aquí en México; también aquí murió Doménica, viudo por tercera vez, cuando mis padres vivían en la calle de Lerma y en los brazos de tu abuelo, teniendo 61 años de edad, luego de haber comido sandía acalorado por reparar una caldera, en 1924. El tío Ninno murió de 85 años en 1950, a consecuencias de un atropellamiento de auto cuando vivía con el tío Luis en su casa de la calle de Puebla del Distrito Federal".

Continuará...

Eumelia Yerena y Puslá: El arte de nacer feliz

2008-11-15T17:13:00.007-06:00

Eumelia Yerena Cerdán es bailarina de profesión. Diplomada por la Universidad La Salle; Certificada por la ANIPP (Asociación Nacional de Instructoras de Parto Psicoprofiláctico); y Socia de Lac Mater IBFAN Mex A.C. como consejera de lactancia materna.

Eumelia, ¿qué es el parto psicoprofiláctico?
Se refiere al nacimiento de un niño por vía vaginal, sin anestesia, en el que la mujer colabora y confía en su función reproductiva, en su sabiduría interna, así como en su capacidad para parir. Es un parto que se produce gracias a la maravilla de la fisiología y en el que los procedimientos obstétricos se aplican únicamente en caso de necesidad. En mi caso, conociendo la función de cada una de las partes del cuerpo, resultó más fácil la comprensión de la fisiología perinatal y el adecuar los movimientos dancísticos para trabajar específicamente los músculos que se necesitan para parir. Yo no soy partera, soy Educadora Perinatal y Doula, que significa “acompañante en el parto”, aunque aquí en Xalapa no existe esa figura. Mi función termina en las clases en el taller.

¿Cuál es la importancia social del rol de la mujer que pare de manera natural?
Cada vez son más las mujeres que se plantean la posibilidad de tener a sus hijos de un modo diferente, fuera de la frialdad de los hospitales, del trato invasivo de los médicos y de las carencias que existen en los servicios de salud. El papel de la mujer está en abogar porque la libre elección sobre la forma de traer a los hijos al mundo, sea un derecho y no un bien de mercado o un juego de azar, según el equipo que te toque, que puedan contar con la información necesaria para decidir cómo quieren parir, dejando de ser objeto pasivo de intervenciones rutinarias y definitivamente que exigir que se respeten las recomendaciones de la Organización Mundial de la Salud en lo que respecta a la atención al parto.

¿Qué pasa, qué se dice desde el punto de vista de una instructora de parto psicoprofiláctico del parto clínico?
La realidad en nuestro país en cuanto a los servicios de atención al parto, dista mucho de la mayoría de los países europeos como consecuencia de la aplicación de las recomendaciones que la OMS ha ido publicando en los últimos veinte años. Las primeras datan de 1985 y fueron el resultado de varios años de evaluar la calidad de la atención al parto en diversos países europeos. El informe explicaba cómo la atención medicalizada al parto carece de sistemas adecuados de autocontrol de calidad y de las referencias necesarias para evaluar sus prácticas, ya que la mayor parte de los profesionales sólo conoce cómo evoluciona el parto una vez controlado, es decir, alterado, pero no cuando evoluciona de forma fisiológica, sin intervenciones. Como consecuencia de dichas recomendaciones y de la inclusión de movimientos de mujeres a favor del parto humanizado y de parteras, una gran parte de los países europeos ha modificado sus prácticas hospitalarias y los planes de estudio de las escuelas, para adecuarlos a esta renovada concepción del parto como algo natural y fisiológico. México se ha quedado al margen de esta tendencia desmedicalizadora y se ha alineado más con Latinoamérica, donde algunos de sus países tienen los más altos índices de medicalización y cesáreas en el mundo. En el alto grado de intervencionismo está el origen de nuestra alta tasa de cesáreas y de otras intervenciones que exceden por mucho lo recomendable por este organismo y por la medicina basada en la evidencia. Es hora de reflexionar sobre el punto en el que nos encontramos en el proceso de liberación de la mujer; hemos ganado unas libertades impensables hace algunos años, pero en lo que se refiere a la atención al parto, la sumisión al sistema adquiere grados casi ridículos.

¿Cómo redunda culturalmente aquel niño que nace de manera natural?
Hay quienes dicen que tanto escándalo por unas cuantas horas que dura el proceso de parir, que qué tanto cuentan en toda una vida. Cuentan y mucho, el parto es el parteaguas en la vida de una mujer, es el antes y el después, el punto justo entre la vida y la muerte, es la experiencia de la muerte de una parte del propio cuerpo para dar vida al nacimiento de otro ser. De cómo se trate a una embarazada en su parto dependerá buena parte de su vida emocional y fisiológica. Todo lo que ocurre durante el parto es determinante en cómo se percibe después la mujer a sí misma puede afectar la relación entre ella y el bebé, incluso entre ambos padres y el bebé, durante años después del parto. El amanecer de la consciencia en un ser humano que abre los ojos por primera vez en nuestro mundo, está repleto de de significado para sus padres, el contacto piel a piel facilita el vínculo, el apego, el cual es utilizado para describir un importante proceso que se produce inmediatamente después del nacimiento y durante el cual la madre dirige su comportamiento de apego hacia su hijo por medio de miradas mutuas que ocurren durante el primer amamantamiento. Un buen parto no es sólo cuestión de seguridad, ni de alcanzar el objetivo de que madre e hijo estén vivos y físicamente sanos. Un buen parto es aquel en el que la mujer vuelve la vista atrás, suceda lo que suceda, con satisfacción y plenitud. Es importante no perder de vista cuál es el objetivo final, que es brindar a las mujeres y a sus bebés una atención absolutamente respetuosa con su dignidad y su derecho a la libertad de elección, con su naturaleza y fisiología, con los aspectos emocionales del nacimiento, con el vínculo que une a una medre con su hijo.

¿Cuáles son las ventajas y desventajas del parto natural?
Desventajas no creo que existan, ya que nuestro cuerpo está creado para parir naturalmente y eso no puede tener alguna reacción negativa. En el parto natural la madre tiene control total sobre su cuerpo y puede responder a cada impulso que éste le dicte, cuando se encuentra bajo algún tipo de anestesia únicamente puede seguir órdenes del personal médico. El apego madre e hijo se da de manera inmediata al igual que el amamantamiento. La recuperación de la mujer durante el posparto es más rápida y la atención al recién nacido más fácil. El parto puede ser fácil, indoloro y breve, o todo lo contrario, pero no tiene que ser un acontecimiento médico exclusivamente, ya que el nacimiento tiene un significado más allá de sacar un bebé del cuerpo de una mujer.

¿Qué es Puslá?
En Puslá, que significa “nacer” en totonaco, las mujeres podrán encontrar un espacio, tranquilo para ejercitarse físicamente durante el embarazo y el posparto, un espacio donde conocerán todas las posibilidades que tienen para parir y así ellas poder elegir de qué forma quieren hacerlo, un espacio donde conocerán semana por semana el proceso de su embarazo, la mejor manera de alimentarse, toda la información para el cuidado del recién nacido, la asesoría para la lactancia al seno materno, los cuidados en el posparto, y finalmente, después de treinta o cuarenta días, regresan para trabajar los músculos que se debilitaron con el parto. En Puslá, podrán conocer a otras mujeres o parejas que están pasando por la misma circunstancia del embarazo, y así darse cuenta que no son las únicas.

¿Qué tipo de atenciones se brindan allí a las embarazadas?
Las clases son una vez a la semana con una duración de dos o tres horas, de preferencia se inicia en el cuarto o quinto mes de gestación, para terminar una o dos semanas antes de la fecha probable de parto. Es importante que asista la pareja a acompañar a la mujer, aunque también puede ser el papá, una hermana, una amiga o quien ella decida, para que se vaya familiarizando con el método y pueda servir de apoyo y acompañante durante el parto. Las mujeres aprenden técnicas de relajación y de respiración que las ayudan a prevenir el estrés obstétrico. Independientemente de la clase, las mujeres pueden hacer cita para tratar asuntos especiales y también para recibir masaje prenatal. Las clases son los lunes y miércoles a las 18:00 horas y los sábados a las 9:30, dependiendo cómo se formen los grupos. Pueden escribir al correo meliyerena@hotmail.com. Hasta ahora han nacido ya cuatro bebés y diez mujeres más se encuentran en atención.

Inútil sacrificio a un dios inexistente

2008-11-12T19:39:00.001-06:00

Fue como el final de una corrida de toros. Cruel, dramática, ineludible.

Una Fiesta quirúrgica, sin sangre ni lamentos. Puro corazón batiente, desbocado, aniquilado desde ya.

Rodeando el cadáver, estaban los cuatro gatos gordos.

La lagartija boca arriba, las cuatro patas engarrotadas; de su vientre, irremediable, mortalmente herido, brotaba una tripita granate, como tornasolada, minúscula, casi inexistente.

Al escuchar mis pasos, los cuatro pares de ojos voltearon a un tiempo.

Ni rabo ni oreja.

Todo había terminado.